2 grudnia 2016 r. Impreza taneczna w Oakland w Kalifornii, w magazynie o nazwie Ghost Ship, stanęła w płomieniach, zabijając co najmniej 36 osób. To była najgroźniejsza katastrofa pożarowa w historii miasta.
powiązana zawartość
- Publiczność pokłada wielkie zaufanie w muzeach, a teraz nadszedł czas, aby muzea zaufały publiczności
Do tej pory przyczyna pożaru nie jest znana. Mimo to wczesne reakcje ze strony prasy pojawiły się na długiej liście „powiedziano ci to”. Układ Widmowego Statku został opisany jako pułapka ogniowa, pułapka śmierci i zagracony „labirynt”. Społeczność została nazwana złożonym, gminnym i otrzymała inne etykiety, które dalej zakładają, że katastrofa z pewnością czekała. To było nieuniknione.
Muzea, szczególnie w rejonie zatoki, wyraziły współczucie dla tego wydarzenia, a SFMOMA otworzyło swoje drzwi za darmo kilka dni później dla osób dotkniętych „refleksją, żałobą i uzdrowieniem”.
Inni działacze muzeów pracowali nad zlikwidowaniem luki między instytucjami a lokalnymi przestrzeniami. W dniach po incydencie z Ghost Ship Kimberly Drew, menedżer ds. Mediów społecznościowych w Metropolitan Museum of Art, poleciła swoim kolegom dokument pochodzący z tłumu, przygotowany przez działaczkę sztuki Susan Surface, wypełniony sugestiami dotyczącymi miejsc społecznościowych, w jaki sposób zmniejszyć ryzyko. Lauren Zelaya, kustosz w Brooklyn Museum, wskazała na popularny program Muzeum w pierwszą sobotę jako celowy wysiłek lokalnych twórców, aby przetestować swoje projekty pod bezpieczeństwem i pod nadzorem instytucji.
Ale choć są to ważne gesty w przypadku każdej poważnej tragedii, muzea i instytucje sztuki w dużej mierze pozostały dalekie od tego incydentu. To utrwala założenie, że przestrzenie takie jak Widmowy Statek są obrzeżne - a nawet nieistotne - dla formalnego świata sztuki.
Rzeczywistość jest wręcz przeciwna.
Magazyny i produkty do majsterkowania (DIY) powstały po raz pierwszy w latach 60. XX wieku, kiedy amerykańska industrializacja ustąpiła, pozostawiając duże fabryki puste, nieużywane i niedrogie. Dzielnice, które są obecnie znane jako przystanie dla muzeów, teatrów i galerii - takie jak nowojorskie SoHo, centrum Los Angeles i dzielnica misyjna San Francisco - wszystko zaczęło się jako dostępne miejsce do gromadzenia artystów i ich mecenasów. W przeciwieństwie do prestiżowych, okazałych, a może nawet przestarzałych środowisk muzeów, miejsca majsterkowania są odpowiedzialne za niegdyś odrzuconą estetykę, taką jak odsłonięte cegły i metalowe elementy wyposażenia, stając się popularnymi symbolami „kreatywnej przestrzeni”.
Ekipy ratunkowe stoją przed miejscem pożaru magazynu w poniedziałek, 5 grudnia 2016 r. W Oakland w Kalifornii, w którym zginęło 36 osób. (Marcio Jose Sanchez / AP) Niedawno muzea przeredagowały niektóre ze swoich programów, aby dotrzeć do nowych danych demograficznych, i agresywnie czerpały inspirację z miejsc, które zostały stworzone jako ich alternatywy. Nierzadko można znaleźć program muzealny w formie pop-up show, pchły sztuki lub imprezy blokowej.
