Śmierć malarstwa została po raz pierwszy przewidywana w połowie XIX wieku, kiedy pojawienie się fotografii zdawało się wyrwać rzeczywistość z ręki malarza. „Jeśli fotografia może zastąpić sztukę w niektórych swoich funkcjach”, pisał francuski poeta i krytyk sztuki Charles Baudelaire w 1859 r., „Wkrótce ją wyprze lub całkowicie zepsuje”. Od tego czasu artyści próbują pogodzić się z implikacjami fotografii.
Impresjoniści, tacy jak Monet i Renoir, odrzucając statyczne, mechaniczne obrazy fotografii, a także nieaktualne akademickie malarstwo swoich czasów, postanowili malować własne wrażenia na temat tego, jak oko postrzega światło i atmosferę w przyrodzie. Niektórzy z ich współczesnych, w tym Degas i Toulouse-Lautrec, obrócili się inaczej. Zaczęli używać fotografii jako inspiracji - kadrować zdjęcia tak, jak na przykład aparat, i wprowadzać zniekształcenia perspektywy w oparciu o obiektyw aparatu.
Następnie, sto lat temu, Matisse i Picasso stworzyli radykalne obrazy, które określą nową erę sztuki współczesnej. Matisse zniekształcił sylwetkę swą wypukłą Niebieską Nagą w 1907 roku, malując ze zdjęcia, aby uwolnić swoją wyobraźnię i zerwać z nawykami powstałymi z czerpania z życia. Picasso wykorzystał także zdjęcia do namalowania swojej Les Demoiselles d'Avignon z 1907 r., Przy czym każda postać wyglądała jak wielokrotna ekspozycja, widziana pod różnymi kątami w tym samym czasie - decydujący krok w kierunku kubizmu.
W miarę postępu XX wieku malarze tacy jak Wassily Kandinsky i Jackson Pollock całkowicie porzucili koncepcję sztuki jako reprezentacji, wytwarzając płótna, w których nie było żadnych rozpoznawalnych przedmiotów. W ich „abstrakcyjnych” pracach sama farba stała się przedmiotem. W latach sześćdziesiątych artyści konceptualni - zainspirowani Marcelem Duchampem i innymi dadaistami lat dwudziestych - przyjęli pogląd, że sztuka powinna być skierowana na umysł, a nie na oko, pokazując obrazy, w których idea dzieła była ważniejsza niż samo dzieło . Z kilkoma oczywistymi wyjątkami - pop-art, fotorealizm i artyści tacy jak David Hockney - sztuka reprezentacyjna lub figuratywna była w dużej mierze uważana za przeszłość pod koniec XX wieku. Ale w ostatnich latach wielu współczesnych malarzy zaczęło sięgać do korzeni współczesnej sztuki, aby znaleźć nowe sposoby ekspresji. Mieszają postać ludzką i inne rozpoznawalne formy z elementami abstrakcji i niejednoznacznej narracji w niespotykany dotąd sposób.
„Emocje związane z moim zawodem są teraz ogromne” - mówi Joachim Pissarro, kustosz malarstwa i rysunku w nowojorskim Museum of Modern Art. „Trzydzieści lat temu mówiono o końcu malarstwa. Dzisiaj nikogo to nie obchodzi”. Mówi, że dla młodego pokolenia „polaryzacja między abstrakcją a reprezentacją, która istniała w drugiej połowie XX wieku, jest po prostu bez znaczenia. To, co widzimy teraz, jest bardzo interesujące. I zupełnie nowe”.
Rozproszeni z Brooklynu do Trynidadu do Lipska w Niemczech artyści reprezentowani na tych stronach odnawiają „wiarę w malarstwo”, mówi Laura Hoptman, starszy kustosz w Nowym Muzeum Sztuki Współczesnej w Nowym Jorku.
