Zapomnij o spektakularnych kolorach liści i niższych temperaturach: nadejście „Fashion Week” we wrześniu zapowiada sezon jesienny. Podobnie jak nowe pory roku w muzyce, teatrze, tańcu i sztuce, Fashion Week oznacza nowy początek. Co nowego i cudownego? Jak tym razem się wymyślimy? Skromny i zaniżony? Błyskotliwy, ale szykowny? Niezdecydowany?
Oprócz tego, że jest ulubionym sportem dla psów gończych, moda jest obecnie popularnym tematem w świecie kultury. Project Runway ma rzesze fanów. Jednak moda staje się również rezonansowym tematem w świecie muzeów. Takie dobrze widoczne wystawy, jak „Aware: Art Fashion Identity” w londyńskiej Royal Academy of Arts w 2010 r. Oraz show Costume Institute w 2010 r., „American Women: Fashioning a National Identity”, a także 2011 r., „Alexander McQueen: Savage Piękno ”umieściło centrum mody we współczesnych poszukiwaniach tożsamości.
Premiera Fashion Week po raz pierwszy odbyła się w 1943 r., Pomysłodawcy reklamowego Eleanor Lambert. Znany z mediów Lambert, którego klientami byli Jackson Pollock i Isamu Noguchi, pomógł założyć Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Ale jej największą pasją była moda. W 1940 r. Stworzyła „Międzynarodową listę najlepiej ubranych” (którą będzie dyrygować przez dziesięciolecia), a podczas II wojny światowej zdecydowała, że nadszedł czas, aby zdjąć tron z Paryża i ogłosić amerykańską prezencję mody, rozpoczynając Fashion Week w Nowym Jorku.
Diana Vreeland autorstwa Richarda Ely Crayona, atrament i gwasz na papierze 1989 (National Portrait Gallery, Smithsonian Institution © Richard Ely) W tym samym czasie Diana Vreeland pojawiała się jako siła natury w Harper's Bazaar. Redaktor Carmel Snow zatrudniła ją w 1936 roku i szybko zyskała sobie sławę dzięki swojej kolumnie „Dlaczego nie ty?”. Te wyjazdy były szalenie ekscentryczne, a Vreeland z radością zadawała takie pytania, jak: „Dlaczego nie… spłukać blond włosy dziecka w martwym szampanie, jak we Francji ?. . (i) obrócić warkocze wokół uszu jak makaroniki?
Podczas wojny Vreeland stał się wielkim promotorem amerykańskich projektantów. Pisząc o inauguracji Fashion Week w 1943 r., Wychwalała „uczciwość i talent amerykańskich projektantów”. Zamiast paryskich modów argumentowała, że dominującym stylem stał się amerykański, a ekscytujący nowi projektanci opowiadają się za „amerykańskim stylem i amerykańskim droga życia."
Bez mrugnięcia okiem Vreeland zwróciło uwagę na wszystko, co ją otaczało - literackie, literackie, artystyczne. Dla niej kluczowe znaczenie miała postawa i gest: „Musisz mieć styl. . . .To jest sposób życia. Bez tego jesteś nikim. Położyła znaczek na każdej części magazynu, wybierając ubrania, nadzorując fotografię i pracując z modelkami. „Wiem, co będą nosić, zanim to założą, co będą jeść, zanim to zjedzą, (i) wiem, dokąd idą, zanim to nastąpi!”
Fotograf Richard Avedon, który współpracował z nią przez prawie 40 lat, powiedział: „Diana żyła wyobraźnią rządzoną dyscypliną i stworzyła zupełnie nowy zawód. Wymyśliła redaktora mody. Przed nią to kobiety z towarzystwa nakładały kapelusze na inne kobiety z towarzystwa. ”W Vreeland skupiono się na klasie społecznej na osobowości:„ porywające osobowości ”, zachwyciła się, „ to najbardziej porywające rzeczy na świecie - rozmowa, interesy ludzi otaczająca ich atmosfera ”.
Przez 26 lat w Harper's Bazaar (1936–1962) i prawie dekadę w Vogue (1962–1971) Vreeland przekazała swoje wizjonerskie poczucie stylu dzięki niezwykłym fotografiom. W Bazaar współpracowała przede wszystkim z Louise Dahl-Wolfe przy takich historycznych zdjęciach, jak historia mody w kurorcie ze stycznia 1942 r. Nakręcona w domu Arizony architekta Franka Lloyda Wrighta „Ship Rock” - w którym sama Vreeland występowała jako modelka - i okładka z marca 1943 r. przedstawił nieznaną wówczas Lauren Bacall, która w konsekwencji została zabrana do Hollywood, aby zagrać razem z Humphreyem Bogartem w To Have and Have Not.
Vreeland - która zawsze przemawiała w superlatywach - nabrała wyrazistego spojrzenia, które zachęciło czytelników do odważności, odwagi i wyobraźni: „moda musi być najbardziej odurzającym uwolnieniem się od banalności świata” - powiedziała kiedyś. „Jeśli nie ma go w modzie, fantazjuj !”
Kiedy opuściła Vogue w 1971 roku, zadumała się: „Miałam zaledwie 70 lat. Co miałam zrobić, przejść na emeryturę?” Dyrektor Metropolitan Museum of Art, Tom Hoving, zaprosił ją do zostania Specjalnym Konsultantem w Instytucie Kostiumów Meta i szybko ruszyła dalej tworząc trójwymiarowy świat fantasy, który nie był ograniczony rozkładem czasopism. Światła, rekwizyty, muzyka i zestawy sceniczne zostały wdrożone, aby tworzyć wystawy, które obchodziły tematy, od baletów Russes po Balenciaga. Jej pokazy były niezwykle popularnym źródłem inspiracji dla współczesnej publiczności i ożywiły Costume Institute. Przed śmiercią w 1989 r. Vreeland była kuratorką 14 wystaw i z powodzeniem prowadziła kampanię na rzecz akceptacji „mody jako sztuki wysokiej” - idei, że szaty były tak mistrzowskie jak tradycyjne dzieła sztuki, takie jak malarstwo i rzeźba.
W swojej książce Allure z 1980 roku Vreeland odważyła się żyć z pasją i wyobraźnią. Twierdziła, że kreatywność musi być w ciągłym ruchu, ponieważ „Oko musi podróżować”. Poprosiłem Ricki Peltzman, właściciela Washington's Upstairs w 7. butiku i uznanego kustosza mody, aby ocenił trwały wpływ Vreeland na modę. „Moda to styl. To osobiste. Codziennie pokazujemy światu, jak się czujemy, bez słowa. I nikt nie powiedział tego lepiej niż Diana Vreeland. ”
Historyk kultury w National Portrait Gallery, Amy Henderson, niedawno napisał o Walterze Cronkite i sportowcach olimpijskich.
