Od rozkwitu renesansu, przez okres impresjonizmu aż do początku XX wieku, sztuka była tak samo konkurencyjnym przedsięwzięciem, jak twórcze.
We Włoszech w XV wieku, w zaskakujący sposób przeciwko ulubionemu architektowi i artyście Filippo Brunelleschi, Lorenzo Ghiberti wygrał jeden z najbardziej wpływowych konkursów plastycznych swoich czasów: zlecenie zaprojektowania zestawu brązowych drzwi do baptysterium florenckiego. Bramy Ghibertiego, „Bramy Raju”, jak się je nazywano, będą służyć jako jeden z kluczowych wpływów dla późniejszych artystów, takich jak Donatello i Michelangelo.
Pod rygorystycznym nadzorem École Nationale Supérieure des Beaux-arts w Paryżu artyści tacy jak Renoir, Degas, David i Monet doskonalili swoje rzemiosło wyłącznie poprzez testy umiejętności. Uczniowie rywalizowali o Grand Prix de Rome, stypendium, które zapewni sobie jedno miejsce we Francuskiej Akademii w Rzymie, i po drodze będą wytwarzać arcydzieło po arcydziele.
Niedawno przypomniał sobie o tym ostatni post na temat konkursów projektowych na Aesthetic Grounds. Podczas gdy konkursy architektoniczne i projektowe kwitną (będę hojny), liczba konkursów sztuki wizualnej znacznie zmalała. Jedyne, co mogłem sobie przypomnieć, to ten niedawno sponsorowany przez Smithsonian's National Portrait Gallery (bez wtyczki).
Był czas, kiedy artyści dbali wystarczająco o swoją pracę, aby publicznie rozpoczynać swoje rzeczy, a społeczeństwo dbało o sztukę, aby dać im forum do zrobienia tego. Współcześnie duch walki sztuki stoi na uboczu - ze szkodą zarówno dla artystów, jak i ich twórczości. Ponieważ jeśli wzajemny szacunek i zamiłowanie do rzemiosła nie byłyby w stanie połączyć złowrogiego świata sztuki, mała przyjazna konkurencja mogłaby rozwiązać ten problem.