Peter Doig
„Kiedy ludzie zaczęli interesować się moją pracą pod koniec lat osiemdziesiątych, malarstwo było całkowicie poza programem”, mówi Peter Doig, 49-letni Szkot mieszkający w Trynidadzie. „To, co galerie uważały za najnowocześniejsze, było pojęciowe - malarstwo o malarstwie, sztuka, która mówi coś o tym, jak jest tworzona. Celowo działałem przeciwko temu. Kiedy jesteś malarzem, ciągle musisz patrzeć na świat jako potencjalny przedmiot do malowania. I to idzie od oglądania czegoś na ulicy, po oglądanie czegoś w filmie, w czasopiśmie, wszystko naprawdę ”.
Studio Doiga, w odnowionej destylarni rumu w stolicy Hiszpanii w Trynidadzie, Port of Spain, jest pełne dużych płócien przedstawiających junglelowe krajobrazy, rozmazane rzeki i niejednoznaczne postacie. Kiedy opuścił Londyn, aby przenieść się do Trynidadu w 2003 r., Wielu jego przyjaciół nazywało to „robieniem Gauguina”, na cześć francuskiego artysty Paula Gauguina, który przeprowadził się na Tahiti w 1891 r., Aby stać się jednością z naturą. Styl Doiga jest czasem porównywany do stylu Gauguina, ale jego podejście do malowania jest zupełnie inne. Jego metoda opiera się na rodzaju przetwarzania informacji, które często zaczyna się od zdjęcia, jak mówi, ponieważ malowanie ze zdjęć dystansuje go od tego, co jest prawdziwe lub prawdziwe. „Dlaczego obraz musi być zgodny z prawdą?” On pyta.
Doig wykonał kilka obrazów ze starej pocztówki, którą kupił w londyńskim sklepie ze śmieciami, przedstawiającym scenę rzeczną w Indiach. „Kiedy maluję bezpośrednio z natury” - mówi - „zbyt pochłonęło mnie próbowanie zrobienia tego dobrze. Używanie fotografii lub pocztówki pozwala mi po prostu wziąć to, czego chcę, a resztę pominąć. Zrobiłem zdjęcie maleńkiego guru z pocztówki i zrobiłem kolejne zdjęcie, a ja wysadziłem go w powietrze, aby stało się rozmytą plamą, i malowałem z niego, a on stał się czymś w rodzaju brodatego mężczyzny, czegoś tajemniczego i czarnego. Nie wiem, czy jest postacią religijną, czy fanatyką, ale jest w nim coś duchowego ”.
Wskazuje na płótno o wymiarach 9 na 12 stóp szkicowej postaci wspinającej się po palmie, obejmującej pień i wyglądającej z abstrakcyjnej pustki pociągnięć pędzla, kropel i pęknięć. „Te kroplówki i pęknięcia są rodzajami pięknych rzeczy w malarstwie, które są wyjątkowe” - mówi. „Ryzykujesz, a oni ci je dają, ale nienawidzę ich, aby stali się manieryzmem lub sztuczką”. To właśnie postać najbardziej uderzyła Laurę Heon, reżyserkę SITE Santa Fe, kiedy obraz był pokazywany na Biennale Muzeum w 2006 roku. „W pewnym sensie jest to powrót do humanizmu” - mówi. „Jest coś bardzo hojnego w zrobieniu zdjęcia istoty ludzkiej”.
Ważna retrospekcja twórczości Doiga zostanie otwarta w lutym na Tate Modern w Londynie.
Dana Schutz
W obrazach Dany Schutz trudno odróżnić fałszywe i prawdziwe. „Wiem, że moje obrazy są skonstruowane, ale wierzę w nie, kiedy maluję” - mówi w swojej pracowni w starym budynku przemysłowym przekształconym w spółdzielnię artystów na Brooklynie. 30-letni Schutz lubi tworzyć postacie i umieszczać je w różnych scenariuszach w serii obrazów, w których wydają się żyć własnym życiem. Jedną z takich serii są postacie, które nazywa „samozjedzącymi” - rozebraną postacią ludzi, którzy przeżyją, jedząc części własnego ciała, a następnie odbudowując się. Obrazy z ich fantastycznymi obrazami i tym, co nazywa jej „ekstrawertycznymi kolorami” - jaskrawymi różami i czerwieniami, elektrycznymi purpurami i zielonymi dżunglami - zostały pochwalone jako nowy ekspresjonizm i łatwo je interpretować w kategoriach problemów społecznych - z anorektyczne modele żarłocznego konsumpcjonizmu - a nawet przebłyski psychiki artysty. Ale Schutz się nie zgadza.
