Kobieta spaceruje ulicą miasta, ubrana w turkusową sukienkę i czerwone buty prosto z Oz. Jest szczęśliwa, beztroska i niosąca lilię z pochodniami, którą z radością i największą łatwością wymachuje w okno zaparkowanego samochodu.
Ta instalacja wideo z 1997 roku, Ever Is Over All, szwajcarskiego artysty Pipilotti Rist, uosabia piękno, ironię i transgresję w sercu „Damage Control: Art and Destruction od 1950”, który jest teraz wyświetlany w Muzeum Hirshhorn. Wystawa śledzi wątek zniszczenia w sztuce współczesnej od wczesnej ery atomowej po współczesność. Serial zaczyna się trafnie: hukiem Harolda Edgertona z detonacjami nuklearnymi.
Na początku lat 50. inżynier MIT sfilmował serię testów bomb atomowych dla rządu USA, projektując niezniszczalną wizję zniszczenia ludzkości. 12-minutowy, cichy film Edgertona przedstawia kule ognia, które puchną w słońca, grzyby, które wznoszą się ku niebu, piaski pustyni, które drżą i osiadają z powrotem jak fale oceanu. „To spektakl, do którego się przyciągasz”, mówi tymczasowy dyrektor Hirshhorn, Kerry Brougher, która była kuratorką „Damage Control” z Russellem Fergusonem z UCLA. „Taka jest podwójna natura serialu - zniszczenie jako coś strasznego, ale także coś pięknego”.
Brougher uważa wynalazek bomby atomowej - i nadchodzącą perspektywę globalnego holokaustu - za punkt zwrotny w historii sztuki, zmuszając artystów do innego myślenia o zniszczeniu. „W obliczu bomby atomowej, co dobrego zrobiło, aby zrobić obraz?” - mówi. „Artyści zaczęli wykorzystywać zniszczenie do walki z ogniem z ogniem”. Jednym z takich artystów był Raphael Ortiz, którego Koncert zniszczenia fortepianu - lub to, co z niego zostało - leży obok filmu Edgertona przy wejściu na wystawę. Ortiz zniszczył fortepian podczas premiery „Damage Control” w październiku 2013 r., Miażdżąc klucze i wnętrze instrumentu młotkiem w rytualnym dziele sztuki performance.
Praca jest rekonstrukcją historycznej dekonstrukcji fortepianu Ortiza podczas sympozjum Destruction in Art 1966, które Brougher wymienia jako główną inspirację do „Damage Control”. Zainicjowane przez Gustava Metzgera sympozjum zwołało artystów z całego świata, aby ogłosić nowego, bojownika szczep sztuki destrukcyjnej, która reagowała na realia polityczne i społeczne. Podczas gdy Ortiz zniszczył fortepian, Metzger malował na nylonie kwasem chlorowodorowym, tworząc „sztukę autodestrukcyjną”, a Yoko Ono naraziła swoje ciało na cięcie, zapraszając publiczność do cięcia jej nożyczkami.
„To było szokujące” - mówi Brougher o sympozjum. „Ludzie nie wiedzieli, jak to wziąć”. Jedno było jednak pewne: nowe zniszczenie pozostało.
Coraz częściej artyści niszczą samych siebie i swoje dzieła. W 1970 r. John Baldessari spalił wszystkie swoje wcześniejsze obrazy w formalnej rewolucji zwanej Projektem Kremacji . (Upiekł trochę popiołów ze swojej pracy w ciasteczka.) W swoim spektaklu Break Down z 2001 roku Michael Landy założył linię do demontażu swoich rzeczy osobistych, zatrudniając 11-osobową załogę do inwentaryzacji i zniszczenia wszystkiego, co posiadał .
Zdobywca nagrody Turnera, Steve McQueen - obecnie najbardziej znany ze swoich filmów fabularnych, Głód, Wstyd i 12 lat niewolnika - stanął na linii ognia w Deadpan (1997), wcielając się w odruch wymiotny Bustera Keatona od Steamboat Billa Jr. McQueen nie tylko przerabia sztuczkę; jego obecność jako czarnego człowieka przekształca to dzieło w komentarz na temat relacji rasowych i niepewności czarnego doświadczenia. „Musisz stać dokładnie tak, abyś nie został trafiony” - zauważa Brougher.
Niektórzy artyści celowali w prace swoich poprzedników. W 1953 r. Robert Rauschenberg poprosił Willema de Kooninga o narysowanie jego rysunku. De Kooning uwielbiał młodszego artystę, rozpoznając w geście artystyczną zmianę warty, od abstrakcyjnego ekspresjonizmu po pop-art. Nie ułatwił jednak Rauschenbergowi, dając mu niezwykle skomplikowany rysunek, którego usunięcie zajęło tygodnie. Rezultatem jest upiorny palimpsest, który przywołuje koniec epoki.
Jake and Dinos Chapman, Injury to Insult to Injury, 2004. © Jake and Dinos Chapman. Dzięki uprzejmości White Cube
W podobnym akcie twórczego wandalizmu enfanty Britart przerażają Jake'a i Dinosa Chapmana, którzy zniszczyli zestaw rycin Goya z lat 1810–1820 „ Katastrofy wojny” - które przedstawiają okropności hiszpańskiej wojny o niepodległość z Francją - aby stworzyć zniewagę do obrażeń (2003), zastępując głowy ofiar groteskowymi głowami klaunów i szczeniąt.
Ale być może najbardziej (nie) znany przykład profanacji w „Damage Control” to Upuszczenie urny dynastii Han Ai Weiwei, tryptyk przedstawiający chińskiego artystę, który właśnie to robi. Kiedy destrukcja jest twórcza kontra nihilistyczna? Brougher twierdzi, że jest to dobra linia, ale sprowadza się do „idei stojących za tym, jak to robisz”. Ai, na przykład, zerwała z pragnieniem krytykowania wartości społecznych - w jaki sposób decydujemy, co dzieło sztuki jest „warte”, a co ta wartość w dolarach naprawdę oznacza.
Ostatnie fragmenty „Kontroli uszkodzeń” dotyczą raczej obecnych obaw przed terroryzmem niż paranoi z czasów zimnej wojny. Big Bang, autorstwa izraelskiego artysty Ori Gersht, wygląda jak martwa natura, ale w rzeczywistości jest filmem, który ujawnia swoją tytułową niespodziankę w zwolnionym tempie, podczas gdy granaty Nature Morte aux, urodzonej w Palestynie artystki Mony Hatoum, wyłączają skrzynkę granatów, projektując je ze szkła w kolorze cukierków - ale ustawia je na stalowym wózku, który przywraca ich śmiertelny potencjał. Brougher traktuje temat zniszczenia jako „kontinuum” w historii sztuki, z bezpośrednimi zagrożeniami na świecie ewoluującymi od bomb wodorowych po samobójcze i klęski żywiołowe. „Nie było dobrego momentu, aby zatrzymać [wystawę]” - mówi. „Trudną częścią było ograniczenie liczby artystów w programie. Tyle zniszczenia”.
„Kontrola szkód: sztuka i zniszczenie od 1950 r.” Będzie dostępna do 26 maja 2014 r. I odbędzie się w Mudam w Luksemburgu w dniach 12 lipca - 12 października 2014 r. Oraz do Kunsthaus Graz, od połowy listopada 2014 r. Do połowy marca 2015 r. .
