Paulowi Gauguinowi nie brakowało zaufania. „Jestem wielkim artystą i wiem o tym” - chwalił się w liście z 1892 roku do swojej żony. Powiedział to samo tym samym przyjaciołom, dealerom i opinii publicznej, często opisując swoją pracę jako jeszcze lepszą niż wcześniej. W świetle historii sztuki współczesnej jego zaufanie było uzasadnione.
powiązana zawartość
- Jan Lievens: Out of Rembrandt's Shadow
- Van Gogh w Auvers
- Edvard Munch: Beyond The Scream
Gauguin, malarz, rzeźbiarz, grafik, ceramik i pisarz, jest dziś jednym z gigantów postimpresjonizmu i pionierem modernizmu. Był także świetnym gawędziarzem, tworząc narracje w każdym medium, którego dotknął. Niektóre z jego opowieści były prawdziwe, inne prawie zmyślone. Nawet bujne arcydzieła tahitańskie, z których jest najbardziej znany, odzwierciedlają egzotyczny raj bardziej wyobrażony niż prawdziwy. Bajki, które przestawił Gauguin, miały promować samego siebie i jego sztukę, co było bardziej udane dla człowieka niż dla jego dzieła; za życia był dobrze znany, ale jego obrazy sprzedawały się słabo.
„Gauguin stworzył swoją osobowość i ustanowił własny mit o tym, jakim był człowiekiem” - mówi Nicholas Serota, dyrektor londyńskiego Tate, którego wystawa „Gauguin: Twórca mitu” podróżowała w zeszłym miesiącu do Galerii Narodowej w Waszyngtonie sztuki (do 5 czerwca). „Gauguin miał prawdziwe poczucie, że ma wspaniałość artystyczną”, mówi Belinda Thomson, kurator wystawy Tate Modern. „Ale on także gra w gry, więc nie jesteś pewien, czy możesz go wziąć dosłownie.”
Z prawie 120 prac prezentowanych w Waszyngtonie kilka kuszących autoportretów przedstawia Gauguina w różnych postaciach: walczącego malarza w studio mansardowym; prześladowana ofiara; nawet jako Chrystus w Ogrodzie Oliwnym. Autoportret z 1889 r. Pokazuje go ze świętą aureolą i diabelskim wężem (z jabłkami Garden of Eden), sugerując, jak bardzo może być sprzeczny.
Z pewnością artysta byłby zadowolony z ponownej uwagi; w końcu jego celem było być sławnym. Ubrał się dziwnie, pisał samolubną krytykę swojej pracy, zwracał się do prasy, a nawet rozdawał fanom swoje zdjęcia. Często był pijany, wojowniczy i rozwiązły - i prawdopodobnie samobójczy. Odsunął się od paryskiego społeczeństwa do coraz bardziej egzotycznych miejsc - Bretanii, Martyniki, Tahiti i wreszcie na Wyspy Markizy w Polinezji Francuskiej - aby uciec ze świata, który jego zdaniem zbyt szybko się modernizuje.
Jego żywe kolory, spłaszczenie perspektywy, uproszczone formy i odkrycie tak zwanej prymitywnej sztuki sprawiły, że uczeni przypisywali mu wpływ na fauwizm, kubizm i surrealizm. Jego potężna osobowość pomogła również ustanowić konwencję artysty jako obrazoburcy (pomyśl Andy Warhol lub Julian Schnabel). „Czerpał z francuskiej symboliki i poezji, z angielskiej filozofii, Biblii i legend Morza Południowego” - mówi Mary G. Morton, kustosz malarstwa francuskiego w National Gallery. „Przyjął wielokulturowe podejście do swojej pracy.”
