Gustave Courbet, malarz, prowokator, ryzykant i rewolucjonista, mógł równie dobrze powiedzieć: „obrażam, a więc jestem”. Prawdopodobnie oryginalny enfant współczesnej sztuki okropny, miał żądzę kontrowersji, która sprawia, że kariery późniejszych szokujących twórców, takich jak Jeff Koons, Damien Hirst i Robert Mapplethorpe, wydają się niemal konwencjonalne. Jako zbuntowany nastolatek z małego miasteczka we wschodniej Francji, Courbet zlekceważył pragnienie rodziców, by studiować prawo i przysięgał, jak napisał: „prowadzić życie dzikusa” i uwolnić się od rządów. Nie starzał się z wiekiem, gardząc królewskimi zaszczytami, okazując konfrontacyjne, a nawet lubieżne płótna i atakując ustalone wartości społeczne, gdy inni z jego pokolenia osiedlali się w życiu wypełnionym nagrodami i emeryturami.
Courbet przybył do Paryża w 1839 roku w wieku 20 lat z zamiarem studiowania sztuki. Co znaczące, biorąc pod uwagę jego późniejszy atak na dominację i sztywność oficjalnego establishmentu artystycznego, nie zapisał się do sankcjonowanej przez rząd Akademii Sztuk Pięknych. Zamiast tego brał udział w prywatnych studiach, szkicował w muzeach i szukał porady i instrukcji od malarzy, którzy wierzyli w jego przyszłość. Pisząc do rodziców w 1846 r. O trudnościach związanych z wyrobieniem sobie renomy i zdobywaniem akceptacji, powiedział, że jego celem jest „zmiana gustu i sposobu postrzegania”. Uznał, że robienie tego było „niemałym zadaniem, ponieważ oznacza nie więcej i nie mniej niż obalenie tego, co istnieje, i zastąpienie go”.
Będąc nosicielem nowego „realizmu”, który zdefiniował jako przedstawienie znanych rzeczy, stałby się jednym z najbardziej innowacyjnych i wpływowych malarzy Francji z połowy XIX wieku. Jego zaangażowanie w przedstawianie zwykłego życia w decydujący sposób ukształtuje wrażliwość Maneta, Moneta i Renoira pokolenie później. A Cézanne, który chwalił starszego artystę za jego „nieograniczony talent”, poparłby i rozwinął twierdzenie Courbet, że pędzel i faktura farby powinny być podkreślane, a nie ukryte. Ponadto, organizując własne programy i sprzedając swoje prace bezpośrednio publiczności, Courbet przygotował scenę dla impresjonistów w inny sposób. Po kilkakrotnym odrzuceniu ich obrazów przez Salon Paryski (najważniejsza coroczna wystawa sztuki rządu francuskiego) Monet, Renoir, Pissarro i Cézanne zorganizowali swój przełomowy pokaz w 1874 roku. To na tej wystawie krytyk szyderczo nazwał grupę „ Impresjoniści ”. Kto wie, pisarz krytyk sztuki Clement Greenberg w 1949 r., „Ale bez Courbeta impresjonizm zacząłby się mniej więcej dziesięć lat później?”.
Courbet działał we wszystkich gatunkach, od portretów, scen wieloformatowych i martwych natur po krajobrazy, pejzaże morskie i akty. Robił to z ogromną troską o dokładne przedstawienie, nawet gdy oznaczało to portretowanie zubożałych kobiet lub robotników wykonujących zawrotne zadania - radykalne podejście w czasie, gdy jego rówieśnicy malowali fantazyjne sceny z życia na wsi, historie zaczerpnięte z mitologii i uroczystości arystokratyczne społeczeństwo. Kobiety Courbet były mięsiste, często tęgi. Jego robotnicy wyglądali na zmęczonych, a ich ubrania były podarte i brudne. „Malarstwo jest sztuką w gruncie rzeczy konkretną ” - napisał w liście do przyszłych studentów w 1861 r. - „i może polegać jedynie na przedstawieniu rzeczy zarówno rzeczywistych, jak i istniejących ”.
