Niedługo po tym, jak Japonia formalnie zdecydowała się rozpocząć handel z Zachodem w latach 50. XIX wieku, fotografia dotarła również do wyspy wyspiarskiej. Obie zapowiadały nową erę nowoczesności.
Dążenie do zrozumienia i zobrazowania duszy Japonii, która ewoluowała od imperialistycznej, agrarnej i izolacjonistycznej, do bardziej populistycznej, globalnej i miejskiej, jest tematem dwóch wystaw, które można teraz oglądać w Smithsonian's Freer i Sackler Galleries w Waszyngtonie., „Japan Modern: Photography from the Gloria Katz and Willard Huyck Collection” oraz „Japan Modern: Prints in the Age of Photography”, wiele się dzielą, mówi Frank Feltens, kustosz wystawy.
Żadne z nich nie jest w porządku chronologicznym, ale oba obrazy grupują we wspólnych tematach - z dominacją miasta i kraju. Pokaz fotograficzny jest wysoce dokumentalny; wiele z nich jest czarno-białych. Nadruki wykonane z rzeźbionych drewnianych klocków są odważne, wizualne i kolorowe. Ale, mówi Feltens, „między tymi dwoma programami zaczynasz znajdować coraz więcej podobieństw” - zainteresowanie powierzchniami, kątami, fragmentami.
Artyści „patrzą na świat na zewnątrz, ale wyobrażają go sobie raz, przez soczewkę, a potem przez drewniane klocki” - mówi Feltens.
Podobnie jak w świecie zachodnim fotografia rzuca duży cień. Odciski z bloków drewnianych istniały już od co najmniej tysiąclecia, przede wszystkim jako sposób na przekazanie czegoś o kulturze - opowiadanie historii. Pod koniec XIX wieku grafika nie żyła - ofiara łatwiejszej i tańszej fotografii.
Pierwsze znane zdjęcie wykonane w Japonii pochodzi z 1848 r., Mówi Feltens. Dagerotypy były popularne w Japonii - podobnie jak w Europie i Ameryce - ale fotografia naprawdę wystartowała w latach dwudziestych XX wieku, wraz z pojawieniem się bardziej przenośnego sprzętu, takiego jak kieszonkowy aparat fotograficzny Kodaka, mówi Carol Huh, kuratorka pokazu fotograficznego. Kieszeń kamizelki, która jest wielkości nowoczesnego aparatu, z wysuwanym obiektywem w stylu akordeonu, została wyprodukowana w latach 1912–1926 i stała się bardzo popularna w Japonii, dając początek klubom fotograficznym i fotograficznej szkole Besu-Tan styl.
Pokaz był możliwy dzięki częściowemu podarunkowi w maju 2018 r. Kolekcji około 400 zdjęć zebranych przez Glorię Katz i Willarda Huycka, japońskich miłośników i scenarzystów, najlepiej znanych z amerykańskich graffiti i Indiany Jonesa i świątyni zagłady . Kolekcja była w dużej mierze prezentowana na ścianach ich domu w Brentwood w Kalifornii. Huh wybrał do pokazu 80 odbitek z dwudziestu artystów, koncentrując się na tych, które wpłynęły na trajektorię japońskiej fotografii.
Simmon: A Private Landscape (# 1), autor: Hosoe Eikoh, 1971 (Freer | Sackler, Zakup i częściowy prezent od Glorii Katz i Willarda Huycka) 
Seikan Ferryboat, z serii Karasu (Kruki) Fukase Masahis, 1976 (Freer | Sackler, Zakup i częściowy prezent od Glorii Katz i Willarda Huycka) 
Yokosuka, Kanagawa, autor: Tomatsu Shomei, 1959 (Freer | Sackler, Zakup i częściowy prezent od Glorii Katz i Willarda Huycka) 
Koen Dori, Shibuya, z serii Karasu (Kruki), autor: Fukase Masahisa, 1982 (Freer | Sackler, Zakup i częściowy prezent od Glorii Katz i Willarda Huycka) 
Szczyty wulkanu Takachiho, prefektury Kagoshima i Miyazaki, autor: Hamaya Hiroshi, 1964 (Freer | Sackler, Zakup i częściowy prezent od Glorii Katz i Willarda Huycka) 
Kamaitachi # 8, autor: Hosoe Eikoh, 1965 (Freer | Sackler, Zakup i częściowy prezent od Glorii Katz i Willarda Huycka) 
Mężczyzna w tradycyjnym płaszczu przeciwdeszczowym Minobashi, prefektura Niigata, autor: Hamaya Hiroshi, 1956 (Freer | Sackler, Zakup i częściowy prezent od Glorii Katz i Willarda Huycka) 
Moja żona na wydmach, autor: Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, Zakup i częściowy prezent od Glorii Katz i Willarda Huycka) 
Boku To Neko (The Cat and Me), autor: Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, Zakup i częściowy prezent od Glorii Katz i Willarda Huycka) 
Evening View, autor: Moriyama Daido, 1977 (Freer | Sackler, zakup i częściowy prezent od Glorii Katz i Willarda Huycka) Pierwsza galeria - z wydrukami z lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku - pokazuje, jak japońscy fotografowie byli pod tak wielkim wpływem europejskich współczesnych ludzi, zwłaszcza nieostrożnych piktorialistów. „Osiągamy szczyt aprobaty fotografii jako środka wyrazu - medium artystycznego, a także przejścia w kierunku bardziej modernistycznej estetyki”, mówi Huh. Wczesne zdjęcia dokumentowały miasto i wieś - kanał; pszenica falująca na wietrze. Przejście to można zobaczyć w studium Ishikawa Noboru z lat 30. XX wieku, Barn Roof, który ukazuje fragment kopuły z mglistym tłem.