Soyez mystérieuses (Be mysterious) to tytuł, jaki Gauguin nadał płaskorzeźbieniu płaskorzeźby kobiecej kąpieli. To była zasada, według której żył. Jakby jego obrazy nie były wystarczająco pełne dwuznaczności, nadał im celowo mylące tytuły. Niektóre były w formie pytań, na przykład skąd pochodzimy? Czym jesteśmy? Gdzie idziemy?, tropikalna scena równie zagadkowa jak tytuł. Inne zostały napisane po tahitańsku, w języku, który niektórzy potencjalni kupcy uważali za odrażający. Nawet na swoich najwcześniejszych zdjęciach Gauguin wstawiał jakiś dziwny przedmiot: na przykład kufel dużego rozmiaru, na przykład w uroczym portrecie śpiącego młodego syna, Clovisa. W Utracie dziewictwa dziwnym elementem jest lis, którego łapa swobodnie spoczywa na piersi nagiej kobiety leżącej w bretońskim krajobrazie. (Modelka, krawcowa z Paryża, wkrótce urodzi dziecko Gauguina, córkę o imieniu Germaine.)
Sam artysta był prawdopodobnie lisem na zdjęciu, zwierzęciem, które, jak twierdził, był „indyjskim symbolem przewrotności”. Jeden ósmy peruwiański, ten syn burżuazyjnych paryżan, często nazywał siebie częściowo dzikim. Jego pierwszy dealer, Theo van Gogh (brat Vincenta), zasugerował, że dzieło Gauguina było trudne do sprzedaży, ponieważ był „w połowie Inkami, w połowie Europejczykiem, przesądny jak ten pierwszy i rozwinięty w pomysłach takich jak niektóre z tych drugich”.
Morza Południowe zapewniły Gauguinowi niektóre z jego najlepszych możliwości tworzenia legend. Rozczarowany faktem, że wiele tradycyjnych rytuałów i bogów zniknęło już z kultury tahitańskiej, po prostu zrekonstruował własne. Po powrocie do Paryża stworzył jedną z najbardziej zagadkowych rzeźb: groteskową nagą kobietę o wyłupiastych oczach, depczącą jej nogi zakrwawionego wilka i chwytając dłońmi mniejsze stworzenie. Gauguin uważał to za ceramiczne arcydzieło i chciał, aby zostało ono umieszczone na jego grobie. Jego tytuł: Oviri, tahitański za „dzikiego”.
Życie Gauguina było wystarczająco interesujące bez całej mitologii. Urodził się Eugene Henri Paul Gauguin 7 czerwca 1848 r. W Paryżu, jako dziennikarz polityczny Clovis Gauguin i jego żona Aline Marie Chazal, córka wybitnej feministki. Wraz z rewolucjami, które ogarnęły Europę, gdy Paul miał zaledwie rok, rodzina szukała względnego bezpieczeństwa Peru, gdzie Clovis zamierzał założyć gazetę. Ale zmarł w drodze, pozostawiając Aline, Paula i siostrę Paula, Marie, by kontynuować podróż do Limy, gdzie mieszkali u wuja Aline.
Pięć lat później wrócili do Francji; Gdy miał 17 lat, Gauguin wrócił na pełne morze, najpierw w marynarce handlowej, a potem w marynarce francuskiej. „Jak widać, moje życie zawsze było bardzo niespokojne i nierówne”, napisał w Avant et Après (Przed i po) autobiograficzne rozważania opublikowane po jego śmierci. „We mnie bardzo wiele mieszanin”.
Kiedy matka Gauguina zmarła, w 1867 roku, jej bliski przyjaciel Gustave Arosa, finansista i kolekcjoner sztuki, został jego opiekunem. Arosa przedstawił swój okręg malarzom w Paryżu, pomógł mu znaleźć pracę jako makler giełdowy i zorganizował mu spotkanie z Mette Gad, duńską kobietą, którą poślubi w 1873 roku.
W tym czasie Gauguin był otoczony ludźmi, którzy chcieli być artystami, w tym brokerem giełdowym Emile Schuffenecker, który pozostał przyjacielem nawet po tym, jak inni byli zmęczeni wybrykami Gauguina. Uczestniczyli w pokazach sztuki, kupowali francuskie zdjęcia i japońskie grafiki, oblewali się olejkami. Choć był tylko niedzielnym malarzem, Gauguin zaakceptował krajobraz podczas ważnego salonu w Paryżu w 1876 roku. A sześć lat później, kiedy stracił pracę w krachu na giełdzie w 1882 roku, Gauguin zajął się malarstwem na pełny etat, mimo że miał żona i czwórka dzieci do utrzymania. „Nikt nie podsunął mu pomysłu na malowanie”, powiedziała Mette jednemu z biografów swojego męża znacznie później. „Malował, ponieważ nie mógł inaczej.”
