Kiedy kurator Smithsonian, Abraham Thomas, zdał sobie sprawę z tego, że Renwick Invitational 2018 otworzy się tuż po wyborach w połowie kadencji, wiedział, że chciał, aby jurorska wystawa była czymś więcej niż tylko prezentacją pośrednich i wschodzących artystów. Uważał, że powinno to powiedzieć coś o tamtych czasach - a czterej artyści wybrani do „Zakłócania rzemiosła”, które można oglądać do maja 2019 r., Składają duże oświadczenia na temat naszej pozycji.
Thomas wraz z niezależną kuratorką Sarah Archer i Annie Carlano, starszą kuratorką w Muzeum Mennicy, wybrali artystów w dużej mierze ze względu na ich aktywność polityczną i zaangażowanie w zaangażowanie społeczności. Galeria Renwick, Thomas mówi, jest idealnym miejscem, aby zachęcić odwiedzających do zagłębiania się w niektóre z wielkich debat w danym momencie.
Muzea Smithsona „są ważnymi przestrzeniami obywatelskimi, w których powinniśmy być w stanie stworzyć bezpieczne środowisko, w którym możemy prowadzić różne rozmowy”, mówi Thomas. Ma nadzieję, że serial spotka się z widownią w związku z „pytaniami dotyczącymi imigracji lub złożonej tożsamości kulturowej”.
Masa bezcielesnych ceramicznych ludzkich głów, przypadkowo ułożonych na podłodze w pierwszej galerii, stanowi jeden wstrząsający przykład. Widz konfrontuje się z łysymi postaciami, wszystkie o nieco innej fizjonomii i w różnych odcieniach ludzkiej skóry - brązowej i czarnej, a czasem białej. Zgromadzenie ceramika Sharifa Beya, zatytułowane Asymilacja? Zniszczenie? dotyczy przede wszystkim globalizacji i tożsamości kulturowej. Jest to również odniesienie do tożsamości Bey jako garncarza i kolorysty.
Asymilacja asamblażu ? Zniszczenie? autorstwa ceramika Sharif Bey, dotyczy przede wszystkim globalizacji i tożsamości kulturowej. Jest to również odniesienie do tożsamości Bey jako garncarza i kolorysty. (SAAM, zdjęcie Libby Weiler) Ten kawałek nigdy nie jest taki sam na żadnej wystawie - około 1000 główek szczypiec trafia do galerii w pojemnikach na śmieci i „bezceremonialnie wyrzuca”, mówi Bey, pokazując wideo z tego procesu. Głowy łamią się, trzaskają i walą w mniejsze odłamki. Z czasem, jak mówi, utwór, który stworzył dla swojego projektu magisterskiego w 2000 roku, stanie się piaskiem. Ostatecznie asymilacja? Zniszczenie? oznacza, że „jesteś wszystkim i nie jesteś niczym w tym samym czasie”. Dzięki zmieniającym się zbiorowym i indywidualnym kształtom zbiór jest także „komentarzem do tego, co to znaczy być osobą przejściową” - mówi.
Bey, 44 lata, miał własne migracje - z sąsiedztwa klasy robotniczej w Pittsburghu do inkubatorów artystycznych tego miasta, uczęszczając na zajęcia w Carnegie Museum of Art i będąc wybieranym na prestiżową staż po szkole w Manchester Craftsmen's Guild. Oznaczało to nową i być może wcześniej nierozważną ścieżkę kariery dla dziecka z 11 rodzeństwem w przemysłowym mieście. Obecnie podwójny profesor w College of Arts i School of Education na Uniwersytecie Syracuse, nigdy nie stracił kontaktu ze swoją pierwszą miłością - tworząc funkcjonalne doniczki, z których niektóre znajdują się w programie Renwick.
Carved Blue Jar Sharif Bey, 2007 (Kolekcja artysty) „Wszyscy mamy historię jako twórcy” - mówi Bey. „Moją orientacją jest naczynie”, mówi, dodając, że tak długo, jak pamięta, praca z gliną była terapeutyczna. Często pracuje w swoim salonie, czuwając nad swoimi dziećmi - pomaga mu to uniknąć poczucia winy, które odczuwa, gdy jest w studio, co według jego żony jest jak jego małe wakacje, mówi ze śmiechem.
40-letnia Tanya Aguiñiga wykorzystała również swoją sztukę do zbadania swojej historii. Jako meksykańska Amerykanka, urodzona w San Diego, która dorastała w Meksyku w krzyczącej odległości od granicy z USA, jest nieapologiczną i energiczną aktywistką - cechą pielęgnowaną przez jej doświadczenie w pracy w Border Art Workshop / Taller de Arte Fronterizo, kiedy była 19-letnią studentką college'u. Po zdobyciu tytułu magistra projektowania mebli w Rhode Island School of Design Aguiñiga tęskniła za ojczyzną. Stypendium Artystów z USA w 2010 roku dało jej swobodę powrotu i nauki tkania i haftu od miejscowych rzemieślników.