Popołudnie w górach, srebrny wydruk z żelatyny w 1931 roku autorstwa Shiotani Teiko, może być obrazem abstrakcyjnym. Samotny, mały narciarz wydaje się walczyć na ostrym, pochylonym szarym stoku, który przecina dolną część zdjęcia, oddzielając go od równie szarego nieba. Teiko głównie kręciło się w prefekturze Tottori na zachodnim wybrzeżu Japonii, tworząc z ogromnych wydm i gór. „Krajobraz staje się okazją do tych badań formy”, mówi Huh.
Teiko nakręcił także kapryśne odciski nienaturalnie zgiętych przedmiotów - prekursora surrealizmu, który stał się tak widoczny w pracy jego uczennicy Uedy Shoji. Shoji's My Wife on the Dunes z 1950 r. Przedstawia jego obleczoną w kimono małżonkę, odciętą na kolanach, patrzącą z prawej strony; po jej prawej stronie stoi trzech mężczyzn w garniturach biznesowych, zwróconych w różnych kierunkach, z których za każdym razem wyłaniają się ogromne cienie. Surrealistyczny obraz przedstawia Japonię współistniejącą ze starożytnym dziedzictwem i nowoczesnymi obrazami.
Wiele zdjęć analizuje tę wzajemną zależność, zwłaszcza gdy Japonia spojrzała do wewnątrz i stanęła w obliczu dewastacji II wojny światowej oraz tego, jak kraj ten odbuduje się i przerobi.
Japonia jest jedynym narodem, który kiedykolwiek doświadczył gniewu bomby atomowej. Program dotyczy Nagasaki, gdzie Amerykanie zrzucili bombę na 200 000 mieszkańców o godzinie 11:02 9 sierpnia 1945 r. Japonia zakazała fotografii w następstwie zarówno Nagasaki, jak i Hiroszimy, ale około 16 lat później - w 1961 r. - Japońska Rada Przeciwko Bombom Atomowym i Wodorowym zleciła Tomatsu Shomeiowi udokumentowanie odbudowy miasta. „W tym czasie wielu Japończyków nie widziało, co się tam dzieje” - mówi Huh. To obejmowało Shomei. Zagłębił się w materiał Nagasaki, fotografując bieżące życie, osoby, które przeżyły bombę i przedmioty w obecnym Muzeum Bomby Atomowej.
Jeden z nich, nakręcony na prostym tle: zegarek na rękę zatrzymał się o 11:02. Butelka zniekształcona przez podmuch przyjmuje niepokojąco ludzką postać. „Wygląda jak tusza” - mówi Huh. Książka Shomei 11:02 Nagasaki jest osobistym rachunkiem i kluczowym dokumentem tego przerażającego wydarzenia.
Miał również obsesję na punkcie powojennej okupacji Amerykanów w Japonii, którą oficjalnie zakończył w 1952 r., I sfotografował ją. Jednak skutki były trwałe. Wiele zdjęć pokazuje ciekawość i przerażenie fotografów wobec tych cudzoziemców, którzy włączyli się w swój naród. Program zawiera kilka odbitek z serii Yamamura Gasho z lat 1959–62 na Washington Heights, amerykańskiej dzielnicy wojskowej w Tokio. W jednym grupa złośliwie wyglądających czarno-białych dzieci naciska na ogrodzenie z ogniwa łańcucha. Gasho dosłownie „za płotem patrzy na ten dziwny przeszczep w środku Tokio”, mówi Huh.
Spektakl kończy się 2009 Diorama Map of Tokyo, modernistycznym kolażem autorstwa Nishino Sohei, 36-letniego artysty. Chodził po Tokio, robiąc zdjęcia ulic, przypominając podobny projekt z końca XIX wieku, który stworzył pierwsze zmierzone mapy Japonii. Sohei wycięła drobne odciski z styków, położyła je obok siebie, a następnie ponownie sfotografowała w celu ostatecznego wydruku. „Akt ich połączenia to pamiętanie tej podróży”, mówi Huh.
