„Mam buty do tańca” - powiedział artysta z San Francisco Jeremy Sutton na kilka minut przed wstaniem do pionu, aby narysować trzygodzinny cyfrowy obraz na żywo muzyków, kabin i mieszających się gości na dziedzińcu Kogod Courtyard Smithsonian American Art Museum.
Zgadzając się z czarno-białymi skrzydłami Sutton, trębacz Carey Rayburn, który prowadzi zespół swingowy Good Co. z siedzibą w Seattle, zgodził się. „Tak” - powiedział. „Są spanky”.
Wydarzenie z 27 czerwca, poświęcone innowacjom w sztuce, było ostatnim z trzyczęściowego cyklu „America Now” organizowanego przez National Portrait Gallery, National Museum of American History i American Art Museum. Jak malował Sutton, jego obraz imprezy w czasie rzeczywistym pojawił się na dużym ekranie.
Sutton i dziewczyna Peggy Gyulai (sama artystka) byli jednymi z kilkudziesięciu, którzy tańczyli podczas występów Good Co. i DJ Eliazar (Eli Hason). W skrzydłach odbijało się także białe „wirowanie” ogromnego balonu, który architekt Nathalie Pozzi zaprojektowała na dziedziniec w ramach gry „Starry Heavens” Erica Zimmermana. W grze, której nazwa pochodzi od cytatu na nagrobku Immanuela Kanta, milczący gracze próbują obalić władcę.
Na tym koncercie wystąpił Good Co. zespół Seattle z muzyką elektryczną. (Renaud Kasma) Malarstwo Suttona w pewien sposób połączyło wszystkie części wydarzenia: muzyków, graczy „Starry Heaven” i stacje, na których odwiedzający mogli grać w wirtualną rzeczywistość, gry Oculus Rift i zanurzyć się w innych cyfrowych światach. W końcu wszystko było uczciwą grą dla jego pędzla, a ściślej jego Wacom Intuos Creative Stylus 2 i jego Ołówka autorstwa FiftyThree. Ale wszyscy na parkingu mieli też coś wspólnego - wszyscy wspinali się na granicę między sztuką a technologią.
Weź stojak Sutton na iPada. Paleta, którą kupił w amatorskim Muzeum Van Gogha w Amsterdamie (na podstawie wielkości i kształtu palety Vincenta), zawiera farby z czasów, gdy Sutton używał staroświeckich pędzli i farb do malowania na cyfrowym obrazie drukowanym na płótnie. Sutton tak ustawił paletę, że ma dwa miejsca na podłączenie kabla HDMI do iPada.
Programista i projektant gry Greg Aring przyniósł swoje „doświadczenia” Oculus Rift lub gry „Hellicott City” - nawiedzoną przejażdżkę wagonami, której nazwa prawdopodobnie pochodzi od rodzinnego miasta Aring, Ellicott City, MD, i który spędził około 120 godzin na pokaz sztuki Halloween - i „Siatkówka”, które, jak powiedział, to połączenie siatkówki, baseballu, karate i ponga.
„Gry przeszły długą drogę jako forma sztuki w oczach opinii publicznej” - powiedział Aring. „Zawsze była debata na temat tego, czy gry są sztuką, co moim zdaniem jest głupim pytaniem. Sam fakt, że Smithsonian zorganizowałby takie wydarzenie, jest naprawdę zachęcający. To dobry znak dla wspierania lokalnych twórców gier - ludzi, którzy lubią sztukę i lubią technologię jak ja ”.
W American Art Museum odbyła się w 2012 r. „The Art of Video Games”, wystawa, która obchodziła 40 lat medium z klasycznymi systemami do gier, filmowała wywiady z projektantami gier i możliwości grania w przełomowe gry. W 2013 r. Muzeum nabyło dwie gry wideo, „Flower” i „Halo 2600”, ze względu na swoją stałą kolekcję, zwrócił uwagę szefa spraw zewnętrznych Jo Ann Gillula.
Dziewięciolatek o imieniu Gabriel, który grał w „Hellicott City” i którego matka poprosiła o identyfikację tylko na podstawie jego imienia, powiedział, że gra „nie była aż tak straszna”, pomimo pojawienia się „duchów i podobnych rzeczy, i czarownice. ”Najlepsze, jak powiedział, była bardzo szybka scena kolejki górskiej. „To bardzo miłe, ekscytujące” - powiedział.
Inni odwiedzający wybrali między popijaniem koktajli „Starry Heavens” z Limoncello di Capri a miksturą soku owocowego, aby zagrać w grę „Starry Heavens”.
Architekt Nathalie Pozzi, która zaprojektowała balony, przyznała, że na pierwszy rzut oka jej praca wydawała się najmniej technologiczna. Były dwa duże balony, bardzo duży kulisty żółty (jak stylizowane słońce) i ogromny „wir”, który unosił się nad nim, a poniżej plansza, na której stali gracze. „Władca” przemówił z mikrofonu, a pozostali gracze próbowali manewrować, aby go obalić. „Chociaż gra nie jest cyfrowa, bez niej budowa nie byłaby możliwa” - powiedziała, zauważając, że zaczęła szkicowanie ołówkiem i papierem, ale konstrukcja skomplikowała się, ponieważ fani utrzymywali balony w napompowaniu i zajmowali się drukowaniem 3D.
I, jak można się spodziewać, muzycy również mieli wiele do powiedzenia na temat skrzyżowania sztuki i technologii. Powiedział, że DJ Eliazar zostawia laptopa za sobą, aby mógł docenić psychologiczne i socjologiczne aspekty swojej sztuki, związane z interakcją i czytaniem publiczności. Jeśli na przykład tłum wygląda na wykończonego, może zagrać w coś łagodnego, aby go uspokoić.