„Nie jestem ekspresjonistką”, protestuje. „W tych obrazach nie chodzi o mnie, że wyrażam swoje samopoczucie”. Samozjedząca, mówi, „jest obrazowym rozwiązaniem; możesz je rozebrać na części i złożyć je ponownie. To tak, jakby właśnie stały się materialne”.
Ale Schutz mówi, że jej obrazy są czasem inspirowane tym, co widzi w Internecie lub myśli o tym czasie. „Chcę, aby te obrazy zaczęły się gdzieś w wyobraźni publicznej, gdzie ludzie mają wrażenie, że mogliby poznać tę historię, na przykład chirurgię plastyczną lub konsumpcję produkcji lub sposoby, w jakie tworzymy alternatywne historie dla siebie” - mówi. „Coraz bardziej wydaje mi się, że najbardziej radykalną rzeczą, jaką może zrobić sztuka, jest dostarczenie komuś wrażenia, które wydaje mu się nieznane”.
Dla Schutza nie ma twardej granicy między malarstwem abstrakcyjnym a figuratywnym. „Nie uważam ich za coś osobnego”. Na jednym z nowych obrazów przedstawiających kierowcę mężczyznę i kobietę postacie w samochodzie wydają się niemal plastyczne, jakby roztapiały się w gorącym hawajskim krajobrazie. „Myślę o nich” - mówi - „czy w przyszłości, gdybyś spojrzał na nas, jakie cechy pozostałyby w nieco zniekształcony lub uogólniony sposób?
„Może zmieniamy postać” - kontynuuje. „Tworzenie obrazów o malarstwie po prostu brzmi szalenie. Wszystko to mówi o farbie. Myślę, że artyści chcą teraz nadawać sens i mieć efekt. Jest zupełnie inny niż w XX wieku”.
Wystawa prac Schutza rozpoczyna się w listopadzie w Galerii Sztuki Współczesnej w Berlinie w Niemczech.
Neo Rauch
W Lipsku 47-letni niemiecki artysta Neo Rauch ma wpływ na pokolenie powojennych malarzy, tworząc niejednoznaczne obrazy łączące realizm z fantazją, zwykłość z dziwactwem. Opierając się na stylach graficznych komiksów i sztuki komercyjnej bloku wschodniego, socrealizmie komunistycznych Niemiec Wschodnich, własnych wyobrażeniach o marzeniach i elementach krajobrazu miejskiego, Rauch maluje postacie, które można znaleźć na plakatach propagandowych, ale umieszcza je sceny, które, jak mówi, są „myląco prawdopodobne” - kiedyś znane i dziwne.
Rauch opisuje swoje obrazy jako alegorie z osobistą ikonografią, która pozostaje prywatna. Niedawno powiedział dziennikarzowi Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, że jego decyzje jako malarza mogą być sprzeczne z rozumem - nawet własnym. Ale to, co zawiera w obrazie, ma swoją rzeczywistość, ponieważ „pomimo całego pragnienia interpretacji, malarstwo powinno zachować przywilej umieszczenia tego, czego nie da się wyrazić w oczywistą strukturę”. Rauch opisuje swój proces tworzenia obrazu jako walkę o zrównoważenie tego, co jest rozpoznawalne z tym, co niewytłumaczalne. „Dla mnie, powiedział, „ malarstwo oznacza kontynuację snu innymi środkami ”.
Wystawa prac Raucha jest obecnie dostępna w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (do 14 października).
