Gdybyś w tym roku podróżował po jakimś większym mieście w Holandii, prawdopodobnie spotkałbyś przeszywające spojrzenie dość zaskakującej twarzy. Dziwowłosa, o szerokich oczach postać, która przywitała cię ze znaków drogowych, witryn sklepowych, okładek czasopism i pudełek z czekoladą, to Rembrandt van Rijn (1606-69), mistrz malarz holenderskiego złotego wieku. Niezrównana sztuka Rembrandta zawsze była głównym punktem sprzedaży holenderskiej turystyki, ale jego autoportret był wszędzie w 2006 roku, ponieważ Holendrzy świętowali 400. urodziny najsłynniejszego artysty w swoim kraju. Rembrandt 400, całoroczne wydarzenie ogólnopolskie pod patronatem królowej Beatrix, zainaugurowało ogólnoświatową uroczystość z udziałem muzeów i instytucji kulturalnych od Krakowa po Melbourne. Wśród amerykańskich instytucji bierze udział National Gallery of Art w Waszyngtonie, gdzie „Strokes of Genius: Rembrandt's Prints and Draws” będzie można oglądać do 18 marca 2007 roku.
Cała ta uwaga odzwierciedla naszą niezmienną fascynację artystą, którego prace pozostają równie poruszające i znaczące dzisiaj, jak cztery wieki temu. Rembrandt jest ceniony zarówno za ekspresyjną technikę, jak i za umiejętność uchwycenia emocjonalnego serca każdej postaci lub historii. Jego tematyka rozciąga się od biblijnej przeszłości po ludzi i miejsca wokół niego, ale głównym motywem jego sztuki - i głównym powodem, dla którego jego praca wciąż przemawia do nas wieki po jego śmierci - jest postać ludzka, wyrażona z wrażliwością zarówno na wymowne niedoskonałości wyglądu powierzchni i zawirowania ducha wewnątrz.
Nie ma wątpliwości, że Rembrandt zgodziłby się z obecnym wykorzystaniem własnej charakterystycznej twarzy jako narzędzia marketingowego. Malował, rycił i rysował około 70 autoportretów, więcej niż jakikolwiek inny znany artysta swoich czasów. Uczyniwszy twarz centralnym punktem swojej sztuki, zaangażował się w wyjątkowo osobisty sposób samodzielnego marketingu. Ubrany w kostium lub w prowokujących pozach grał role od żebraka i syna marnotrawnego po dworzanina i wschodniego potentata. W małych odciskach z jego wczesnych lat wtargnął do lustra i naszkicował wyniki, aby nauczyć się sztuki przedstawiania emocji. W późniejszych latach życia, w uważnie obserwowanych obrazach, takich jak jego autoportret z 1659 r., Niezachwianie rejestrował ślady czasu i doświadczenia. Prace te trafiły do kolekcji w całej Europie, dzięki czemu Rembrandt stał się najbardziej znanym holenderskim artystą XVII wieku.
Rembrandt van Rijn urodził się 15 lipca 1606 r. W Leiden, dziewiąte dziecko młynarza Harmena Gerritszoon van Rijna i jego żony Neeltgen van Zuytbrouck. Rodzina prowadziła młyn zbożowy nad Renem, który graniczył z miastem. Byli zamożnymi ludźmi z klasy robotniczej, a ich dzieci należałyby do pracy w młynie, tak jak zrobiło to kilku rodzeństwo Rembrandta lub podjęli działalność handlową. Rembrandt musiał okazać szczególną obietnicę, ponieważ jego rodzice zapisali go do szkoły łacińskiej, gdzie zapoznał się z klasycznymi językami i literaturą. Taka edukacja powinna doprowadzić do służby lub służby publicznej, ale według XVII-wiecznego historyka Leiden, Jana Orlersa, Rembrandt bardziej interesował się doodlowaniem niż studiowaniem, a jego rodzice, być może ulegając nieuniknionemu, pozwolili mu trenować z miejscowym malarzem a następnie wysłał go na sześć miesięcy do studia z artystą w Amsterdamie.