Aby zaoszczędzić pieniądze, rodzina, która ostatecznie obejmowałaby pięcioro dzieci, przeprowadziła się do domu rodzinnego Mette w Kopenhadze. Gauguin opisał się jako „bardziej niż kiedykolwiek dręczony przez swoją sztukę” i przetrwał tylko pół roku ze swoimi teściami, wracając z synem Clovisem do Paryża w czerwcu 1885 roku. Clovis został oddany pod opiekę Marie; Gauguin nigdy więcej nie mieszkał ze swoją rodziną.
Poszukiwania coraz tańszych lokali doprowadziły go do Bretanii w 1886 r., Gdzie artysta wkrótce napisał do swojej żony z charakterystyczną brawurą, że był „szanowany jako najlepszy malarz” w Pont-Aven, „ale to nie przynosi więcej pieniędzy w mojej kieszeni ”. Artyści zostali pociągnięci do wioski na zachodnim krańcu Francji z powodu surowości jej krajobrazu, kostiumowych mieszkańców, którzy byli gotowi pozować, oraz celtyckich przesądów nakładających się na katolickie rytuały, które przenikały codzienne życie. „Kocham Bretanię” - napisał Gauguin. „Znajduję tu dzikość i prymityw. Kiedy moje chodaki rezonują na tej granitowej ziemi, słyszę stłumiony, potężny łomot, którego szukam w malarstwie. ”
Choć wielbiciel Claude'a Moneta, kolekcjonera Paula Cézanne'a, ucznia Camille Pissarro i przyjaciela Edgara Degasa, Gauguin od dawna starał się wyjść poza impresjonizm. Chciał, aby jego sztuka była bardziej intelektualna, duchowa i mniej zależna od szybkich wrażeń świata fizycznego.
W Pont-Aven jego praca obrała radykalnie nowy kierunek. Jego Wizja Kazania była pierwszym obrazem, w którym używał żywych kolorów i prostych form w odważnych, czarnych konturach, w stylu zwanym Cloisonnism przypominającym witraż. Efekt ten przeniósł obraz z naturalnej rzeczywistości na bardziej nieziemską przestrzeń. W Kazaniu kończyna drzewa na polu cynobru dzieli obraz po przekątnej, w stylu japońskim. Na pierwszym planie grupa bretońskich kobiet, których tradycyjne maski wyglądają jak „monstrualne hełmy” (jak napisał Gauguin do Vincenta van Gogha), zamknęła oczy w zadumie. W prawym górnym rogu znajduje się ich zbiorowe doświadczenie religijne: biblijna scena Jakuba zmagającego się ze złotym skrzydłem anioła. Odpowiedzią jednego krytyka na sugestywny, halucynacyjny obraz było namaszczenie Gauguina, mistrza symbolizmu.
Zadowolony z dużego płótna Gauguin zwerbował przyjaciół artystów, aby zabrali go na prezentację do pobliskiego kamiennego kościoła. Ale miejscowy kapłan odmówił darowizny jako „niereligijnej i nieciekawej”. Gauguin wykorzystał tę afront jako okazję do public relations, pisząc oburzone listy i zachęcając swoich współpracowników do rozpowszechniania wiadomości z powrotem w Paryżu. Jak zauważył historyk sztuki, Nancy Mowll Mathews, „ Wizja kazania Gauguina zyskała większy rozgłos, ponieważ została odrzucona niż kiedykolwiek z powodu grzecznego przyjęcia przez kapłana i równie grzecznego umieszczenia w szafie”.