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas, podobnie jak Dana Schutz, absolwentka szkoły artystycznej Columbia University, założył swoje studio na przekształconym lofcie przemysłowym na Brooklynie. Jego obrazy, inspirowane francuskim malarstwem historycznym z końca XIX wieku, łączą elementy figuratywne z technikami wywodzącymi się z graffiti i ekspresjonizmu abstrakcyjnego.
„Jako nastolatek, który dorastał w śródmieściu Filadelfii, najpierw pisałem graffiti” - mówi. „Wpadłem w różnego rodzaju kłopoty, zostałem aresztowany, ale zawsze miałem jedną nogę na zajęciach plastycznych”. W końcu ojciec przyjaciela zabrał go do niektórych galerii sztuki w Nowym Jorku. „To naprawdę jedyny sposób, w jaki mógłbym wiedzieć, że świat sztuki kiedykolwiek istniał” - mówi.
34-letni Furnas maluje płótna płasko na podłodze, podobnie jak Jackson Pollock. Ale zamiast kapiącej farby olejnej à la Pollock tworzy kałuże farby na bazie wody, którą układa jedna na drugiej, aby stworzyć formę. W serii o wojnie domowej napełnił strzykawkę czerwoną farbą akrylową, którą tryskał nad płótnami, przedstawiając krew. „Oleje nigdy nie wyschłyby na czas, tak jak używam farby” - mówi - „płasko na ziemi, w kałużach. Wiele z nich wraca do graffiti. Jedną z rzeczy, które lubiłem w graffiti, jest to, że celowo niewłaściwie używa materiału. Możesz zdjąć kapsle z aerozolu z jednego aerozolu, na przykład środek czyszczący do blatu, i nałożyć go na spray z farbą i uzyskać zupełnie inny efekt niż dysza ... Nigdy nie przejmowałem się nawet sztalugi lub pędzle. Mam ogromną kolekcję kapsli w sprayu, tak jak wyobrażam sobie, że niektórzy malarze olejni mają pędzle. W mojej pracy jest coś w rodzaju celowej mieszanki tego, co jest w sklepie ze sprzętem i tym, co w sklepie ze sztuką. ”
W szkole artystycznej w Kolumbii Furnas zbuntował się przeciwko starszemu pokoleniu nauczycieli, którzy byli, jak mówi, „artystami konceptualnymi i postmodernistycznymi, prawie żadnymi malarzami”. Widział malarstwo jako akt wyrażania siebie, który był nie na czasie. Chciał również, aby jego dzieło było dostępne dla widzów bez potrzeby interpretacji przez naukowców. „Nie chciałem, żeby ci ludzie w czarnych garniturach opowiadali o mojej pracy” - mówi. „Nie chciałem pośrednika”. Postanowił „wrócić do nasion modernizmu”, mówi, „do Courbeta, Géricaulta i Maneta, do francuskiego malarstwa historycznego z końca XIX wieku. Byłem w stanie ponownie zbadać ten gatunek i podejść do niego w inny sposób. Więc stałem się takim modernistycznym klientem sklepu z artykułami używanymi! ”
Wystawa prac Furnas zaplanowana jest na wiosnę w galerii Stuart Shave / Modern Art w Londynie.
Katherine Lee
Katherine Lee, 22-letnia Katherine Lee, w dawnych koszarach wojskowych przekształconych w pracownie artystów w College of Santa Fe, zastanawia się, jak jej przewodowe pokolenie spojrzy na sztukę. „W dzisiejszych czasach czytamy tak wiele natychmiastowych przekazów wizualnych” - mówi - „jak reklamy - czytaj i zdobywaj - i chcę, aby obraz był interesujący dłużej niż przerwa reklamowa. Myślę, że istnieje lęk przed narracją, i to bierze się z pomysłu „zdobycia”. Ludzie są tak przyzwyczajeni do reklamy, że chcą, aby ktoś inny zastanowił się nad tym, co widzą na obrazie. Ale reklama robi tak dobrą robotę, że być może trzeba znaleźć nową strategię ”.