Pół godziny jazdy pociągiem z Amsterdamu (lub kilka godzin pieszo, koniem lub łodzią w czasach Rembrandta), dziś Leiden jest zdominowany przez uniwersytet, który został założony w 1575 roku. W XVII wieku miasto zawdzięczało znaczną część swojego dobrobytu handel tekstyliami. Muzeum miejskie De Lakenhal mieści się w budynku, który kiedyś był gildią, gdzie odbywały się spotkania gubernatorów i rzeczoznawców przemysłu odzieżowego. W 2006 r. Odbyło się tam kilka dużych wystaw, w tym przegląd krajobrazów Rembrandta. Podczas gdy niektóre obrazy na tej wystawie przedstawiają okolicę w pobliżu jego domu, inne są czystą fantazją. Na przykład w młynie imponujący wiatrak wznosi się na nierównym klifie, wyraźnie odmiennym od płaskiego terenu Holandii. Kolejna wystawa, „Matka, mit lub rzeczywistość Rembrandta”, koncentrowała się na dwóch starszych osobach, które pojawiają się wielokrotnie w najwcześniejszych dziełach Rembrandta. Dziewiętnastowieczni uczeni chętni do romantyzowania życia artysty szybko zidentyfikowali ich jako matkę i ojca Rembrandta, a studia młodszych postaci miały reprezentować jego braci i siostry. Chociaż współcześni uczeni są bardziej sceptyczni (nie ma dokumentów weryfikujących te dane identyfikacyjne), sensowne jest, aby członkowie rodziny byli jak najbardziej dostępnymi - i niedrogimi - modelami dla początkującego artysty.
Charakterystyczny styl wczesnej szkoły Rembrandta, oparty na dokładnych obserwacjach z życia w połączeniu z egzotycznymi kostiumami historycznymi, można prześledzić w dziełach takich jak Tobit i Anna (1626) Rembrandta, przeciwnych, dla których jego matka i ojciec mogli modelować. Na tak małych, drobiazgowych obrazach widzimy, jak młody artysta starannie ćwiczy oko, rozwijając jednocześnie fascynację starością, która powraca na całe życie.
Zanim osiągnął wiek 20 lat, Rembrandt zyskiwał już międzynarodową uwagę. Podczas gdy większość jego współczesnych holenderskich sprzedawała swoje prace lokalnie, jego obrazy i grafiki były gromadzone nie tylko w Holandii, ale także we Włoszech, Francji i innych krajach. Około 1630 r. Król Anglii Karol I otrzymał w prezencie trzy obrazy Rembrandta, w tym autoportret i obraz, który uważa się za matkę artysty. W poszukiwaniu szerszych możliwości niż jego rodzinne miasto Rembrandt przeprowadził się na początku lat 30. XVI wieku do Amsterdamu, miasta liczącego około 125 000 mieszkańców, a następnie, jak obecnie, kulturalnego i handlowego centrum Holandii.
Holandia Rembrandta była wyjątkowa w Europie: republika kierowana przez obywateli, a nie monarchia, z kwitnącą gospodarką handlową, w której ciężka praca i przedsiębiorczość liczyły się nie tylko za szlachetny tytuł. Było to miejsce, w którym tolerowano różnorodność religijną i gdzie miejski styl życia klasy średniej dominował w życiu kulturalnym. Amsterdam był centrum tętniącego życiem rynku sztuki, a gdy tylko przybył tam Rembrandt, partnerstwo biznesowe z Hendrickiem van Uylenburgh, wybitnym sprzedawcą dzieł sztuki, przyniosło mu kilka pierwszych prac portretowych - stopę w drzwiach do patronatu Amsterdamu najbogatsi obywatele.
