„The Jazz Age” przywodzi na myśl klapy, Gatsby, epickie imprezy i, oczywiście, jazz. Ale jeśli wysoka energia zdefiniowała epokę, to i jej napięcie - scena dzikiego życia nocnego spotkała się z Prohibicją; szybki wzrost amerykańskich innowacji był sprzeczny z tęsknotą za europejską tradycją; wielki dobrobyt ustąpił miejsca Wielkiemu Kryzysowi. Tarcie wszystkich tych sprzeczności ukształtowało następny wiek - w popularnym designie być może bardziej niż w jakimkolwiek innym obszarze amerykańskiego życia.
powiązana zawartość
- Posłuchaj pierwszych nagrań z lat 20. XX wieku autorstwa jednego z królów jazzu
- Romans i obietnica XX-wiecznego radia ujęta jest w tym fresku
Te kontrastujące ze sobą wpływy i ważna rola, jaką odegrali w latach dwudziestych, są tematem ekspansywnego nowego programu „The Jazz Age: American Style in the 1920s”, pierwszej dużej wystawy muzealnej poświęconej amerykańskiemu stylowi w tej epoce twórczo palnej.
Pokaz, który potrwa do 20 sierpnia w Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum w Nowym Jorku i jest współorganizowany z Cleveland Museum of Art, podkreśla tę znaczącą epokę, gdy amerykański smak i styl życia uległy transformacji. Odzwierciedleniem wyposażenia, biżuterii i projektu tego okresu była epoka, w której granice były testowane, a w niektórych przypadkach przekraczane.
„Jest źródłem wielu rzeczy, które dzieją się w latach 30. i później” - mówi Sarah Coffin, kustosz Cooper Hewitt i szef projektowania produktów i sztuk dekoracyjnych.
Ponad 400 dzieł biżuterii, mody, architektury, mebli, tekstyliów i nie tylko przedstawia obraz niezwykle energicznej ery designu, odważnej żywymi kolorami i innowacjami. Aby poruszać się na tak ogromnym temacie, pokaz jest zorganizowany na dwóch piętrach w szerokie tematy, które pomagają zilustrować główne trendy w projektowaniu i napięcia kształtujące epokę.
„Najpierw zbieracie wszechświat przedmiotów, który jest o wiele więcej niż można pokazać”, mówi Stephen Harrison, kustosz sztuki dekoracyjnej i designu z Muzeum Sztuki w Cleveland, opisując proces zdobywania wiedzy, przed którym stanęli organizatorzy wystawy. „W takim razie zaczynasz zadawać sobie pytanie: jakie pytania zadają? Jakie sąsiedztwa? Jakie relacje się rozwijają? Kiedy zaczęliśmy udoskonalać nasze pomysły, udoskonaliliśmy nasze obiekty. ”
Pierwszym tematem, jaki napotykają odwiedzający, jest być może ten, którego mogą najmniej się spodziewać: „Trwałość tradycyjnego dobrego smaku”.
W epoce jazzu nie chodziło tylko o nowe i inne: był to czas, gdy Amerykanie przyjęli francuskie i angielskie projekty z XVII i XVIII wieku, szukając ręcznie wykonanych antyków, aby podnieść swój status społeczny.
„W tym kraju było wielu ludzi, którzy przez dekadę nadal kolekcjonowali antyki, kupowali reprodukcje i robili rzeczy o tradycyjnym smaku” - mówi Coffin.
Nawet gdy świat szybko się zmieniał, oryginalne dzieła w amerykańskich wzorach kolonialnych, a także te z XVII i XVIII-wiecznej Francji i Anglii nadal miały status społeczny. Przykładem dzieł z epoki jest mistrzowska tradycyjna kowalstwo przeciwpożarowego ekranu Samuela Yellina, koc z elementami perskiego rękopisu namalowanego przez Maxa Kuehne'a oraz sekretarka wykonana do reprodukcji domu Johna Hancocka na podstawie modelu z Metropolitan Museum of Art. zebrane przez muzea, kolekcjonerów i zamożne gospodarstwa domowe.
Ale nowe style europejskie miały również wpływ na style amerykańskie. Wydarzenia takie jak Międzynarodowa Wystawa Nowoczesnej Sztuki Dekoracyjnej i Przemysłowej z 1925 r., Która odbyła się w Paryżu, pomogła odkryć i edukować Amerykanów na temat nowych projektów debiutujących na Atlantyku. Muzea w całych Stanach Zjednoczonych (Cooper Hewitt i Cleveland Museum, a także Chicago Art Institute , Newark Museum, Metropolitan Museum of Art, Brooklyn Museum) wystawiały prace, zdobywając wiele dzieł i udostępniając je do kupienia w studni na obcasach.
The Jazz Age: American Style in the 1920s
Ta bogato ilustrowana publikacja, wychwytująca dynamiczny puls muzyki jazzowej epoki, bada amerykański smak i styl w złotym wieku lat dwudziestych. Po niszczycielskich latach pierwszej wojny światowej, ta kwitnąca dekada odrodziła innowacje estetyczne, które w dużej mierze były kultywowane przez amerykański talent i patronat.
Kupować„Wszystkie te muzea albo gromadziły fundusze na zakup nowoczesnej europejskiej sztuki dekoracyjnej w tym okresie, albo były gospodarzem pokazów nowoczesnego europejskiego designu, które następnie mogły zostać sprzedane”, mówi Emily Orr, asystentka kuratora Cooper Hewitt w dziedzinie nowoczesnego i współczesnego amerykańskiego designu.
