Lee Krasner była stałym innowatorem, posunęła się do cięcia i recyklingu wcześniejszych prac, które nie spełniały już jej wysokich standardów. Przyjęła styl kubistyczny spopularyzowany przez Pabla Picassa, „całościowe” podejście do ekspresjonizmu abstrakcyjnego i barwną formę kolażu widoczną w późnej twórczości Henri Matisse - ale jej wszechstronność była długo pomijana przez świat sztuki, który zbyt często klasyfikował jako poboczna postać w kręgach American Abstract Expressionist, lepiej znana jako obowiązkowa żona Jacksona Pollocka.
Nadchodząca wystawa w londyńskiej Barbican Art Gallery dąży do zmiany wizerunku Krasnera, wykorzystując prawie 100 prac, aby prześledzić trajektorię jej 50-letniej kariery. Retrospektywa zatytułowana Lee Krasner: Żywy kolor zawiera wczesne autoportrety, rysunki życia na węglu drzewnym, abstrakcyjne obrazy na dużą skalę, kolaże i wybór ze słynnej serii „Małe obrazy”.
Urodzony w rosyjskich imigrantach w 1908 roku, Krasner postanowił zostać artystą w wieku 14 lat, zapisując się na jedyny lokalny kurs artystyczny dla dziewcząt w tym czasie. Jak pisze Charlotte Flint, asystentka wystawy w blogu na Barbakanie, młody rodak z Brooklynu szybko porzucił tradycyjne style, zamiast tego zdecydował się na odważne, nowoczesne ruchy zapoczątkowane przez Picassa, Matisse'a i podobnie awangardowych artystów.
Lee Krasner, „Mosaic Table”, 1947, kolekcja prywatna (© The Pollock-Krasner Foundation. Dzięki uprzejmości Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nowy Jork) 
Lee Krasner, „Abstract No. 2”, 1947, IVAM Center, Hiszpania (© The Pollock-Krasner Foundation. Dzięki uprzejmości IVAM) 
Lee Krasner, „Palingenesis”, 1971 (© The Pollock-Krasner Foundation. Dzięki uprzejmości Kasmin Gallery, Nowy Jork) „Znana ze swojej niezwykle niezależnej pasji, Krasner była jedną z niewielu kobiet infiltrujących szkołę nowojorską w latach 40. i 50.”, pisze Meredith Mendelsohn w artykule redakcyjnym Artsy . Krasner, już uznana postać na lokalnej scenie artystycznej, poznała swojego przyszłego męża na wystawie w 1941 r., Na której obie miały pokazywane prace. Para pobrała się w październiku 1945 r. I wkrótce przeniosła się do wiejskiego domu w East Hampton, gdzie mogli lepiej skupić się na swoim rzemiośle. Podczas gdy Pollock był zajęty tworzeniem jego charakterystycznych panoramicznych obrazów kroplowych, skoncentrowała się na produkcji kalejdoskopowych płócien.
Według Rachel Cooke ze Strażnika, para była wyobcowana przed śmiercią Pollocka w 1956 roku. Po dniu picia artysta niesławnie stracił kontrolę nad kierownicą, zabijając siebie i Edith Metzger, recepcjonistkę Ruth Kligman (wówczas malarza i kochanki Pollocka) po uderzeniu; Kligman, który również był w samochodzie, cudem przeżył katastrofę.
Po śmierci Pollocka Krasner przeniósł się do swojego studia - „nie było sensu pozostawić go pustego” - powiedziała później - i zaczął tworzyć ogromne obrazy, które wymagały od niej przeskakiwania przez stodołę przy użyciu pędzla o długiej rączce, idealnego do manewrowania w nią odległe rogi.
„To było prawie tak, jakby się rozwinęła” - pisze Cooke. „Odtąd mogła pracować na niespotykaną dotąd skalę”.
Według Mendelsohna Artsy, „Umber Paintings” Krasnera - znane również jako „Night Journeys” - neutralne płótna z lat 1959–62 to punkt zwrotny w jej karierze. Nękany bezsennością związaną ze śmiercią Pollocka i późniejszą śmiercią matki w 1959 r. Krasner zmienił style, tworząc obrazy z tym, co historyk sztuki David Anfam nazywa wcześniej niewidzialnym „stopniem intensywności psychicznej” naznaczonym „skalą emocji i gwałtownym ruchem”. Co najważniejsze, te te prace, oddane w chaotycznych wirach brązu, kremu i bieli, drastycznie różniły się od popularnych wówczas abstrakcyjnych obrazów Color Field. W przeciwieństwie do wyciszonych, pogodnych płócien Marka Rothko i Barnetta Newmana, najnowsze kreacje Krasnera były gestowe, jawnie agresywne w sposób sugerujący obrazy kroplówek jej zmarłego męża.
Lee Krasner, „Imperative”, 1976. National Gallery of Art, Waszyngton (© The Pollock-Krasner Foundation. Dzięki uprzejmości National Gallery of Art, Waszyngton) Po „Umber Paintings” Krasner powrócił do świata żywych kolorów - ruch demonstrujący jej gotowość do ponownego odkrycia.
„Stały obraz ją przeraził”, powiedziała kustosz Eleanor Nairne, Joe Townend Sotheby'ego. „Czuła, że to nieautentyczny gest, aby pomyśleć, że niektóre pojedyncze obrazy mogą zawierać wszystko, czym była jako osoba. Przeszła przez te cykle pracy i rytmy, a proces ten był często bardzo bolesny. ”
W trakcie swojej kariery Krasner często wracała do wcześniejszych prac. Jednak zamiast podziwiać swoje dotychczasowe osiągnięcia, całkowicie je zmieniła, wycinając i reorganizując fragmenty, aby stworzyć nowe elementy.
Niewytwarzane dzieło neok kubistyczne, powstałe w 1984 roku, w roku jej śmierci, być może najlepiej uosabia stałe zapotrzebowanie Krasnera na ponowne wynalezienie. Jak pisze Phillip Barcio z IdeelArt, płótno (jej ostatnie znane dzieło) łączy malarstwo, rysunek węglem i kolaż, syntetyzując wiele mediów, których artystka używała w swoim życiu w „pojedynczej, głębokiej, eleganckiej wypowiedzi”.
Lee Krasner: Living Colour można oglądać w londyńskiej Barbican Art Gallery od 30 maja do 1 września 2019 r.