Opracował także technikę używania noża paletowego - a nawet kciuka - do nakładania i kształtowania farby. Ta radykalna metoda - obecnie powszechna - przeraziła konserwatywnych widzów przyzwyczajonych do oglądania błyszczącej farby wygładzanej na powierzchni obrazu i wyśmiewana przez wielu krytyków. Zmysłowe renderowanie i erotyzm kobiet na płótnach Courbeta jeszcze bardziej oburzyły burżuazję.
Te niegdyś kontrowersyjne obrazy są częścią ważnej retrospektywy twórczości Courbeta obecnie w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (do 18 maja). Wystawa, która została otwarta w ubiegłym roku w Grand Palais w Paryżu i będzie kontynuowana w Musée Fabre w Montpellier we Francji, zawiera ponad 130 obrazów i rysunków. Uwzględniono prawie wszystkie ważne płótna Courbeta, z wyjątkiem A Burial at Ornans (s. 86) i The Painter's Studio (powyżej) - dwa arcydzieła, na których opiera się jego wczesna reputacja - ponieważ uznano je za zbyt duże i zbyt kruche, aby podróżować.
Świeżym - i odkrywczym - wymiarem wystawy jest jej koncentracja na twarzy, którą Courbet przedstawił światu. Seria porywających autoportretów z lat 40. i wczesnych lat 50. XX wieku reklamuje go jako pociągającego młodego człowieka w trybie Byronika z długimi włosami i płynnymi brązowymi oczami. Jeden z nich, Desperate Man, nigdy nie był widziany w Stanach Zjednoczonych. W nim Courbet przedstawia się w szale, konfrontując widza z hipnotyzującym spojrzeniem. Niewielu artystów od czasu Caravaggio mogło przynieść portret tak skrajnie emocjonalny, złożony z równej części agresji i zadziwiającego uroku.
Według wczesnych autoportretów Kathryn Calley Galitz, jedna z kustoszów serialu, „ujawnia, że Courbet zdecydowanie reagował na romantyzm, co czyni jego późniejsze przejście do realizmu jeszcze bardziej znaczące”. Obrazy te pokazują także młodzieńczą smukłość, która okazałaby się ulotna. Apetyt Courbeta na jedzenie i picie był równie ogromny jak jego głód sławy. („Chcę wszystkiego albo nic”, napisał do rodziców w 1845 r. „... w ciągu pięciu lat muszę mieć reputację w Paryżu.”) Gdy przybrał na wadze, zaczął przypominać tylko to, co był - taranem intelektualnym, politycznym i artystycznym.
Znajomi Courbeta w Paryżu byli pod wrażeniem - umiejętnie pobudzonym przez samego artystę - że był nieświadomym wieśniakiem, który wpadł na sztukę. W rzeczywistości Jean Désiré-Gustave Courbet, choć prowincjonalny, był wykształconym mężczyzną z zamożnej rodziny. Urodził się w 1819 roku w Ornans, w górzystym regionie Franche-Comté w pobliżu granicy szwajcarskiej, w Régis i Sylvie Oudot Courbet. Régis był zamożnym właścicielem ziemskim, ale nastroje antymonarchiczne przenikały domostwo. (Ojciec Sylvie walczył w rewolucji francuskiej). Młodsze siostry Gustave'a - Zoé, Zélie i Juliette - służyły jako gotowe modele dla ich brata do rysowania i malowania. Courbet uwielbiał okolicę, w której dorastał, a nawet po przeprowadzce do Paryża wracał prawie co roku, aby polować, łowić ryby i czerpać inspirację.
W wieku 18 lat Courbet został wysłany na studia w Besançon, stolicy Franche-Comté. Tęskniąc za Ornanami, poskarżył się rodzicom na zimne pokoje i złe jedzenie. Nie podobało mu się marnowanie czasu na kursy, w których nie był zainteresowany. W końcu jego rodzice zgodzili się pozwolić mu mieszkać poza uczelnią i brać udział w zajęciach w lokalnej akademii sztuki.
