KONTROWERSYJNY DRUGI AKT RENOIRA

W październiku 1881 r., Niedługo po zakończeniu radosnego lunchu na imprezie żeglarskiej, prawdopodobnie jego najbardziej znanym dziele i na pewno jednym z najbardziej podziwianych obrazów ostatnich 150 lat, Pierre-Auguste Renoir wyjechał z Paryża do Włoch, aby zrealizować długo- stała ambicja. Miał 40 lat i został już uznany za pioniera impresjonizmu, ruchu, który rzucił wyzwanie francuskiemu malarstwu akademickiemu poprzez śmiałe próby uchwycenia światła na zewnątrz. Reprezentowany przez wiodącą galerię i zbierany przez koneserów, pełnił godną pozazdroszczenia rolę szanowanego, jeśli nie dobrze opłacanego, obrazoburcy.

powiązana zawartość

Nocne wizje Van Gogha

Jesienią miał ambicje dotrzeć do Wenecji, Rzymu, Florencji i Neapolu i obejrzeć obrazy Rafaela, Tycjana i innych renesansowych mistrzów. Nie był rozczarowany. Rzeczywiście ich wirtuozeria go zaskoczyła, a sławny artysta wrócił do Paryża w stanie zbliżającego się szoku. „Poszedłem tak daleko, jak tylko mogłem, z impresjonizmem” - przypomniał później Renoir - „i zdałem sobie sprawę, że nie umiem ani malować, ani rysować”.

Podróż otwierająca oczy była początkiem końca Renoira, którą większość z nas zna i kocha. Malował dalej, ale w zupełnie innym stylu - bardziej w studio niż na świeżym powietrzu, mniej pociąga go gra światła niż takie trwałe tematy, jak mitologia i kobieca forma - iw ciągu dekady Renoir wszedł w to, co nazywa się swoim późny okres. Krytyczna opinia była zdecydowanie niemiła.

Już w 1913 r. Amerykańska impresjonistka Mary Cassatt napisała do przyjaciela, że Renoir maluje obrzydliwe obrazy „niezwykle grubych czerwonych kobiet o bardzo małych głowach”. Jeszcze w 2007 r. Krytyk sztuki New York Times, Roberta Smith, rozpaczał „nad akrami akty ”z ich„ poważną zuchwałością ”, dodając, że„ kicz aspiracji ”został rzucony na ich sposób.” Zarówno Metropolitan Museum of Art, jak i Museum of Modern Art w Nowym Jorku rozładowały Renoirs z późnego okresu, aby pomieścić przypuszczalnie bardziej znaczące Prace. W 1989 roku MOMA sprzedała Reclining Nude Renoira z 1902 roku, ponieważ „po prostu nie należała do opowiadanej przez nas sztuki współczesnej” - powiedział wówczas kurator obrazów, Kirk Varnedoe.

„W przeważającej części późne dzieło Renoira zostało zapisane poza historią sztuki” - mówi Claudia Einecke, kustosz w Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles. „Renoir był postrzegany jako interesujący i ważny artysta, kiedy był z impresjonistami. Potem jakby go zgubił, stając się reakcyjnym i złym malarzem - taka była konwencjonalna mądrość. ”

Jeśli dojrzałego Renoira postrzega się jako passé, pogrążoną w nostalgii i przyćmioną przez kubizm i sztukę abstrakcyjną, nowa wystawa ma na celu oddanie mu należnego. Po otwarciu ubiegłej jesieni w Grand Palais w Paryżu „Renoir w XX wieku” trafi do Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles 14 lutego i Muzeum Sztuki w Filadelfii 17 czerwca. Wystawa, pierwsza skupiająca się na jego późniejszym lat gromadzi około 70 jego obrazów, rysunków i rzeźb ze zbiorów w Europie, Stanach Zjednoczonych i Japonii. Ponadto prace Pablo Picasso, Henri Matisse, Aristide Maillola i Pierre'a Bonnarda pokazują często pomijany wpływ Renoira na ich sztukę.

Na wystawie są odalisques i akty kąpieli (w tym Reclining Nude, teraz w prywatnej kolekcji), śródziemnomorskie krajobrazy i miasta, postacie społeczne i młode kobiety czesające włosy, haftujące lub grające na gitarze. Sporo jest wzorowanych na słynnych dziełach Rubensa, Tycjana i Velázqueza lub oddaj hołd Ingresowi, Delacroixowi, Boucherowi i klasycznej rzeźbie greckiej. „Renoir mocno wierzył w chodzenie do muzeów, aby uczyć się od innych artystów”, mówi Sylvie Patry, kurator wystawy w Paryżu. Parafrazuje Renoira: „Kształtuje się chęć zostania artystą przed obrazami, a nie na zewnątrz przed pięknymi krajobrazami”.