PS1 Long Island City działało przez 30 lat, uznając, że instytucjom brakowało woli i infrastruktury, aby odpowiednio wspierać lokalnych i wschodzących artystów, dopóki nie zostało przejęte przez Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 2000 r. I przemianowane na MoMA PS1. Centrum Azji i Pacyfiku w Smithsonian niedawno wprowadziło model laboratorium kultury, co z pewnością stanowi ukłon w stronę tego, w jaki sposób DIY i zwykłe miejsca służą twórczym społecznościom.
Muzea i przestrzenie do majsterkowania mają długą i złożoną historię, dlatego ważne jest, aby muzea nie interpretowały niedawnej tragedii w Ghost Ship jako nieuniknionej porażki amatorskich artystów i kuratorów, ale raczej odzwierciedlenie niechęci instytucji do odpowiedniego dzielenia się zasobami i informacjami z ich kreatywnymi odpowiednikami. Niektóre programy muzealne mogą wyglądać i przypominać przestrzenie DIY, które je zainspirowały, ale należy to postrzegać jako szansę.
Oto sześć sposobów, w jakie muzea, galerie i instytucje kulturalne mogą wykorzystać swoją wiedzę i zasoby w celu skorzystania z przestrzeni dla majsterkowiczów:
Udostępniaj dokumenty dotyczące bezpieczeństwa i dostępności
Muzea mogą pomóc, udzielając specjalistycznej wiedzy na temat bezpieczeństwa, dzieląc się personelem i protokołem oraz oferując upublicznienie swoich instrukcji i procedur bezpieczeństwa i dostępności, które mają służyć jako szablony. Niektóre instytucje mogą argumentować przeciwko udostępnianiu swoich dokumentów, ponieważ są one długie i skomplikowane, szczególnie dla osób z zewnątrz. To prawda, że stos kodów bezpieczeństwa, licencji, recenzji i szkoleń może wydawać się mieć pierwszeństwo przed kreatywnością. Ale minimalne wskazówki w zakresie podstawowej terminologii, akronimów i kluczowych punktów mogą być bardzo pomocne.
Niebezpieczne środowisko niektórych pomieszczeń dla majsterkowiczów zwykle nie wynika z niechęci do zapewnienia bezpieczeństwa przestrzeniom, ale raczej z braku zdolności lub świadomości. Podczas gdy instytucje sztuki czerpią korzyści z posiadania personelu, który równoważy kreatywną i administracyjną wiedzę fachową, wiele projektów DIY jest ukierunkowanych na wizję, w których producenci uczą się na bieżąco. Ta metoda prób i błędów jest często skuteczna i nieszkodliwa, ale nauczyliśmy się, że konsekwencje mogą być również tragiczne.
Edukuj operatorów DIY na temat najlepszych praktyk
Organizuj warsztaty i dziel się metodami zapewniającymi bezpieczeństwo publiczne, nawet w przypadku ograniczonej pojemności i zasobów.
Nawet artyści posiadający formalne wykształcenie artystyczne mogą nie znać standardowych procedur dotyczących wychodzenia (drogi ewakuacyjne), szybkości spalania (palność materiałów) i przepisów ADA (dostępność). Muzea mogą oferować tutoriale (podobnie jak szeroko popularne edycje Wikipedii i seminaria grantowe) lub zamieszczać seminaria internetowe lub krótkie filmy wideo z poradami.
Współpracuj z twórcami
Muzea mogą lepiej służyć tym społecznościom, docierając do artystów i współpracując z nimi. Ludzie, którzy podjęli się tworzenia projektów, niezależnie od ograniczonej wiedzy i zasobów, są siłą oddolnych projektów. Są przyzwyczajeni do uczenia się poprzez gromadzenie informacji i obserwowanie innych.
Zapewnienie zachęty w postaci stanowisk wolontariuszy, pracy najemnej, a nawet możliwości zatrudnienia może tylko wzmocnić zarówno muzea, jak i otaczającą społeczność artystyczną we wzajemnie korzystny sposób. Rozwijając więzi z tymi producentami, muzea korzystają z zestawów umiejętności - zdolności adaptacyjnych, krytycznego myślenia i lokalnego zasięgu - które tworzą udane produkcje DIY.