Z pomocą van Uylenburgha Rembrandt szybko stał się najbardziej poszukiwanym portrecistą w Amsterdamie. Jego genialny Portret Agaty Bas, namalowany w 1641 roku, pokazuje dlaczego. 30-letnia Agatha, córka zamożnego mieszczanina i żona jednego z inwestorów van Uylenburgha, patrzy na nas ze skromnym, lecz pewnym siebie spojrzeniem. Lewa ręka spoczywa na polerowanym drewnie, a elegancki wachlarz w prawej dłoni spada przed nią. Czy to jest rama okienna, czy rama samego obrazu? Ta iluzja, wraz z bezpośrednią pozą, naturalnej skali i subtelną grą światła za postacią, stwarza wrażenie, że stoimy twarzą w twarz z inną żywą duszą. Przyjrzyj się jednak bliżej, a realistyczne szczegóły jej kędzierzawych włosów, haftowanego stanika, lśniących klejnotów i obszytego koronką kołnierza rozpuszczają się w kreski i pociągnięcia farbą, z półprzezroczystymi szkliwami koloru ułożonymi na grubym impasto. Ta magiczna kombinacja odróżnia Rembrandta od płynniejszej, bardziej dopracowanej techniki preferowanej przez wielu jego współczesnych.
W 1634 roku, kiedy miał 28 lat, Rembrandt poślubił 21-letniego kuzyna van Uylenburgha, Saskię. Ona również była częstym wzorem dla artysty, który obsadził ją w malowniczych rolach, takich jak Flora, bogini wiosny. W intymnym srebrnym rysunku Saskii, który Rembrandt wykonał zaledwie kilka dni po ich zaręczynach, nosi kapelusz przeciwsłoneczny obszyty kwiatami i uśmiecha się nieśmiało. W ciągu ośmiu lat małżeństwa para miała czworo dzieci, ale tylko jedno, Tytus, przeżyło niemowlęctwo. W 1642 r., Niespełna rok po urodzeniu Tytusa, Saskia zmarła w wieku 29 lat z powodu choroby lub powikłań porodowych. Postanowi, że Rembrandt skorzysta z jej majątku, pod warunkiem, że nie ożeni się ponownie. Miał romans z Geertje Dircx, pielęgniarką przyprowadzoną do opieki nad małym chłopcem, a następnie kilka lat później odrzucił ją za młodszą kobietę, Hendrickje Stoffels, która dołączyła do domu jako pokojówka. Dircx pozwał go o złamanie obietnicy, wywołując długą i gorzką bitwę prawną.
W 1654 r. Stoffels został wezwany przed starszyznę swojego kościoła i oskarżony o „życie w dziwce z malarzem Rembrandtem”, ale pozostała z nim pomimo skandalu. Ich córka, Cornelia, urodziła się jeszcze tego samego roku. Zarówno Stoffels, jak i Tytus pomagali w interesach Rembrandta (Tytus dorastał jako drobny artysta i agent jego ojca), a chłopiec był prawdopodobnie wzorem dla wielu sugestywnych studiów postaci artysty, w tym Tytusa przy swoim biurku, namalowanego w 1655 roku. Kilkoma szybkimi pociągnięciami Rembrandt uchwycił faktury materiału, włosów, drewna i papieru, a także zadumę ucznia, który wolałby być gdziekolwiek poza swoim biurkiem. Stoffels pozował także: jej wrażliwy portret w wieku około 34 lat znajduje się w nowojorskim Metropolitan Museum of Art.
Przez prawie 20 lat Rembrandt wypełniał swój przestronny dom na Sint Anthonisbreestraat w Amsterdamie zgiełkiem studentów w pracy, klientów przychodzących na telefon oraz obrazów i grafik na sprzedaż. Zgromadził także kolekcję przedmiotów, które obejmowały nie tylko dzieła sztuki, ale także amazońskie pióra papugi, weneckie szkło, skórki lwa afrykańskiego i inne egzotyczne skarby, z których niektóre stanowiły motywy dla jego obrazów. Nigdy nie był dobrym menadżerem pieniędzy, nie spełnił spłat kredytu hipotecznego i stracił dom po tym, jak zbankrutował w 1656 roku. Inwentaryzacja jego kolekcji dzieł sztuki zarejestrowana w tym czasie pokazuje, że interesował się pracą poprzedników takich jak Dürer i Tycjan, a także takich współczesnych Flamandzkich jak Rubens i Van Dyck. Dom Rembrandta (prywatny dom do 1906 r., Kiedy został zakupiony przez miasto Amsterdam) został otwarty jako muzeum w 1911 r.