W 1888 r., Jak jest teraz legendarny, Vincent van Gogh zaprosił Gauguina, którego spotkał w Paryżu, do przyłączenia się do niego w Arles, aby stworzyć „Studio Południa” artystów. Początkowo Gauguin odmówił, argumentując, że jest chory, ma dług - w trudnej sytuacji lub zbyt zaangażowana w potencjalne przedsięwzięcie biznesowe. Ale Theo van Gogh zaoferował wiecznie biednemu Gauguinowi powód przyjęcia zaproszenia brata - stypendium w zamian za miesiąc. Dwumiesięczny pobyt Gauguina w Żółtym Domu Arlesa okazał się produktywny i obfity. „Vincent i ja nie zgadzamy się wiele, a zwłaszcza nie malowanie”, napisał Gauguin na początku grudnia. W pijackim sporze wkrótce potem van Gogh podszedł do Gauguina brzytwą. Gauguin uciekł, a van Gogh skierował brzytwę na siebie, odcinając sobie część ucha. Mimo to obie korespondowały ze sobą, dopóki van Gogh nie zabił się 18 miesięcy później.
Po powrocie Gauguina do Paryża z Arles stworzył jedno ze swoich najdziwniejszych rzeźb, wazon z autoportretami w formie odciętej głowy . Być może aluzja do Jana Chrzciciela, ta kamionkowa głowa ocieka makabrycznym czerwonym szkliwem. Czy ten makabryczny obraz pochodzi z krwawych doświadczeń z van Goghem? Gilotyna skazanego mordercy Gauguina była ostatnio świadkiem? A może po prostu ukłon w stronę ówczesnej fascynacji makabrem?
Uniwersalna ekspozycja z 1889 r., Dla której zbudowano Wieżę Eiffla, stanowiła decydujący moment dla Gauguina. Z entuzjazmem brał udział w pokazie Dzikiego Zachodu Buffalo Billa, podziwiał gipsowe odlewy świątyni buddyjskiej w Borobudur i oglądał pokazywane obrazy. Artyści, którzy nie zostali uwzględnieni w sponsorowanych przez państwo ekspozycjach, próbowali wykorzystać popularność targów (28 milionów osób), organizując własne pokazy poza granicami kraju. Ale nieproszony Gauguin, wspierany głównie przez oddanego Schuffeneckera, zuchwale zorganizował pokaz grupowy w kawiarni Volpini's na targach.
Gauguina szczególnie pochłonęły ekspozycje etnograficzne Ekspozycji, przedstawiające tubylców z francuskich kolonii w Afryce i na Południowym Pacyfiku. Malował tancerzy jawajskich, zbierał zdjęcia Kambodży i w inny sposób podsycał pragnienie tropikalnego Elizjum. Chciał, jak napisał, „pozbyć się wpływów cywilizacji ... zanurzyć się w dziewiczej naturze, nie widzieć nikogo oprócz dzikusów, przeżyć ich życie”. Był także świadomy, że „nowość jest niezbędna, aby pobudzić głupców kupowanie publiczne ”.
Prawdopodobnie ekspozycja skierowała go na Tahiti. Przygotowując się do wyprawy w następnym roku, napisał do przyjaciela, że „pod bezwietrznym niebem, na cudownie żyznej glebie, Tahitańczyk musi tylko podnieść ręce, by zebrać pożywienie”. Opis ten pochodzi niemal od słowa do słowa oficjalny podręcznik wystawy.
Po przybyciu do stolicy Polinezji Francuskiej, Papeete, w czerwcu 1891 roku, Gauguin uznał, że jest to mniej egzotyczne, niż się spodziewał - lub miał nadzieję. „Ziemia tahitańska staje się całkowicie francuska” - napisał do Mette. „Nasi misjonarze już wprowadzili wiele protestanckiej hipokryzji i wymazali część poezji” wyspy. Misjonarze przekształcili również kobiecą modę, niewątpliwie ku przerażeniu Gauguina, z tradycyjnych sarongów i pareu na bawełniane sukienki z wysokimi kołnierzykami i długimi rękawami. Wkrótce przeniósł się do wioski Mataiea, gdzie miejscowi, a także tropikalny krajobraz, bardziej mu się podobały, ponieważ byli mniej znani z zachodu.
Gauguin potwierdził upadek starego porządku tahitańskiego w swoim niepokojącym obrazie Arii Matamoe (The Royal End) . Centralnym elementem jest odcięta głowa, którą Gauguin chłodno opisał jako „ładnie ułożoną na białej poduszce w pałacu mojego wynalazku i strzeżoną przez kobiety również mojego wynalazku”. Inspiracją do malowania, jeśli nie dekapitacji, mogła być pogrzeb króla Pomare V, którego Gauguin był świadkiem wkrótce po przybyciu na wyspę; Pomare nie został ścięty.