Jesienią 1839 r., Po dwóch latach pobytu w Besançon, Courbet wyjechał do Paryża, gdzie rozpoczął naukę u barona Charlesa von Steubena, malarza historii, który był stałym wystawcą w salonie. Jednak cenniejsza edukacja Courbet pochodzi z obserwacji i kopiowania w Luwrze obrazów holenderskich, flamandzkich, włoskich i hiszpańskich.
Jego pierwsze zgłoszenie do Salonu, w 1841 r., Zostało odrzucone, a dopiero trzy lata później, w 1844 r., Miał w końcu mieć do wyboru obraz Autoportret z czarnym psem . „W końcu zostałem przyjęty na wystawę, co sprawia mi największą przyjemność” - napisał do rodziców. „Nie jest to obraz, który najbardziej chciałbym zaakceptować, ale bez względu na to… Zrobili mi zaszczyt, dając mi bardzo piękne miejsce… miejsce zarezerwowane dla najlepszych obrazów na Wystawie. „
W 1844 roku Courbet rozpoczął pracę nad jednym z najbardziej uznanych autoportretów, The Wounded Man (s. 3), w którym wcielił się w postać męczennika. Portret, który emanuje wrażliwością seksualną, jest jednym z wczesnych odkryć erotycznej nędzy Courbet, które stałyby się powracającym tematem. Na przykład w „ Młodych damach nad brzegiem Sekwany” z lat 1856–57 (na odwrót) dwie kobiety - jedna drzemiąca, jedna marząca - są schwytane w nieostrożnym porzuceniu. Nieuporządkowane halki śpiącej kobiety są widoczne, a moraliści tamtych czasów byli obrażeni przez reprezentację przez Courbeta naturalnej nieprzyzwoitości snu. Jeden z krytyków nazwał utwór „przerażającym”. W 1866 roku Courbet prześcignął nawet Sleepa, wyraźne studium dwóch nagich kobiet, które spały sobie w ramionach. Kiedy zdjęcie zostało pokazane w 1872 r., Zamieszanie wokół niego było tak intensywne, że zostało odnotowane w policyjnym raporcie, który stał się częścią akt, które rząd trzymał artysty. Krytyk Courbet zauważył: „czy malarstwo demokratyczne i społeczne - Bóg wie, za jaką cenę”.
W 1848 r. Courbet przeniósł się do studia przy 32 rue Hautefeuille na lewym brzegu rzeki i zaczął spędzać czas w sąsiedniej piwiarni o nazwie Andler Keller. Do jego towarzyszy - z których wielu stało się przedmiotami portretowymi - należeli poeta Charles Baudelaire, krytyk sztuki Champfleury (przez wiele lat jego mistrz w prasie) i filozof Pierre-Joseph Proudhon. Zachęcali ambicje Courbeta do tworzenia zindywidualizowanych zdjęć życia codziennego na taką samą skalę iz taką samą powagą jak obrazy historyczne (wielkoformatowe narracyjne renderingi scen z moralnie budującej historii klasycznej i chrześcijańskiej, mitologii i literatury). Na początku lat 50. XIX wieku Courbet cieszył się patronatem bogatego kolekcjonera Alfreda Bruyasa, co dało mu niezależność i środki do malowania tego, co chciał.
Niewielu artystów było bardziej wrażliwych na zmiany polityczne i społeczne lub miało na nie wpływ niż Courbet. Jego awans jako malarza związany był z rewolucją 1848 r., Która doprowadziła do abdykacji króla Ludwika Filipa w lutym tego roku. Następująca Druga Republika, liberalny rząd tymczasowy, przyjęła dwie kluczowe reformy demokratyczne - prawo wszystkich ludzi do głosowania i pracy. Na poparcie tych praw Courbet wyprodukował szereg obrazów mężczyzn i kobiet pracujących przy rzemiośle i rzemiośle. W tym bardziej tolerancyjnym klimacie politycznym niektóre wymagania Salonu zostały wyeliminowane, a Courbet był w stanie pokazać dziesięć obrazów - dla niego przełom - na wystawie w 1848 roku. W następnym roku jedna z jego scen rodzajowych Ornans zdobyła złoty medal, zwalniając go z obowiązku poddania swojej pracy przyszłym jury Salonu.