Dla osób o mniejszych dochodach do dyspozycji repliki szybko stały się powszechne i łatwo dostępne - temat poruszony w części wystawy „Mały świat”. Jednym z wielkich pojazdów do mieszania wpływów był dom towarowy. Miejsca takie jak Lord & Taylor i Macy's otworzyły własne warsztaty, w których rzemieślnicy tworzyli przedmioty w stylu europejskim i uczyniły je dostępnymi dla przeciętnego konsumenta.
„Ludziom bardzo trudno się dzisiaj rozejrzeć, ale prezes Metropolitan Museum napisał wprowadzenie do katalogu wystawy, która odbyła się w Macy's”, mówi Coffin. „Muzeum dostrzegło, że jego zadaniem jest przekazywanie wartości dobrego wzornictwa i tak dalej amerykańskiej opinii publicznej oraz uświadomienie amerykańskiemu konsumentowi, że będą go wspierać - nie może to być tylko muzeum”.
Stworzyło to osobliwą grę między tym, co ekskluzywne, a głównym nurtem, a także prywatnym i publicznym. Coffin wskazuje na uderzającą parę podwójnych drzwi autorstwa rzeźbiarza Séraphina Soundbinine'a i projektanta Jean Dunand, którzy zakotwiczają wystawę.
Solomon Guggenheim zamówił drzwi - w każdym z nich znajdował się anioł na szczycie wieżowca dmuchającego w róg. Po wizycie na targach paryskich w 1925 r. I zobaczeniu lakieru Dunanda, Guggenheim przekonał się, że sala muzyczna w jego domu w Port Washington potrzebuje takiego utworu.
„Nie można w żaden sposób wyobrazić sobie, że ludzie, którzy mieli w tym domu meble w stylu barokowym, mogliby mieć taki gust” - mówi Coffin. „Ale najwyraźniej zdecydowali, że chcą to zrobić”.
Po ukończeniu drzwi Guggenheimowie wystawili je publicznie w galerii, a nawet przywieźli do domu. Była to wczesna próba zakupu i kuracji dzieł sztuki, która wkrótce miała wzrosnąć (ich pierwsze nabycie sztuki nowoczesnej miało miejsce rok później).
Oczywiście nie możemy myśleć o latach dwudziestych XX wieku bez uwzględnienia hałaśliwej i przekraczającej granice kultury. Sekcja „Naginanie zasad - wychodzenie z domu” przedstawia to poczucie możliwości i zmieniających się norm oraz pokazuje, w jaki sposób muzyka jazzowa i otaczający ją świat społeczny kształtowały design. Wazony z tancerzami jazzowymi i materiał tekstylny o nazwie Rhapsody, a także klipy filmowe Duke'a Ellingtona i innych wykonawców Cotton Club rozbrzmiewają energią epoki. Biżuteria, która uzupełnia nowe trendy - długie naszyjniki, które nosiliby klapowicze, rzeźbiony rubinowy naszyjnik Van Cleef & Arpels, klamra do paska z 1926 r. Z motywem skarabeusza (grobowiec króla Tuta został wykopany w 1922 r., Więc egipski wygląd zachował się w modzie jubilerskiej ) oraz para dzieł Cartiera należących do Lindy Porter, żony kompozytora Cole'a, a także inne akcesoria do makijażu i palenia papierosów, wszystko to odzwierciedla swobodne wyzwolenie i zmieniające się obyczaje społeczne w erze.
Ten beztroski styl życia był również czymś w rodzaju europejskiego importu. Obraz artysty z Nowego Orleanu, Archibalda Motleya, „podsumowuje”, jak to ujął Coffin - artysta spędził rok w Paryżu na stypendium w Guggenheim, a scena ta oddaje energię epoki - klub mieszanej rasy, ludzie tańczący, muzyka bawi się, kobieta pali papierosa i swobodnie płynie wino.
Wpływ europejski wynikał nie tylko z większej łatwości i zainteresowania podróżami, ponieważ więcej Amerykanów odwiedzało i studiowało za granicą, ale także z kaskadowych skutków pierwszej wojny światowej. Wielu projektantów uciekło do USA przed wojną i w jej trakcie, przynosząc własne wpływy i zainteresowania - emigranci, tacy jak Paul T. Frankl, Joseph Urban, Walter von Nessen i Richard Neutra, przynieśli ze sobą doświadczenie w dziedzinie abstrakcji europejskiej oraz podziw dla Amerykańskie drapacze chmur i kosmopolityczna energia. Być może najlepiej to ilustruje program Frankl's Skyscraper Bookcase Desk . Wpływ objął także materiały, których używali Europejczycy.
„Europejczycy jako pierwsi zginali chrom do swoich mebli i był to natychmiastowy znak nowego, ale wiąże się to również z przystępnością cenową i pragnieniem czystości w porównaniu z bardzo szczegółowymi, ozdobnymi wiktoriańskimi formami”, mówi Orr. „Został również wykorzystany w samochodach i radiach i symbolizował przyszłość.”
Krzesło wspornikowe jest ważną ikoną tej epoki. Adaptacja formy w różnych materiałach pokazuje, jak industrializacja ukształtowała epokę. Pierwotnie został zaprojektowany jako płaski i produkowany masowo, ale został przerobiony na drewno i skórę i zaadaptowany przez studia Walta Disneya do sal projekcyjnych.
„Projektant przemysłowy jest postacią w tym okresie przedstawioną przez tak wielu producentów w mediach, którzy chcą zaktualizować swoje tradycyjne linie dla współczesnego konsumenta”, mówi Orr.
Jak to ujął Harrison: „Chcieliśmy zdefiniować smak, patrząc na te rzeczy o nowoczesnym wyglądzie w porównaniu z tymi, które były nowoczesne pod względem formy, innowacji i technologii”.
„The Jazz Age: American Style in the 1920s” można oglądać do 20 sierpnia w Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum w Nowym Jorku.