Choć gwałtowny antykleryk, artysta nie mógł całkowicie wstrząsnąć swoim katolickim dziedzictwem. Jego pełna szacunku Ostatnia Wieczerza kontrastuje blask chromowożółtej aureoli Chrystusa z trzeźwymi rzeźbami plemiennymi. W czasie Narodzenia Tahitian pielęgniarka trzyma małego Jezusa, podczas gdy zielonoskrzydły anioł stoi na straży, a wyczerpana Mary odpoczywa.
W swoich zeszytach i wyobraźni Gauguin niósł dzieła, które były dla niego najważniejsze. Wśród nich: fotografie egipskich obrazów grobowych, renesansowe arcydzieła oraz katalog aukcyjny 1878 kolekcji jego opiekuna Arosy, z pracami Camille Corot, Gustave'a Courbeta i Eugene'a Delacroix. Podobnie jak wielu współczesnych artystów - między innymi Jeff Koons, Richard Price i Cindy Sherman - Gauguin uwolnił się od nich wszystkich. „Nie ukrywał swoich pożyczek, które były szeroko zakrojone”, mówi kustosz Thomson. „To kolejny sposób, w jaki jest taki nowoczesny”.
Na ścianie bambusowej chaty w Mataei Gauguin zawiesił kopię Olympii, rewolucyjnego obrazu Édouarda Maneta przedstawiającego bezwstydnie nagą prostytutkę z kwiatem we włosach. Gauguin, zawsze sprawca psot, doprowadził swoją młodą kochankę Tehamanę do uwierzenia, że jest to portret jego żony. Tehamana była wzorem dla kilku prac na wystawie, w tym Merahi Metua no Tehamana (The Ancestors of Tehamana), Te Nave Nave Fenua (The Delightful Land) i Manao tupapau (The Spirit of the Dead Keeps Watch) .
Chociaż arcydzieło Maneta, które kiedyś skopiował Gauguin, niewątpliwie zainspirowało Manao tupapau, kochanek Gauguina leży nie na plecach jak Olympia, ale na brzuchu, z przerażeniem spoglądając przez ramię na tupapau, ducha w czarnej kapturze, blisko stopy łóżka.
„Na obecnym etapie studium jest trochę nieprzyzwoite”, przyznał Gauguin w Noa Noa, relację z jego tahitańskich podróży, które napisał po powrocie do Paryża. „A jednak chcę zrobić czysty obraz, który oddaje rodzimą mentalność, jej charakter, tradycję.” Więc Gauguin stworzył dla obrazu historię, która może, ale nie musi, być prawdziwa. Twierdził, że kiedy wrócił do chaty późną nocą, lampy zgasły. Zapalając zapałkę, tak przestraszył Tehamanę ze snu, że patrzyła na niego, jakby był obcym człowiekiem. Gauguin przedstawił uzasadnioną przyczynę swojego strachu - „tubylcy żyją w ciągłym strachu przed [tupapau]”. Pomimo starań o kontrolowanie i moderowanie narracji szwedzka Akademia Sztuk Pięknych uznała Manao tupapau nieprzyzwoicie i usunęła go z wystawy Gauguina w 1898 r.
Chociaż dwa lata Gauguina na Tahiti były owocne - namalował około 80 płócien i wyprodukował liczne rysunki i rzeźby w drewnie - przyniosły niewielkie pieniądze. Zniechęcony postanowił wrócić do Francji, lądując w Marsylii w sierpniu 1893 r., Mając tylko cztery franki na swoje imię. Ale z pomocą przyjaciół i niewielkim dziedzictwem wkrótce był w stanie zorganizować jednoosobowy pokaz swojej tahitańskiej pracy. Krytyczny odbiór był mieszany, ale krytyk Octave Mirbeau zachwycał się wyjątkową zdolnością Gauguina do uchwycenia „duszy tej ciekawej rasy, jej tajemniczej i strasznej przeszłości oraz dziwnej zmysłowości jej słońca”. I Degas, u szczytu swego sukcesu i wpływ, kupiłem kilka obrazów.