W 1642 roku Rembrandt ukończył swój najsłynniejszy obraz, ogromny portret grupowy znany jako Nocna Straż, przedstawiający kompanię gwardzistów obywatelskich maszerujących w obronie swojego miasta. (Obraz był główną atrakcją amsterdamskiego Rijksmuseum od czasu jego instalacji w 1885 r.) Amsterdam w 1642 r. Był w rzeczywistości spokojnym i dobrze prosperującym miastem, a straż obywatelska służyła bardziej jako klub towarzyski dla ambitnych obywateli niż prawdziwa siła militarna . Wyobrażona scena Rembrandta jest symbolicznym odzwierciedleniem ich dumnej gotowości do służby. To, co czyni ten obraz rewolucyjnym, polega na tym, że Rembrandt wziął nudny rząd postaci i zmienił go w żywą scenę akcji. Jeden ze współczesnych powiedział, że dzięki temu inne portrety grupowe wyglądają tak płasko jak karty do gry. Przez stulecia The Night Watch był przycinany, aby zmieścił się w ciasnym miejscu, zwinięty i schowany w bunkrze, aby chronić go przed nazistami, pocięty nożem do chleba (w 1975 r.), Spryskany kwasem przez szalonego zwiedzającego muzeum (w 1990) i interpretowane na kuflach piwa, T-shirtach i dziełach współczesnych artystów. Ale dzięki śmiałemu wynalazkowi Rembrandta i portretowi patriotycznego ducha patriotycznego, na którym naród został założony, nigdy nie utracił on statusu holenderskiej ikony narodowej.
Dla niektórych wielbicieli sztuki holenderskiej Rembrandt rywalizuje z van Goghem o tytuł ulubionego syna. Ale w tym roku nawet amsterdamskie Muzeum Van Gogha było gospodarzem hitu Rembrandta - „Rembrandt-Caravaggio”. Włoski mistrz Caravaggio, który zmarł w 1610 r., Gdy Rembrandt był jeszcze dzieckiem, jest najbardziej znany ze swojego traktowania biblijnych przedmiotów z surową prawdą wobec natury, wzmocnionych przez dramatyczne światło. Jego rewolucyjne podejście wywołało międzynarodowy ruch, który dotarł do Rembrandta (który nigdy nie opuścił Holandii) przez holenderskich artystów, którzy podróżowali do Rzymu. Program z 2006 roku porównał sposoby traktowania dwóch mistrzów przez kilka powiązanych tematów, ale nie musimy daleko szukać, aby znaleźć dowody na zainteresowanie Rembrandta pomysłami Caravaggia, w szczególności jego pojęciem biblijnych opowieści jako emocjonalnych dramatów rozgrywanych przez ludzi, którzy wciąż nas uderzają jako głęboko ludzki.
Poruszającym przykładem z późniejszych lat Rembrandta jest jego Jakub Błogosławieństwo Synów Józefa z 1656 r. (Powyżej po prawej). Widzimy tutaj patriarchę Jakuba, chorego i prawie ślepego, gdy wyciąga rękę, by pobłogosławić swoich dwóch wnuków. Jakub wyciąga prawą rękę do młodszego brata Efraima, a nie do starszego Menasseha. Rembrandt podąża za tekstem z Księgi Rodzaju, przedstawiając ojca chłopców, Józefa, delikatnie próbując przesunąć rękę patriarchy. Ale stary jest nieugięty, jego działanie prorocze: wie, że młodszy syn jest przeznaczony do wielkości. Cicho obserwuje matkę chłopców, Asenatha. Jej obecność nie jest wspomniana w odpowiednim fragmencie, ale jak sama Rembrandt wyraźnie wspomniała w Genesis. Uwzględniając ją na zdjęciu, artystka podkreśla, że jest to w istocie kryzys rodzinny. (Mógł bowiem namalować to dzieło dla holenderskiej rodziny, z której każdy reprezentuje postać biblijną.) Pomimo fatalnych konsekwencji tej chwili, wyczuwamy przede wszystkim głęboką miłość i wiarę podzielane przez trzy pokolenia, zamknięte w intymny krąg światła. Podczas gdy silna gra cieni jest coś zawdzięczana Caravaggio, gruba, niemal rzeźbiarska powierzchnia farby, nakładana szerokimi i szybkimi pociągnięciami, ale wciąż cudownie opisowymi, jest tylko Rembrandtem - jego najbardziej oryginalnym wkładem w historię techniki.