Co ciekawe, choć opinia eksperta zwróciłaby się przeciwko jego późniejszym dziełom, niektórzy kolekcjonerzy, w szczególności wynalazca z Filadelfii, Albert Barnes, kupili liczne płótna, a główni artyści opowiadali się za staraniami Renoira. „W młodości Renoir był uważany przez młodych, awangardowych artystów za największego i najważniejszego współczesnego artystę, obok Cézanne'a”, mówi Einecke.

Weźmy jego obraz Eurydyki z lat 1895-1900. Oparta na klasycznej pozie siedząca nago jest obdarzona nieproporcjonalnie dużymi biodrami i udami na tle rozproszonego malarstwa śródziemnomorskiego krajobrazu o pastelowych odcieniach zieleni i fioletu. „To właśnie ta swobodna interpretacja tradycyjnego tematu, poczucie wolności urzekło Picassa” - mówi Patry. Eurydyka była jednym z siedmiu obrazów i rysunków Renoira zebranych przez Picassa i, jak dodaje kustosz, była to prawdopodobnie inspiracja dla jego płótna z siedzeniem z kąpielą z suszonych stóp z 1921 roku. (Pomimo prób przedstawienia ich przez dystrybutora Picassa Paula Rosenberga, dwoje artystów nigdy się nie spotkało). Einecke pamięta, że jej profesorowie historii sztuki odrzucili Eurydykę i podobnie monumentalne Renoir nago jako „pneumatyczne dziewczyny z oponami Michelin”. Ma nadzieję, że dzisiejsi widzowie utożsamiają się z nimi. tryb klasyczny, który uważał takie postacie za symbole płodności - i postrzegał je jako prekursory współczesnych aktów wykonanych przez Picassa i innych.

Późne objęcie tradycji przez Renoira było również bardzo ważne ze względu na osiedlenie się po tym, jak poślubił jednego ze swoich modeli, Aline Charigot, w 1890 r. Ich pierwszy syn, Pierre, urodził się w 1885 r .; Jean podążył za nim w 1894 r., A Claude w 1901 r. „Moim zdaniem ważniejsza od teorii była jego zmiana z kawalera w bycie żonatym mężczyzną”, Jean, reżyser filmowy, napisał w swoim czułym wspomnieniu Renoir, My Father .

Jean i Claude Renoir zostali wciągnięci do służby jako modele od niemowlęctwa. W przypadku obrazu z 1895 r. Gabrielle Renard - gospodyni rodziny i częsty model - próbowała zabawiać rocznego Jeana, gdy dziecko było zabawne. „Malowanie Gabrielle i Jean nie było dokładnie głupotą” - żartuje artystka. Claude - który siedział nie mniej niż 90 prac - musiał zostać przekupiony obietnicami zestawu elektrycznego pociągu i pudełka farb olejnych, zanim będzie nosił znienawidzoną parę rajstop dla The Clown, salut jego ojca dla wczesnego Jeana-Antoine'a Watteau XVIII-wieczne arcydzieło Pierrot . (Wiele lat później Picasso namalował swojego syna Paulo jako Pierrot, chociaż dzieła tego nie ma na obecnej wystawie).

Późniejsze portrety Renoira niewiele próbują analizować osobowość osoby siedzącej. Najbardziej zainteresowała go technika - szczególnie Rubensa, którego umiejętności w zakresie pigmentów podziwiał. „Spójrz na Rubensa w Monachium”, powiedział krytykowi sztuki Walterowi Pachowi. „Jest wspaniały kolor o niezwykłym bogactwie, mimo że farba jest bardzo cienka”.

Renoir coraz mniej interesował się reprezentowaniem rzeczywistości. „Jak trudno jest znaleźć punkt, w którym obraz musi przestać być imitacją natury” - powiedział późno w życiu malarzowi Albertowi André, któremu służył jako mentor. Portret Madame Josse Bernheim-Jeune z 1910 r. Renoira i jej syna Henry'ego przedstawia matkę bez wyrazu, trzymającą jej równie pozbawione wyrazu dziecko. Kiedy zwróciła się do Auguste'a Rodina, aby przekonał Renoira, by sprawił, że jej ręka jest cieńsza, rzeźbiarz zamiast tego poradził malarzowi, żeby niczego nie zmieniał. „To najlepsze ramię”, jakie kiedykolwiek zrobiłeś, powiedział mu Rodin. Zostawił to w spokoju.

Renoir, towarzyska postać z ostrym poczuciem humoru, wraz z żoną prowadził żywe gospodarstwo w paryskiej dzielnicy Montmartre. Wśród gości byli Claude Monet i poeci Stéphane Mallarmé i Arthur Rimbaud.

W 1897 r., U którego zdiagnozowano reumatoidalne zapalenie stawów, Renoir zastosował się do zaleceń lekarza, aby spędzić czas w cieplejszym klimacie na południu Francji. W 1907 r. Kupił farmę Les Collettes w Cagnes-sur-Mer. Choroba Renoira powoli kaleczyła jego ręce i ostatecznie nogi, ale „groźba całkowitego paraliżu tylko zachęciła go do wznowienia działalności” - wspomina Jean Renoir. „Nawet gdy jego ciało podupadało” - pisał Matisse - „jego dusza wydawała się silniejsza i wyrażała się dzięki bardziej promiennej łatwości”.