Border Quipu / Quipu Fronterizo autor: Tanya Aguiñiga, 2016 (Kolekcja artysty) Jej najnowszy utwór, Quipu Fronterizo / Border Quipu, wyewoluował z jej projektu AMBOS - Sztuka wykonana między przeciwległymi stronami oraz gra słów - ambos oznacza po hiszpańsku „oboje” - i jest artystyczną współpracą wzdłuż granicy. Quipu oznacza prekolumbijski andyjski system rejestracji historii. Aguiñiga rozpoczęła quipu na przejściu San Ysidro w Tijuana w sierpniu 2016 r. - po obraźliwych wypowiedziach kandydata na prezydenta Donalda Trumpa o Meksykanach.
Ona i członkowie zespołu AMBOS krążyli między Meksykanami czekającymi na przejazd do Stanów Zjednoczonych, którzy mieszkali lub pracowali w pobliżu, i poprosili ich, aby wzięli dwa pasma kolorowej elastycznej tkaniny ze sztucznego jedwabiu, aby zawiązać węzły w rodzaju refleksji na temat relacji między dwoma krajami oraz w odpowiedzi na pocztówkę z pytaniem: ¿Qué piensas cuando cruzas esta frontera? / Co myślisz, gdy przekraczasz tę granicę?
Artystka miała własne odczucia co do granicy - którą codziennie przekraczała, aby iść do szkoły w San Diego, gdzie się urodziła i gdzie opiekowała się nią babcia, podczas gdy jej rodzice pracowali w mieście. Tworząc Quipu, mówi Aguiñiga, „pomyślałem o tym, ilu z nas codziennie jeździ dojazdów i jak to piętnuje”. Oczekiwanie na przejście jest długie, a Meksykanie są wyczerpująco przesłuchiwani, zanim pozwolą im wjechać do USA. ta naprawdę dziwna rzecz, w której czujesz, że robisz coś złego, nawet jeśli nie jesteś ”, mówi Aguiñiga.
Untitled (Driftless) Tanya Aguiñiga, 2013 (Kolekcja artysty) „Chciałem sprawdzić, co czują ludzie, ponieważ na naszej drodze było tyle nienawiści”, mówi Aguiñiga, która opublikowała pocztówki na stronie internetowej. Wiązane pasma zebrano od osób dojeżdżających do pracy i wystawiono na tablicy na przejściu granicznym. Zestaw węzłów - połączonych ze sobą w długie pasma - i pocztówki, są zarówno medytacyjne, jak i poruszające. Jedna odpowiedź pocztówkowa przekazała myśli Aguiñigi: „Dwa niepodzielne kraje na zawsze związane jako 1.”
Od tego czasu Aguiñiga odtworzyła projekt Quipu na przejściach granicznych wzdłuż całej granicy. „W przeważającej części USA myślą o granicy, ponieważ to naprawdę osobne miejsce, czarno-białe, i tak nie jest. To jak jedna rodzina podróżująca tam iz powrotem - mówi Aguiniga.
Stephanie Syjuco, 44 lata, urodzona na Filipinach, również interpretuje postrzeganie kultury i „typów”, często używając technologii cyfrowej do komentowania, nieco bezczelnie, tego, jak widzowie traktują obrazy generowane komputerowo jako „prawdziwe”. University of California, Berkeley asystent profesora rzeźby nie jest tradycyjnym rzemieślnikiem, ale został wybrany, mówi kustosz Thomas, ze względu na „sposób, w jaki artysta bierze konceptualny zestaw narzędzi rzemieślniczych i wykorzystuje je do przesłuchania tych kwestii dotyczących tożsamości kulturowej i historii kultury”.
Cargo Cults: Head Bundle Stephanie Syjuco, 2016 (Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Filadelfia) Syjuco wyśmiewa się z tego, jak Zachód patrzy i konsumuje pochodzenie etniczne w Cargo Cults: Head Bundle i Cargo Cults: Java Bunny . Na dwóch czarno-białych fotografiach Syjuco, jako podmiot, jest ubrany w różne „wzorzyste etnicznie” wzorzyste tkaniny i wyszukaną „biżuterię”. Pochodzenie etniczne to fikcja - często zdigitalizowana mimika. Tkaniny zostały zakupione w sklepach detalicznych, a jedną z „bransolet” wokół jej ramion jest sznur kupiony w sklepie elektronicznym. W Java Bunny Syjuco jest zestawiony z różnymi czarno-białymi wzorami, ale widoczny jest znacznik „Gap”. Artystka twierdzi, że zainspirowała ją technika graficzna - olśniewający camoflauge - stosowana na pancernikach podczas I wojny światowej w celu zmieszania wrogich działonowych.
„Są projekcją tego, jak powinna wyglądać obca kultura” - mówi - podobnie jak obrazy etnograficzne z XIX wieku. Te obrazy często reprezentowały „prawdziwych” tubylców, ale pojęcie „rodzimych” nie jest proste. Syjuco mówi, że idea autentyczności „zawsze się zmienia. Na przykład Filipiny są hybrydą swoich kolonizatorów: Hiszpanii, Japonii i Ameryki. „Nie twierdzę, że cała kultura jest wymyślona. Tyle, że istnieje soczewka, przez którą kultura jest filtrowana, więc widz dużo opowiada ”.