Weź udział w wydarzeniach
Specjaliści muzealni mogą być potężnym głosem zaangażowania w oddolne programy, ale zaczyna się od osobistego doświadczenia. Wiele założeń dotyczących zagrożeń związanych z wydarzeniami takimi jak Ghost Ship pochodzi od ludzi, którzy nigdy nie brali udziału. Podczas gdy relacje prasowe na temat tragedii statku widmo mogą doprowadzić do równoległego zorganizowania przyjęcia do składu na polu minowym, prawda jest taka, że większość produkcji bierze pod uwagę względy bezpieczeństwa, nawet jeśli nie jest to formalne.
Specjaliści muzealni mogą oferować wskazówki podczas obserwacji wydarzeń, dzieląc się wiedzą fachową, która może poprawić bezpieczeństwo i dostępność w tych lokalizacjach.
Płać artystów
Wiele mówi się o warunkach społecznych, które prowadzą artystów i twórców do korzystania z niestabilnej infrastruktury i odrzucania protokołów bezpieczeństwa, ale wiele z nich można przypisać zdolności ekonomicznej. Podobnie jak profesjonaliści z innych dziedzin, artyści starają się maksymalizować swoje zasoby, choć ograniczone.
Większość muzeów ma pewien poziom lokalnego zasięgu w swoich misjach, ale często miejscowi artyści i współpracownicy są proszeni o oferowanie swoich usług za darmo lub za bardzo niskie stawki. Artyści proszeni są o zniesienie lub obniżenie opłat za współpracę z małymi organizacjami non-profit, ale tylko o to samo podczas pracy z instytucjami o dużym budżecie - przy założeniu, że artyści skorzystają z niematerialnej rekompensaty lub „ekspozycji”.
Płacenie artystom godziwych wynagrodzeń nie tylko pozwala im dalej żyć i pracować w coraz droższych miastach, ale także pozwala im na kreatywne i logistyczne skalowanie projektów. Muzea powinny ponownie rozważyć stawki wynagrodzeń dla artystów, rozumiejąc, że przyczynia się to nie tylko do zaspokojenia podstawowych potrzeb, takich jak czynsz i jedzenie, ale także do miejsc o wysokiej jakości, wykazujących materiały i zasoby bezpieczeństwa.
Doskonałym przewodnikiem do ustalania rozsądnych stawek dla artystów na podstawie rocznego budżetu dowolnej organizacji jest kalkulator dostarczony przez WAGE (Working Artists for a Greater Economy).
Bądź pomostem do kontaktów i zasobów
Nawet jeśli muzeum nie ma środków finansowych na opłacenie artystów, prawdopodobnie mają relacje z lokalnymi i krajowymi organizacjami rządowymi, partnerami korporacyjnymi i instytucjami chętnymi do współpracy z artystami. W niektórych przypadkach lokalne władze oferują mało znane dotacje, ulgi podatkowe lub dotowane mieszkania i miejsca pracy jako środki zachęcania artystów do tworzenia stref przedsiębiorczości. Ponieważ artyści częściej szukają pomocy w muzeach niż w ratuszach, muzea mogą wykorzystać swoje relacje, aby pomóc potrzebującym artystom znaleźć istniejące, ale niewykorzystane zasoby.
Ponieważ elementy programów dla majsterkowiczów nadal inspirują praktykę muzealną, ważne jest, aby muzea nie pochłaniały istniejących i powstających projektów z postawą „poradzimy sobie stąd”. Otwarta linia komunikacji i wzajemnej wymiany może raczej zapewnić, że działania oddolne będą w stanie rozwijać się na coraz bardziej wymagających arenach miejskich, a muzea mogą uzyskać dostęp do lokalnej społeczności mecenasów, którym mają służyć.