Zamienił swoje studio Montparnasse w eklektyczny salon dla poetów i artystów. Grając o uznanie, ubrał się w niebieski płaszcz z fezem astrachańskim, niósł ręcznie rzeźbioną laskę i poprawił swój uderzający wizerunek z kolejną młodą kochanką, nastoletnią Anną Jawajską i jej małpką. Towarzyszyła Gauguinowi do Pont-Aven, gdzie Gauguin planował spędzić lato 1894 roku. Ale zamiast czerpać bodźce artystyczne z Bretanii, Gauguin wkrótce znalazł się w bójce z bretońskimi żeglarzami, którzy wybierali Annę i jej małpę, którzy odeszli go ze złamaną nogą. Kiedy wracał do zdrowia, Anna wróciła do Paryża i splądrowała jego mieszkanie, kładąc wyraźny koniec ich miesięcznego związku.
Feministki mogą postrzegać akcję Anny jako zapłatę za długie wykorzystywanie kobiet przez Gauguina. W końcu porzucił żonę i dzieci, szukał nieletnich kochanków i żył życiem hedonizmu, który zakończył się niewydolnością serca zaostrzoną przez syfilis. Mimo to często wyrażał smutek z powodu nieudanego małżeństwa i szczególnie tęsknił za dziećmi. I stworzył znacznie więcej kobiecych wizerunków niż mężczyzn, dzieląc się ze swoimi symbolistami współczesnymi ideą Wiecznej Kobiecości, w której kobiety były albo uwodzicielskimi kobietami fatales, albo cnotliwymi źródłami energii duchowej. Jego przystojne, zagadkowe Tahitańskie kobiety stały się ikonami sztuki współczesnej.
Są też wyszukane rzeźby na drzwiach, które identyfikują ostatnią rezydencję Gauguina w odległych, francuskich Polinezyjskich Wyspach Markizy, około 850 mil na północny wschód od Tahiti. Udał się tam w wieku 53 lat we wrześniu 1901 r., By znaleźć „niecywilizowane otoczenie i całkowitą samotność”, które „rozbudzą moją wyobraźnię i doprowadzą mój talent do końca”. Rzeźbione litery bezszeryfowe drzwi przedstawiają Maison du Jouir ( House of Pleasure) - skutecznie, miejsce nieposzlakowanej opinii. Być może w celu wyśmiewania swojego sąsiada, katolickiego biskupa, portal zawiera stojące kobiece akty i wezwanie do „Soyez amoureuses vous serez heureuses” - „ Zakochaj się, a będziesz szczęśliwy”. Kustosz Tate Christine Riding sugeruje, że dzieło może nie być tak antyfeministyczny, jak mogą wskazywać dzisiejsze obyczaje. Gauguin może oferować kobietom wyzwalający pomysł: dlaczego nie powinny czerpać radości z uprawiania miłości tak samo jak mężczyźni?
Gauguin spędził swoje ostatnie dni walcząc z władzami kolonialnymi o rzekomą korupcję, a także o to, co uważał za nieuzasadnione przepisy dotyczące alkoholu i moralności dzieci. W rodzimych strojach i bosych nogach argumentował także - w sądzie - że nie powinien płacić podatków. „Dla mnie to prawda: jestem dzikusem” - napisał do Charlesa Morice'a, współpracownika w jego pamiętniku Noa Noa . „I cywilizowani ludzie to podejrzewają, ponieważ w moich pracach nie ma nic tak zaskakującego i zdumiewającego, jak ten aspekt„ dzikusa pomimo mnie ”. Dlatego [moja praca] jest niepowtarzalna ”.
Gdy jego stan zdrowia się pogorszył, Gauguin rozważał powrót do Europy. Jego przyjaciel Daniel de Monfreid sprzeciwił się temu, twierdząc, że artysta nie zamierza odbyć podróży, a powrót do Paryża zagroziłby jego rosnącej reputacji. „W tej chwili jesteś niezwykłym, legendarnym artystą, który wysyła z głębin Oceanii swoje niepokojące, niepowtarzalne dzieła, ostateczne dzieła wielkiego człowieka, który jakby zniknął z powierzchni ziemi”.