W 1912 r., Kiedy Renoir jeździł na wózku inwalidzkim, przyjaciele zwerbowali specjalistę z Wiednia, aby pomógł mu znowu chodzić. Po około miesiącu diety wzmacniającej czuł się wystarczająco silny, aby spróbować kilku kroków. Doktor podniósł go do pozycji stojącej, a artysta, z ogromnym wysiłkiem woli, poruszył się niepewnie wokół sztalugi. „Poddaję się” - powiedział. „Potrzeba całej mojej siły woli i nie zostawiłbym nikogo do malowania. Gdybym musiał wybierać między chodzeniem a malowaniem, wolałbym malować. ”

I tak zrobił. W 1913 roku ogłosił, że zbliża się do celu, który sobie wyznaczył po swojej podróży do Włoch 32 lata wcześniej. „Zaczynam umieć malować” - oświadczył 72-letni artysta. „Dotarcie tak daleko zajęło mi ponad 50 lat, ale jeszcze się nie skończyło.” Niezwykły trzyminutowy klip niemego filmu na wystawie uchwycił go w pracy w 1915 roku. Renoir chwyta pędzel niemal pionowo w swoim zaciśniętym, zabandażowana pięść i dźgnięcia w płótno. Odchyla się, podnosi wzrok, by spojrzeć na obraz, a następnie atakuje go ponownie, zanim położy pędzel na swojej palecie.

Nie mogło być łatwo - jego dwaj starsi synowie zostali ranni na początku I wojny światowej, a jego żona zmarła w czerwcu. Podczas gdy miliony ginęły w okopach, w Cagnes Renoir stworzył Arkadię, szukając schronienia w ponadczasowych obiektach. „Jego akty i róże zadeklarowały mężczyznom tego stulecia, którzy są już głęboko zajęci niszczeniem, stabilnością wiecznej równowagi natury” - przypomniał Jean Renoir.

Auguste Renoir pracował do dnia swojej śmierci, 3 grudnia 1919 r. W tym czasie w jego pracowni znajdowało się ponad 700 obrazów (jego łączna długość życia wynosiła około 4000). Aby namalować jeden ze swoich ostatnich wysiłków, The Bathers, w latach 1918–1919, umieścił płótno na pionowych rolkach, które pozwalały mu siedzieć podczas pracy etapowej. „To niepokojący obraz” - mówi Patry. Dwie mięsiste nimfy na pierwszym planie są „bardzo piękne i pełne wdzięku”, mówi, podczas gdy krajobraz w tle „przypomina sztuczny gobelin”.

Matisse namaścił je jako arcydzieło Renoira, „jedno z najpiękniejszych obrazów, jakie kiedykolwiek namalowano”. Podczas jednej z wizyt w Cagnes zapytał swojego przyjaciela: po co się torturować?

„Ból przemija, Matisse” - odpowiedział Renoir - „ale piękno trwa”.

Długoletni współpracownik Richard Covington pisze o sztuce, historii i kulturze ze swojego domu pod Paryżem.

Pierre-Auguste Renoir (w 1915 r.) Traktował klasyczne przedmioty „poczuciem wolności”, mówi kustosz Sylvie Patry. (Archiwum Hultona / Getty Images)

Wielbiciel Picassa kupił Eurydykę Renoira (1895–1900), co wpłynęło na jego własną twórczość. Ale jeden ekspert mówi: „późne dzieło Renoira zostało zapisane poza historią sztuki”. (Musée Picasso, Paris / Bridgeman Art Library International)

Dom Renoira w Cagnes-sur-Mer na południu Francji był źródłem inspiracji ( The Farm at Les Collettes, 1914). (Nagroda Charlotte Gina Abrams, ku pamięci jej męża, Luciena Abramsa, 1961 / Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork)

Renoir powiedział, że starał się „znaleźć dokładnie punkt, w którym obraz musi przestać być imitacją natury”. The Clown (1909) złożył hołd Watteau. (Musée de l'Orangerie, Paryż, Zdjęcie © 2009 Musée de l'Orangerie, Paryż / RMN, autor: Franck Raux)

Autoportret z białym kapeluszem, 1910, Renoir. (Kolekcja prywatna dzięki uprzejmości Galerie Durand-Ruel, Paryż, Zdjęcie dzięki uprzejmości Galerie Durand-Ruel, Paryż / akg-images)

Portret Madame Josse Bernheim-Jeune i syna (1910) Renoira cieszył Renoira, ale nie ona. (Musée d'Orsay, Paris / Giraudon / Bridgeman Art Library International)

„Nie umrę, zanim dam z siebie wszystko” - powiedział Renoir podczas malowania The Bathers (1918–1919). To była jego ostatnia ważna praca. (Musée d'Orsay, Paris / Bridgeman Art Library International)