Neutral Calibration Studies (Ornament + Crime) Stephanie Syjuco, 2016 (Kolekcja artysty i Niona McEvoya. Zdjęcie: Libby Weiler) Dustin Farnsworth, 35 lat, również ostatnio zaczął koncentrować się na stereotypach kulturowych. Artysta spędził część swojej wczesnej kariery, badając wpływ upadku przemysłu i recesji na swoją rodzinną Michigan.
Zbudował masywne elementy architektoniczne, które kołysały się na rzeźbionych głowach młodych ludzi w kształcie manekina. Efektem było wyraźne przekazanie poważnych konsekwencji upadku przemysłowego i cywilizacyjnego przyszłym pokoleniom. Kilka z nich zostało pokazanych w programie Renwick.
Ale rezydencja artystów z Madison w stanie Wisconsin w 2015 r. Zmieniła jego zainteresowania. Przybył wkrótce po policyjnej strzelaninie nieuzbrojonego 19-letniego Afroamerykanina Tony Robinsona. Następnie, w 2016 roku, kiedy przebywał w podobnej rezydencji artysty w Charlotte w Północnej Karolinie, policja zabiła Keitha Lamonta Scotta, również Murzyna. Oba zdjęcia mocno odbiły się echem w społecznościach.
„Wydawało mi się, że było to o wiele ważniejsze niż rzeczy, które wymyśliłem i zaprojektowałem”, mówi Farnsworth, ubrany w kierowcę ciężarówki z napisem „Dismantle White Supremacy” z przodu.
Promontory autorstwa Dustin Farnsworth, 2013 (Kolekcja artysty) Wkrótce po tych rezydencjach stworzył WAKE . Z ukośnymi czarnymi paskami, które nawiązują do flagi USA, ma dziesiątki czaszkowatych masek wyrzeźbionych z Aqua-Resin, wyświetlanych w powtarzających się rzędach na białym tle. Była to potężna reakcja Farnswortha na odrętwiający efekt wielu strzelanin w szkole. OBUDŹ, mówi, przypomina sobie wiele definicji i zwyczajów tego słowa - może to być czuwanie dla umarłych lub powstanie ze snu; a zwrot „obudził się” jest terminem używanym w kręgach sprawiedliwości społecznej, co oznacza, że należy być świadomym, co wywodzi się z ruchu Czarnej Istoty.
Farnsworth współpracował z malarzem znaków Timothym Maddoxem, aby stworzyć WAKE II, masywny kawałek o wymiarach 9, 5 na 26 stóp w programie Renwick. Powracają maski śmierci-czaszki, z setkami ustawionymi na kolorowym tle nakładających się na siebie sztandarów sloganów: „Rozłóż białą supremację”, „Brak sprawiedliwości bez pokoju” i „Bez rasistowskiej policji”. Ogromny rozmiar dzieła to nie przypadek.
„Jestem bardzo zainteresowany pomnikiem” - mówi Farnsworth. WAKE II miało też być bezpośrednią rzeczą - sposób na poruszenie kwestii strzelanin policyjnych i sprawiedliwości społecznej. „Wielu z nas kopie to pod dywan” - mówi.
Teraz odchodzi od umarłych i dąży do wyniesienia żywych. Rekonstrukcja świętych jest jego pierwszą próbą. To jego Dawid, którego celem jest zmierzenie się z zabytkami Goliatów Konfederacji, mówi Farnsworth. Farnsworth mówi, że bohaterskie brązowe popiersie afroamerykańskiego chłopca odzwierciedlające ku niebu to jego próba uświęcenia mniejszości.
WAKE II autorstwa Dustina Farnswortha i Timothy Maddox (kolekcja artysty) Mówi, że reakcje na Świętych, gdy trwały - głównie w Carolinas - były niepokojąco bigoteryjne. Takie podejście „jest czymś, z czym trzeba się zmierzyć, a ja wciąż zastanawiam się, jak to zrobić”, mówi Farnsworth.
Thomas mówi, że on i jego inni kuratorzy wybrali Farnsworth i pozostałych trzech artystów w dużej mierze ze względu na ich chęć zmierzenia się z ustalonymi postawami i konwencjami.
„Przedstawiona tu praca oferuje nam chwile kontemplacji w szybko zmieniającym się świecie wokół nas i zakłóca status quo, aby zbliżyć nas do siebie, zmienić nasze perspektywy i doprowadzić do bardziej empatycznej, współczującej przyszłości”, mówi.
„Disrupting Craft: Renwick Invitational 2018”, którego kuratorem są Abraham Thomas, Sarah Archer i Annie Carlano, będzie można oglądać do 5 maja 2019 roku w Renwick Gallery Smithsonian American Art Museum, przy Pennsylvania Avenue przy 17th Street NW w Waszyngtonie