Chory i prawie bez grosza, Gauguin zmarł w wieku 54 lat 8 maja 1903 r. I został pochowany w Markizach. W tym roku w Paryżu odbyła się mała retrospekcja. W 1906 r. Odbyła się duża wystawa 227 prac, która wpłynęła między innymi na Pabla Picassa i Henri Matisse. Gauguin był w końcu sławny.
Ann Morrison jest byłym redaktorem Asiaweek i współredaktorką europejskiego wydania Time . Teraz mieszka w Paryżu.
Paul Gauguin, w autoportrecie z 1889 r., Upierał się, że chce „pozbyć się wpływu cywilizacji”. (National Gallery of Art, Kolekcja Chester Dale) 
Tahitańska kochanka Gauguina, Tehamana, wzorowana na wielu jego pracach na Morzu Południowym, w tym na bujnej Te Nave Nave Fenua (Ziemia rozkoszna), 1892, w której Ewa tahitańska sięga po kwiat. (Ohara Museum of Art) 
Arii Matamoe (The Royal End), 1892, może być oparty na pogrzebie króla Tahitian Pomare V. (The J. Paul Getty Museum, Los Angeles) 
Gauguin nazwał płaskorzeźbą rzeźbę pławika Be Mysterious, 1889, przykazaniem, według którego żył swoim życiem. (Musée D'Orsay / Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Ta oszklona ceramiczna głowa, 1889, jest autoportretem Gauguina. (Duńskie Muzeum Sztuki i Designu, Kopenhaga) 
„Vincent i ja nie zgadzamy się zbyt wiele”, Gauguin, 1888, napisał o współlokatorze Arlesa van Gogha. (Bridgeman Art Library International) 
Dlaczego Gauguin umieścił drewnianą kufel w portrecie swojego syna, Clovis Asleep, 1884? Odpowiedź może leżeć w potrzebie przeciwstawienia się konwencji przez artystę lub, co bardziej prawdopodobne, po prostu lubił ją namalować: cenne posiadanie pojawia się w kilku jego pracach. (Prywatna kolekcja) 
Choć gwałtowny antykleryk, Gauguin wplótł symbole swojego katolickiego wychowania w wiele swoich obrazów. W Narodzenia w 1896 r. Wyglądająca na Tahitian niania trzyma małego Jezusa, podczas gdy zielonoskrzydły anioł stoi na straży; w tle Mary śpi. (Państwowe Muzeum Ermitażu, Petersburg) 
„Jestem wielkim artystą i wiem o tym” - napisał Gauguin w autoportrecie z 1903 roku w 1892 roku. „To dlatego, że wiem, że cierpiałem z powodu takich cierpień”. (Kunstmuseum / Erich Lessing / Art Resource) 
Gauguin namalował Merahi Metua no Tehamana (The Ancestors of Tehamana) na Tahiti w 1893 r. (The Art Institute of Chicago, Gift of pan and Mrs. Charles Deering McCormick) 
Gauguin, Still Life with Fan, 1888. (Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Gauguin, Te Rerioa (The Dream), 1897. (The Samuel Courtauld Trust, Courtauld Gallery, Londyn) 
Gauguin, Bonjour Monsieur Gauguin, 1889. (Hammer Museum, Los Angeles, The Armand Hammer Collection, Gift of the Armand Hammer Foundation) 
Gauguin, Christ in the Garden of Olives, 1889. (Norton Museum of Art, West Palm Beach, Gift of Elizabeth C. Norton) 
Gauguin, dwoje dzieci, ok. 1889. (Ny Carlsberg Glyptotek, Kopenhaga) 
Gauguin, No te aha oe ririr (Why Are You Angry?), 1896. (The Art Institute of Chicago, kolekcja pan i pani Martin A. Ryerson) 
Gauguin, Te Faaturuma (The Brooding Woman), 1892. (Worcester Art Museum) 
Gauguin, Portret artysty z idolem, ok. 1893. (Kolekcja McNay Art Museum, San Antonio, Bequest of Marion Koogler McNay) 
Gauguin, The Yellow Christ, 1889. (© Albright-Knox Art Gallery / Art Resource, NY)