Dla wielu współczesnych widzów jest to Rembrandt w najlepszym wydaniu, ale w jego czasach jego szorstkie farby, dramatyczne oświetlenie i zadumane, przyziemne postacie coraz bardziej odróżniają go od panujących trendów. Pod koniec jego życia zamiłowanie do idealnego piękna ogarnęło Europę, a holenderscy koneserzy domagali się eleganckich postaci i ustawień, czystego światła i wyrafinowanej techniki. Za odmowę dostosowania się do tej mody, w 1681 roku Rembrandt został nazwany przez dramaturga Andriesa Pelsa „pierwszym heretykiem w historii sztuki”. Dla Pelsa i innych zwolenników klasycyzmu ekspresyjna obróbka farby przez Rembrandta wydawała się niechlujna i niedokończona. Jednak, według osiemnastowiecznego biografa Arnolda Houbrakena, Rembrandt utrzymywał, że „dzieło jest ukończone, gdy mistrz osiągnie w nim swój zamiar”. Kolejnym celem krytyków było jego traktowanie nagości. Podczas gdy klasycy twierdzili, że artyści powinni dążyć do chłodnej perfekcji greckiej rzeźby, Rembrandt wytrwale zapisał zmarszczki i ślady pończoch, podwiązane kolana i kręcone włosy. W tym celu został oskarżony o nieprzestrzeganie zasad proporcji i anatomii.
Rembrandt był nie tylko nonkonformistą w kontaktach z klientami. Większość artystów przywitała ich w swoich studiach, ale Rembrandt był szorstki. Gdyby przyszły nabywca próbował przyjrzeć się obrazowi zbyt dokładnie, pisze Houbraken, Rembrandt odstraszyłby go, ostrzegając, że „zapach farby olejnej sprawi, że będziesz chory”. W dokumencie notarialnym z 1654 r. Portugalski kupiec o imieniu Diego d'Andrada skarżył się Rembrandtowi, że portret zamówionej przez niego dziewczyny nie przypomina jej. Chciał, aby artysta go zmienił lub zwrócił depozyt. Rembrandt powiedział notariuszowi, że nie dotknie obrazu, dopóki D'Andrada nie zapłaci należnego salda. Następnie powiedział, że przekaże go dyrektorom gildii malarzy do oceny i wprowadzi zmiany tylko, jeśli uzgodnią to z klientem. Gdyby D'Andrada nadal nie był zadowolony, Rembrandt zatrzymałby obraz i sprzedał go na aukcji. Nie było wzmianki o zwrocie depozytu. Sposób, w jaki sprawa została rozwiązana, nie jest znany, ale postawa Rembrandta była równie ryzykowna, jak i odważna. Z pewnością kosztowało go to trochę biznesu, ale na dłuższą metę jego trwały wpływ zawdzięcza w dużej mierze niezależności twórczej, charakterystycznej dla „nowoczesnego” artysty.
Zanim zmarł w wieku 63 lat w 1669 r., Rembrandt sprzedawał obrazy i grafiki wybitnym kolekcjonerom w całej Europie, szkolił dziesiątki studentów, zarabiał i tracił fortunę oraz stworzył jedne z najbardziej pamiętnych dzieł XVII wieku. Podczas gdy jego śmiałe, niekonwencjonalne podejście do życia i sztuki zostało podziwiane przez niektórych widzów bardziej niż inni, podstawowa autentyczność jego reakcji na ludzką kondycję pozostaje niekwestionowana. W „Oczach Rembrandta”, elokwentnym studium artysty i jego środowiska, historyk kultury Simon Schama zauważa, że dla Rembrandta „niedoskonałości są normą ludzkości. Dlatego przez wieki zawsze będzie mówił do tych, dla których sztuka może być czymś inne niż poszukiwanie idealnych form ”.
Stephanie Dickey uczy historii sztuki na Queen's University w Kingston w Ontario i jest autorką trzech książek o Rembrandcie.