Wcześniejsze fotografowanie tego rodzaju mapowania w Tokio wykonano by na mniejszą skalę dzięki drukowaniu bloków drewnianych. Ale drukarki starały się udowodnić swoje znaczenie w obliczu rosnącej popularności fotografii. Już w latach 70. XIX wieku zaczęli zmieniać sposób działania. Dworzec kolejowy Shinbashi, jasny, wielobarwny druk wykonany w 1873 roku, był przykładem nowego stylu, pokazującym ceglane budynki i pociąg jadący bezczynnie przed stacją Yokohama.
Proporcje między figurami a budynkami były dokładne i ma fotograficzne poczucie perspektywy, mówi Feltens. Ale jaskrawe kolory były „zdecydowanie niefotograficzne” - próba konkurowania z medium, które wówczas było ograniczone do czerni i bieli.
Wysiłek jednak nie powiódł się nieszczęśliwie - a grafika się skończyła. W latach dwudziestych dwa nowe ruchy próbowały przywrócić odbitki do życia. W szkole „nowego druku” wydawca myślał, że może zwabić ludzi Zachodu - którzy robili wyidealizowane widoki fotograficzne przedstawiające Japonię, która była jednocześnie doskonale nowoczesna i starożytna - drukami z bloków drewnianych, które oferowały podobne sentymentalne portrety.
Próbuje tego Shin-Ohashi z 1926 roku . To nocna scena z migotaniem światła gazowego odbijającego się od stalowego kozła mostu kolejowego; tymczasem mężczyzna w tradycyjnym słomkowym kapeluszu ciągnie rikszę, a za nim stoi kobieta w kimonie z dużym parasolem. Naga była zarówno próba prześcignięcia fotografii (zdjęć nie można było robić w nocy), jak i zadowolenie obcokrajowców. „Tego rodzaju wydruki nie były sprzedawane Japończykom nawet dzisiaj”, mówi Feltens. Zostały również stworzone jako dzieła sztuki do zebrania - nowy kierunek dla odbitek.
W latach trzydziestych ruch „kreatywny” zaczął się rozwijać. Japońscy graficy przyswoili sobie z zachodniej sztuki pomysł, że geniusz twórcy ma być widoczny. Dlatego graficy zaczęli dodawać podpisy - często w języku angielskim - i numery edycji do swoich prac. Nie była to już produkcja armii rzeźbiarzy, którzy przekazali swoje prace drukarni.
Drukarki nadal używały bloków drewnianych, ale w coraz bardziej wyrafinowany sposób. Kolor był ważną cechą. A perspektywa była wciąż bardzo fotograficzna.
Ito Shinsui's 1938 Mt. Fuji z Obserwatorium Hakone to arcydzieło fotograficznej perspektywy i stylu. Jedyne, co mówią, to zakres bluesa, bieli i brązu.
Wiele z 38 odbitek w serialu jest oszałamiających głębią ich kunsztu - kwestia, którą Feltens miał nadzieję zrobić. „Chcieliśmy pokazać szerokość kolorów i odcieni, a także eksplozję kreatywności”, zwłaszcza od lat 30. XX wieku, mówi. „Ci ludzie pod względem kreatywności nie znali granic”, mówi Feltens.
Podobnie jak w przypadku pokazu fotograficznego, odbitki pokazują, że artyści mieli „analityczne spojrzenie na Japonię”, mówi Feltens. Ale w przeciwieństwie do fotografów, twórcy nie angażowali się w bezpośrednie lub pośrednie komentarze polityczne ani obserwacje dotyczące II wojny światowej.
Feltens twierdzi jednak, że istnieje związek z tą wojną. Wielu kolekcjonerów grafików - w tym Ken Hitch, który pożyczył Freerowi | Sacklerowi dużą liczbę grafik w serialu - mieszkało w Japonii podczas amerykańskiej okupacji.
Feltens twierdzi, że zarówno graficy, jak i fotografowie walczą o to, by zostać uznanym za sztukę piękną w Japonii. Jak na ironię, odbitki, które prawie zostały zgaszone przez fotografię, jako pierwsze zostały uznane za prawdziwą formę sztuki, mówi.
„Japan Modern: Photography from the Gloria Katz and Willard Huyck Collection”, kurator: Carol Huh, oraz „Japan Modern: Prints in the Age of Photography”, kurator: Frank Feltens, można oglądać w Galeriach Freerona i Sacklera Smithsonian w Waszyngton, DC do 24 stycznia 2019 r.