Począwszy od wczesnych lat 40. XIX wieku Courbet mieszkał z jednym ze swoich modeli, Virginie Binet, przez około dekadę; w 1847 r. mieli dziecko, Désiré-Alfred Emile. Ale kiedy para rozdzieliła się zimą 1851-52, Binet i chłopiec wyprowadzili się z Paryża, a zarówno kochanka, jak i syn, którzy zmarli w 1872 roku, najwyraźniej zniknęli z życia artysty. Po Binet Courbet unikał trwałych uwikłań. „Jestem tak skłonny do zawarcia małżeństwa”, napisał swoją rodzinę w 1845 r., „Jak się powiesić”. Zamiast tego zawsze był w trakcie formowania się, liczenia na romantyczne przywiązania lub rozwiązywania ich. W 1872 r., Gdy wrócił do Ornans, Courbet, wówczas w latach 50., napisał przyjaciela o spotkaniu z młodą kobietą, której „szukał od dwudziestu lat”, i o jego nadziejach na przekonanie jej, by z nim zamieszkała. Zdziwiony, że wolała małżeństwo ze swoją ukochaną wioską od jego oferty „genialnej pozycji”, która uczyniłaby ją „bezdyskusyjnie najbardziej zazdrosną kobietą we Francji”, poprosił przyjaciela, który działał jako pośrednik, by dowiedzieć się, czy jej odpowiedź została udzielona z jej pełną wiedzą.
Status Courbeta jako zdobywcy złotego medalu pozwolił na pokazanie pogrzebu w Ornans (zainspirowanego pogrzebem jego wuja na miejscowym cmentarzu) w Salonie w 1851 r., Pomimo krytyki, która wyśmiała jego fryzopodobną kompozycję, temat materia i monumentalność (21 na 10 stóp). W surowej scenie pojawia się około 40 żałobników, opiekunów duchownych i duchowieństwa - faktyczni mieszczanie Ornanów. Zapewniło to zupełnie inne wrażenia wizualne wyrafinowanym paryżanom, dla których rustykale i ich zwyczaje były bardziej przedmiotem żartów niż tematami poważnej sztuki. Jeden pisarz zasugerował, że Courbet po prostu odtworzył „pierwszą rzecz, która się pojawi”, podczas gdy inny porównał pracę do „źle wykonanego dagerotypu”. Ale François Sabatier, krytyk i tłumacz, zrozumiał osiągnięcia Courbeta. „M. Courbet stworzył dla siebie miejsce… w kształcie kuli armatniej, która wbija się w ścianę” - napisał. „Pomimo wzajemnych oskarżeń, pogardy i obelg, które ją zaatakowały, nawet pomimo jej wad, pochówek w Ornanie będzie zaliczany do najbardziej niezwykłych dzieł naszych czasów”.
W grudniu 1851 r. Ludwik Napoleon (bratanek cesarza Francji i wybrany prezydent II Republiki) dokonał zamachu stanu i ogłosił się cesarzem Napoleonem III. Pod jego rządami autorytarnymi wolność artystyczna była ograniczona i panowała atmosfera represji - prasa była cenzurowana, obywatele byli monitorowani, a krajowa władza ustawodawcza pozbawiona władzy. Czułe studium Courbeta nad trzema siostrami, które dawały jałmużnę wieśniaczce, Młodym Damom z Wioski, zostało zaatakowane przez krytyków za zagrożenie dla systemu klasowego, które zdawało się sprowokować. „Niemożliwe jest powiedzieć wam wszystkie obelgi, które wygrał mój obraz z tego roku”, napisał do rodziców, „ale mnie to nie obchodzi, bo kiedy nie będę już kontrowersyjny, nie będę już ważny”.
