Artysta Jeffrey Gibson, pół-Cherokee członek Indian Choctaw Band w Mississippi, przyjmuje multidyscyplinarne podejście do swojej pracy - jest malarzem, rzeźbiarzem, fotografem i performerem. Jego twórczość to pomysłowy mashup, który wzywa widzów do kwestionowania założeń kulturalnych i politycznych. Ze względu na swoje materiały kopie swoje indiańskie dziedzictwo, młodzieńczą eksplorację subkultury klubów nocnych i edukację globalną w Korei, Niemczech, Anglii i innych krajach, w których żył dorastając. Jego artystyczny nacisk można nazwać wspólnym obejmowaniem marginalizowanych tożsamości, nonkonformistów i społecznych outsiderów.
Gibson szczególnie rezonuje w tym momencie. Jego prace znajdują się zarówno w historii kulturowego wymazywania tego kraju, jak i we współczesnym klimacie dzielącej go polityki.
„Ponieważ czasy stawały się coraz bardziej polityczne, ludzie zaczęli projektować więcej polityczności w pracy”, zauważa Gibson, którego najbardziej znaną grafiką jest seria przeprojektowanych worków treningowych Everlast ozdobionych haftem, wielokolorowe szklane koraliki, fluorescencyjne nylonowe frędzle, metalowe brzęczenia i oznaczone tekstami piosenek pop. „A potem prawie odpowiadam” - mówi. „Ponieważ lubię rozmowę.”
Niezależnie od tego, czy geometryczne obrazy akrylowe i grafitowe na surowej skórze, czy też olśniewające, wzorzyste gobeliny, inspirowane tradycyjnym pikowaniem i rodzimą narracją rzemieślniczą, łatwość Gibsona w mediach odzwierciedla głębokie zrozumienie formalnej abstrakcji. Wśród jego wpływów są amerykańscy i europejscy moderniści, tacy jak Sol Lewitt, Josef Albers i Bridget Riley. Jego prace obejmują takie materiały, jak futro kozie i skóra jelenia, a także ostatnio rzemiosło gryzienia brzozy Algonquian i pióra jeżozwierza, praktykowane przez plemiona na długo przed przybyciem osadników europejskich.
Kwestie kolonizacji - zarówno w murach muzeum, jak i poza nim - nigdy nie oddalają się od umysłu Gibsona. W swojej wielokolorowej wiszącej na ścianie wiszącej na ścianie historii amerykańskiej z 2015 r. Dołączył tekst: „Historia Ameryki jest dłuższa, większa, piękniejsza i straszniejsza niż cokolwiek, co kiedykolwiek o niej mówi”.
Urodzony w Colorado Springs, 47-letni Gibson, syn inżyniera amerykańskiego Departamentu Obrony, opowiada o przeprowadzce co dwa do trzech lat w dzieciństwie, przylatując do Karoliny Północnej, New Jersey, Niemiec i Korei. Gibson, absolwent Art Institute of Chicago i londyńskiego Royal College of Art, studiował malarstwo przez cały czas. Ale cytuje kulturę punkową i entuzjastyczną sceny klubowej, w której brał udział jako nastolatek i dwudziestolatek, będąc tak samo wpływowymi na jego kunszt, jak formalny trening. „Patrząc wstecz na muzykę, która była grana pod koniec lat 80. i 90., tańczyliśmy w uroczysty sposób, często wołając o pomoc, mówiąc wyraźnie o HIV w niektórych tekstach” - wyjaśnia Gibson. „Ale zdałem sobie sprawę, że istnieje powód, dla którego ta muzyka przemówiła do mnie. Mówił do mnie jako młody, dziwny, nie biały człowiek. ”
Demian DinéYazhi, nr 3 autor: Jeffrey Gibson, 2019 (dzięki uprzejmości artysty, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta i Roberts Projects) 
Demian DinéYazhi, nr 4 autor: Jeffrey Gibson, 2019 (dzięki uprzejmości artysty, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta i Roberts Projects) 
Emily Johnson, nr 1, Jeffrey Gibson, 2019 (dzięki uprzejmości artysty, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta i Roberts Projects) 