Tajemniczy, prawie czarny krajobraz z plamą odległego światła jest przypięty do ściany studia Lee. Ma nastrojową atmosferę i głębię dziewiętnastowiecznego krajobrazu, ale Lee namalował go z kilku fotografii przy użyciu mieszanki grafitu, olejów i puszek farby w sprayu. Ciemne liście sugerują dżunglę lub las, a pośrodku jest coś, co wygląda jak czerwony parasol. Ale nie ma ludzi. Trudno jest dowiedzieć się czegoś o scenie, a tego właśnie chce. „Ten parasol w lesie sugeruje, że coś się dzieje” - mówi. „Podoba mi się pomysł, że wszystko działa jak potencjalna treść. Naprawdę nie myślę o tym, co to znaczy, kiedy to robię, ponieważ wiem, że będzie miało swoje własne znaczenie”.
Kiedy maluje postacie ludzkie, jak na olejnym i grafitowym obrazie romantycznej pary, którą nazywa Untitled Love, Lee chce, aby farba zainteresowała widza tak samo jak obraz. „To nie jest dokładnie malarstwo figuratywne”, mówi, „ponieważ tak naprawdę nie chodzi o tych ludzi. Kiedy zaczynałem malowanie, tak naprawdę chodziło tylko o postać, ale wkrótce wydawało się to zbyt płaskie. Byłem naprawdę sfrustrowany i trochę zniszczony większość obrazu, a potem było o wiele lepiej. Wziąłem pędzel i po prostu gwałtownie zatarłem wszystko. Abstrahując wszystko do tego stopnia, obraz staje się otwarty, zyskuje dużo potencjalnej treści, a nie wyraźnego wyjaśnienia. „
Obrazy Katherine Lee zostaną zaprezentowane podczas pokazu pracy magisterskiej w galerii sztuk pięknych College of Santa Fe w maju.
Elizabeth Neel
32-letnia Elizabeth Neel, absolwentka School of the Arts na Columbia University, jest malarzem, którego praca dodaje nowych emocji związanych ze współczesnym malarstwem łączącym abstrakcję i reprezentację. W jej pracowni na Brooklynie płótna pokryte są dużymi abstrakcyjnymi pociągnięciami pędzla przypominającymi de Kooninga, ale zawierają one postacie, jakie mógł sobie wyobrazić malarz, taki jak Matisse. Neel twierdzi, że na jej własną wrażliwość wpływa zalew otaczających ją obrazów, od reklamy i telewizji po filmy, wideo i Internet. „Jesteśmy konsumentami obrazów niemal od dnia naszych narodzin”, mówi, i uważa, że sztuka musi teraz radzić sobie z tym środowiskiem.
Wnuczka XX-wiecznego malarza figuratywnego Alice Neel, Elizabeth często przegląda Internet w poszukiwaniu obrazów przed rozpoczęciem malowania. Nie wyświetla zdjęć na płótnie, ale wykonuje szkice obrazów, których chce użyć. Czasami, jak mówi, czysto formalne aspekty tworzenia obrazu - na przykład skala pociągnięć pędzla - mogą zmienić jej zainteresowanie obrazem i odesłać ją z powrotem do Internetu w poszukiwaniu nowych obrazów i pomysłów. „Myślę, że malarstwo może mieć cudowną dwoistość; może dotyczyć samego siebie i świata” - mówi - i kiedy to się dzieje, jest to dobry fragment obrazu.
Brytyjski kolekcjoner Charles Saatchi zakupił kilka obrazów Neela i niektóre z nich włącza do swojej bieżącej serii wystaw „The Triumph of Painting” w swojej londyńskiej galerii. Neel wystąpi solo w Deitch Projects w Nowym Jorku wiosną 2008 roku. Jej prace można zobaczyć na stronie internetowej Deitch Projects.
Pisarz i malarz Paul Trachtman mieszka w Nowym Meksyku. Jego artykuł o dadaistach ukazał się w maju 2006 roku w Smithsonian.