Courbet jeszcze bardziej rozzłościła się w 1853 roku wraz z The Bathers, widokiem z tyłu kobiety o dużych proporcjach i jej odzianej sługi w lesie. Krytycy byli przerażeni; nagi kąpiący się przypomniał jednemu z nich o „ociosanym pniu drzewa”. Romantyczny malarz Eugène Delacroix napisał w swoim dzienniku: „Co za obraz! Co za temat! Powszechność i bezużyteczność myśli są obrzydliwe”.
Najbardziej złożona praca Courbet, The Painter's Studio: A Real Alegoria podsumowująca siedmioletnią fazę mojego życia artystycznego (1855), reprezentowała jego doświadczenia i relacje od 1848 roku, roku, który był punktem zwrotnym w jego karierze. Po lewej stronie obrazu znajdują się ofiary niesprawiedliwości społecznej - biedni i cierpiący. Po prawej stoją znajomi ze świata sztuki, literatury i polityki: Bruyas, Baudelaire, Champfleury i Proudhon są postaciami, które można zidentyfikować. W centrum znajduje się sam Courbet, pracujący nad krajobrazem swojej ukochanej Franche-Comté. Nagi model spogląda przez ramię, a dziecko z entuzjazmem patrzy na trwający obraz. Courbet przedstawia studio jako miejsce spotkań całego społeczeństwa, a artysta - a nie monarcha czy państwo - jest filarem, który utrzymuje świat w odpowiedniej równowadze.
Wystawa Universelle z 1855 roku, odpowiedź Paryża na wystawę Crystal Palace w Londynie w 1851 roku, była wydarzeniem artystycznym dekady we Francji. Uwzględniono przykłady ruchów sztuki współczesnej i szkół z 28 krajów - o ile spełniały kryteria Napoleona III dotyczące bycia „przyjemnym i mało wymagającym” -. Hrabia Emilien de Nieuwerkerke - najpotężniejszy urzędnik artystyczny Drugiego Cesarstwa - przyjął 11 z 14 obrazów przesłanych przez Courbet. Ale trzy odrzucenia, w tym Studio malarza i Pogrzeb w Ornanie, były o trzy za dużo. „Wyjaśnili, że za wszelką cenę należy powstrzymać moje tendencje w sztuce” - pisał artysta do Bruyasa. Jestem „jedynym sędzią mojego obrazu”, powiedział de Nieuwerkerke. „Studiując tradycję, udało mi się ją uwolnić ... Ja sam, spośród wszystkich francuskich artystów moich czasów, [mam] moc reprezentowania i tłumaczenia w oryginalny sposób zarówno mojej osobowości, jak i społeczeństwa”. Kiedy hrabia odpowiedział, że Courbet był „dość dumny”, artysta odpowiedział: „Jestem zdumiony, że teraz to zauważasz. Sir, jestem dumnym i najbardziej aroganckim człowiekiem we Francji”.
Aby okazać swoją pogardę, Courbet zorganizował własną wystawę obok wystawy. „To niezwykle odważny czyn” - napisał z aprobatą Champfleury powieściopisarzowi George Sand. „Jest to obalenie wszystkich instytucji związanych z ławą przysięgłych; jest to bezpośrednie odwołanie do opinii publicznej; to wolność”. Po tym, jak Delacroix odwiedził Pawilon Realizmu Courbeta (jak nazwał go zbuntowany artysta), nazwał Pracownię malarza „arcydziełem; po prostu nie mogłem oderwać się od tego widoku”. Baudelaire poinformował, że wystawa rozpoczęła się „z całą przemocą zbrojnego buntu”, a inny krytyk nazwał Courbeta „apostołem brzydoty”. Ale wpływ malarza był natychmiastowy. Młody James Whistler, niedawno przybył ze Stanów Zjednoczonych, aby studiować sztukę w Paryżu, powiedział przyjacielowi artysty, że Courbet jest jego nowym bohaterem, ogłaszając: „C'est un grand homme!” („To wspaniały człowiek!”).