Emily Johnson, No 4, Jeffrey Gibson, 2019 (dzięki uprzejmości artysty, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta i Roberts Projects) 
Jackson Polys, nr 1, Jeffrey Gibson, 2019 (dzięki uprzejmości artysty, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta i Roberts Projects) 
Laura Ortman, nr 1 Jeffrey Gibson, 2019 (dzięki uprzejmości artysty, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta i Roberts Projects) 
Regan de Loggans, nr 1 autor: Jeffrey Gibson, 2019 (dzięki uprzejmości artysty, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta i Roberts Projects) 
Roxy Romero, nr 2 autor: Jeffrey Gibbons, 2019 (dzięki uprzejmości artysty, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta i Roberts Projects) 
Roxy Romero, nr 3 autor: Jeffrey Gibson, 2019 (dzięki uprzejmości artysty, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta i Roberts Projects) W tym tygodniu Gibson przedstawia ten dyskurs w Smithsonian's National Portrait Gallery w Waszyngtonie, ze swoją multimedialną choreografią zatytułowaną „To Name An Other”. W spektaklu występują bębny i 50 uczestników, którzy identyfikują się jako tubylcy, rdzenni Amerykanie, LGBTQ lub jako ludzie koloru, ubrani w wyszukane ręcznie ubrania Gibsona.
Jest to najnowsza wersja muzealnej serii „Identyfikacja”. „Otwieramy się na portret” - mówi Dorothy Moss z muzeum, która jest kustoszem malarstwa i rzeźby, a także dyrektorem Identify.
Gibson doskonale nadaje się, by być dziesiątym zleconym artystą „Identify”, dołączając do innych, takich jak słynny James Luna, Martha McDonald, JJ McCracken, María Magdalena Campos-Pons i Wilmer Wilson. Celem projektu jest podkreślenie luk we wczesnej kolekcji muzeum, uznanie osób zaginionych, mówi Moss. Ponieważ muzea w całych Stanach Zjednoczonych borykają się z długotrwałymi nierównościami instytucjonalnymi, „Identify” stawia czoło rasowej nieobecności w sztuce i amerykańskiej historii poprzez pryzmat wyników.
„Naprawdę mam nadzieję, że dzieło Gibsona da głos tym, którzy milczeli w tej politycznej chwili, ” mówi Moss o 50 wolontariuszach, a także tekst, który Gibson włącza do przedstawienia. Kolorowa odzież Gibsona dla każdego z uczestników jest połączona z cyfrowo drukowanymi hasłami, takimi jak: „Walczą o czystą wodę;” „Potężni, ponieważ są inni;” „Ich głosy się liczą;” „Mówią w swoim języku;” „Identyfikują As Ona ”i„ Ich ciemna skóra przynosi światło ”.
Strategiczne użycie tekstu jest znakiem rozpoznawczym estetyki Gibsona i przypomina prace Jenny Holzer i działacza na rzecz HIV-AIDS, Davida McDiarmida.
„Pozwala ludziom być widocznymi, którzy czuli się niespotykani i podatni na zagrożenia w naszym obecnym klimacie”, mówi Moss.
Używanie przez Gibsona rodzimych paciorków, inspirowanych kołdrami haseł i haseł protestacyjnych jest rozpoznawane jako narzędzie napędzające współczesną sztukę i dialog społeczny. Ale jego stworzenie pierwszej opalizującej torby bokserskiej, Everlast 2011, było głęboko osobistym doświadczeniem. Gibson wspomina, że podczas terapii zalecanej przez lekarza amorficzne poczucie frustracji - pytanie, czy w ogóle chciał zostać artystą - jest pytaniem. „Pod koniec pierwszej sesji pojawiło się wiele problemów związanych z klasycyzmem, rasizmem, homofobią, bardzo specyficznych dla świata sztuki w sposób, który wyraźnie był źródłem moich frustracji” - mówi. „Praca z tym terapeutą zaowocowała treningiem fizycznym, a następnie boksowaniem, jako sposobem na połączenie mojego umysłu i mojego ciała oraz próbę zjednoczenia tych rzeczy, które były dla mnie bardzo niepowiązane”.