W latach 60. XIX wieku, dzięki wystawom w galeriach we Francji i w Bostonie, prace Courbet sprzedawały się dobrze. Dealerzy we Francji starali się wystawiać swoje martwe natury i krajobrazy. A jego przejmujące sceny z polowań, w których występują ranne zwierzęta, znalazły także zwolenników w Niemczech. Pomimo ciągłego sprzeciwu wobec Napoleona III, Courbet otrzymał nominację do Legii Honorowej Francji w 1870 r., Być może próbując umocnić prestiż cesarza w przededniu wojny francusko-pruskiej. Chociaż Courbet kiedyś liczył na nagrodę, jego „republikańskie przekonania”, powiedział teraz, uniemożliwiły mu przyjęcie nagrody. „Honor nie leży w tytule ani wstążce; polega na działaniach i motywach działań” - napisał. „Czczę siebie, pozostając wiernym moim zasadom przez całe życie; jeśli ich zdradziłem, powinienem porzucić honor, aby nosić swój ślad”.
Gest Courbeta wywarł wrażenie na powstańcach politycznych. W 1871 r., Po pokonaniu Napoleona III przez Niemców, paryscy rewolucjoniści znani jako Komuna zaczęli reorganizować miasto na wzór socjalistyczny; Courbet dołączył do ruchu. Kierował muzeami sztuki w mieście i skutecznie chronił je przed rabusiami. Oświadczył jednak, że kolumna Vendôme, pomnik Napoleona Bonaparte i symbol francuskiego imperializmu, pozbawiona była wartości artystycznej i powinna zostać rozebrana i wzniesiona gdzie indziej. Kolumna została obalona 16 maja 1871 r. Kiedy gmina została zmiażdżona, a kilka tygodni później ustanowiona przez nią III Rzeczpospolita, Courbet został pociągnięty do odpowiedzialności za zniszczenie kolumny, mimo że gmina oficjalnie zdecydowała o swoim losie przed powołaniem artysty i wykonała egzekucję dekret po rezygnacji. Aresztowany w czerwcu 1871 r. Courbet został ukarany grzywną, a następnie skazany na sześć miesięcy więzienia, ale zachorował podczas uwięzienia i został wysłany do kliniki w celu powrotu do zdrowia. Zawsze wyzywająco chwalił się swoim siostrom i przyjaciółmi, że jego kłopoty zwiększyły zarówno sprzedaż, jak i ceny. Niektórzy artyści, zazdrosni o swój sukces i rozgniewani przechwalaniem się, rzucili się na niego. „Courbet musi zostać wykluczony z salonów” - stwierdził malarz Ernest Meissonier. „Odtąd musi być dla nas martwy”.
W 1873 r. Trzecia Republika chciała ponownie zainstalować kolumnę, a Courbet został obciążony wszystkimi kosztami odbudowy. Nie mając szacowanych setek tysięcy franków, które by to kosztowało, i w obliczu możliwego zajęcia jego ziem i obrazów, uciekł do Szwajcarii, gdzie spędził ostatnie cztery lata życia na wygnaniu, topiąc się w alkoholu i licząc na ułaskawienie. W maju 1877 r. Rząd ogłosił, że artysta jest winien swojemu krajowi 323 000 franków (dziś około 1, 3 miliona dolarów), płatnych w rocznych ratach w wysokości 10 000 franków przez następne 32 lata. Courbet zmarł 31 grudnia 1877 r., Dzień przed terminem pierwszej raty. Miał 58 lat. Przyczyną śmierci był obrzęk, prawdopodobnie wynikający z jego nadmiernego picia. W 1919 r. Jego szczątki przeniesiono ze Szwajcarii na ten sam cmentarz w Ornans, który kiedyś malował z taką odwagą i przekonaniem.
Nowojorski pisarz i historyk sztuki, Avis Berman, napisał o Edwardu Hopperu w wydaniu Smithsonian z lipca 2007 roku.