Na tegoroczne biennale w Whitney Gibson zawiesił Keep on Moving (2019), pikowany mural flagowy widoczny w holu muzeum, nad kasami biletowymi, z oświadczeniem: „Dziękuję za zajmowaną przestrzeń. Wiedz, że jesteś kochany. Ciągle w ruchu. Nie przestawaj. ”
Odwiedzający stają w obliczu widocznego umiejscowienia dzieła sztuki, czekając od 5 do 20 minut na zakup biletów wstępu. „Chodzi o powiedzenie tego, co moim zdaniem należy powiedzieć, i co należy zrobić” - mówi Gibson. „Wydaje mi się, że nieodpowiedzialność nie wyrażałaby pewnych rzeczy przy tak dużej platformie jak ta”.
Zgodnie z leksykonem wizualnym Gibsona artysta wykorzystuje okazję, by wzmocnić pozycję widzów. Współzałożycielka i historyk sztuki Whitney Biennial, Jane Panetta, twierdzi, że tekst Gibsona - potężne połączenie sztuki i języka - jest zarówno protestem współczesnej niesprawiedliwości , jak i deklaracją siły przeciwko niesprawiedliwości i uprzedzeniom. „Zawsze borykając się z trudnymi problemami związanymi z jego dziwactwem, z tym, że jest rdzennym artystą” - mówi Panetta - „zawsze starał się zapytać, jak mogę sobie z tym poradzić, ale myśleć o głosie pozytywnym, głosie produktywnym”.
W tym miesiącu w Nowym Jorku, zarówno New Museum, w którym Gibson był rezydentem ostatniej wiosny, jak i Whitney Museum of American Art prezentują podobne do odzieży dzieła Gibsona. Podczas prezentacji bisu „To Name An Other” z 8 czerwca, odbywającej się w New Museum, wykonawcy ponownie ożywiają tekstylia poprzez bębnienie, procesję i ruch, aby zaznaczyć zakończenie rezydencji Gibsona. Nawiązując do swojego głębokiego zainteresowania kwestiami zawłaszczenia i narracji o konflikcie, Gibson zatytułował ostatnią pracę swojego programu rezydencji w Nowym Muzeum, The Anthropophagic Effect, po poezji Oswalda de Andrade'a „Manifest antropofagiczny” z 1928 r., Esej o tym, jak społeczności powinny „pożreć” ”Lub kanibalizacją kultury kolonizatora w celu odrzucenia dominacji. Praca obejmuje cztery jego ubrania oraz sukienki Choctaw i Cherokee, a także szereg materiałów z plastikowych koralików, nylonowych wstążek, mosiężnych pierścieni, suszonych gruszek i koszy.
Zawsze odkrywając nowe historie miejscowego rzemiosła, podczas swojej rezydencji w Nowym Muzeum Gibson zajmował się na przykład tkaniem koszy z trzciny z rzeki w południowo-wschodniej części kraju. „Jeffrey jest kimś, kto naprawdę interesuje się tym, jak różne formy kulturowe są stale, zawsze się dotykając” - mówi kuratorka Nowego Muzeum, Sara O'Keeffe. „Dużą część odzieży, którą Jeffrey produkował w ciągu ostatnich kilku lat, jest myślenie o nich aktywowanych, a nie tylko pokazywaniu ich jako artefaktów w muzeach w całym kraju”.
„Zidentyfikuj: Sztuka performance jako portret - Jeffrey Gibson: To Name In Other” odbędzie się 22 maja 2019 o godzinie 17:00 w Smithsonian's National Portrait Gallery w Waszyngtonie