„W komputerze jest zbyt wiele opcji i zostajesz wciągnięty do ekranu i nie wchodzisz w interakcje” - powiedział. Dodał jednak, że technologia jest niezbędna do deejaying. „Bez tego nie mógłbym robić tego, co robię” - powiedział.
Sasha Nollman, wokalistka Good Co., zauważyła, że zespół ma bardzo silne przywiązanie do tradycyjnego jazzu, ale także głęboką miłość do muzyki elektronicznej. „To dla nas bardzo ekscytujące, że łączymy te dwie rzeczy razem”, powiedziała. „Zaproszenie na wydarzenie, na którym chodzi o robienie tego, wprowadzanie innowacji do tych starszych tradycyjnych form muzyki, to bardzo ekscytujące”.
„Jazz to muzyka Ameryki. To nasza narodowa forma sztuki ”- dodał puzonista Colin Pulkrabek. „Mamy wyraźną własność. Z tego powodu musimy utrzymać go przy życiu i stale reinterpretować zgodnie z naszym uznaniem oraz starać się, aby był on odpowiedni dla nas samych. ”
Muzycy - zarówno Good Co., jak i DJ Eliazar - zgodzili się, że malowanie w czasie rzeczywistym było ekscytujące. Rayburn, lider zespołu Good Co., przypomniał sobie faceta z poprzedniego koncertu w Eugene w stanie Oregon, który pojawił się po występie i narysował karykatury muzyków. „To było niesamowite” - powiedział. Zapytany, czy rysunki są pochlebne, zgłosił się na ochotnika: „Głównie. Jeden z nich wygląda jak czarodziej.
DJ Eliazar występował wcześniej na otworach artystycznych, na których szkicował go artysta. Lubił patrzeć, jak jego muzyka wpływa na artystę. „Grasz coś i nagle staje się to dziełem sztuki” - powiedział, przypominając sobie muzykę z Bliskiego Wschodu, którą grał na poprzednim wydarzeniu. „Nagle na jego obrazie pojawił się wielbłąd”.
Artysta Jeremy Sutton unika przycisku „cofnij”, kiedy maluje za pomocą mediów cyfrowych. Dodaje warstwy kolorów, zamiast je odejmować. (Shalom Gobi) Sutton, cyfrowy malarz, powiedział, że tworzy sztukę podczas wydarzeń na żywo niemal od momentu, kiedy po raz pierwszy kupił komputer. Strona z 1991 roku zmieniła jego życie na więcej sposobów, niż mógł wiedzieć, powiedział rodowity Londyn, który studiował fizykę na Oxford University. Sutton mieszkał w Palo Alto od 1988 roku, gdzie sprzedawał nadprzewodzące magnesy, kiedy, jak to zwykle robił, zaczął szkicować ludzi na imprezie. Ktoś spoglądający przez ramię spodobało mu się to, co zobaczyła, i zaproponował przedstawienie go znajomemu, który stworzył oprogramowanie do malowania.
„Nie miałem pojęcia, o czym mówią, ale powiedziałem:„ Oczywiście. Chciałbym - powiedział Sutton, który wkrótce uczył się programu PixelPaint Pro. „To zmieniło moje życie. Zakochałem się w tym całym medium - powiedział. „Od razu poczułem się jak w domu”.
Pomimo pracy w studiu fizyki przyznał zawstydzony, że prawie nigdy nie korzystał z komputera przed zapoznaniem się z farbami cyfrowymi. Wkrótce jednak wziął urlop i pojechał do Las Vegas, aby zademonstrować, jak korzysta z oprogramowania do malowania na stoisku twórcy na pokazie graficznym Siggraph. Po utracie pracy stał się artystą pełnoetatowym, czego się nie robi, mówi, chyba że łączysz w sobie naiwność, obsesję i szaleństwo.
„To nie jest przepis na żadne rzeczy zapewniające bezpieczeństwo” - powiedział.
Podczas malowania na wydarzeniu „America Now”, jak zawsze, Sutton mocno osadził stopy zarówno w technologicznym, jak i estetycznym świecie, zdając się dzielić wspólne rzeczy zarówno z purystami, którzy unikają cyfrowych pędzli, jak i ewangelistami technologii, którzy widzą świetnie obietnica w cyfrowym tworzeniu sztuki.
Unika używania przycisku „cofnij”, zamiast dodawania warstw kolorów zamiast odejmowania. I nie używa narzędzia „kroplomierza”, które pozwoliłoby mu na odtworzenie dokładnych kolorów, których używał wcześniej w swoich obrazach. Zamiast tego za każdym razem dostosowuje odcień, nasycenie i ton. Podczas rozmowy z reporterem dzień przed wydarzeniem pokazał, jak szybko potrafi dopasować czerwony kolor na filiżance kawy w swoim programie do rysowania; zajęło to kilka sekund.
„Traktuję moje media jako bardzo plastyczne, transformujące media” - powiedział. „To nie poprawia; zawsze się zmienia. ”
Artysta cyfrowy Jeremy Sutton maluje w czasie rzeczywistym wydarzenie Smithsonian American Art Museum „America Now! Innovation in Art”W obrazie, który stworzył 27 czerwca, Sutton zbudował na tle, które skomponował z trzech prac z kolekcji American Art Museum: Malcah Zeldis „Miss Liberty Celebration” (1987), Marvina Beerbohm'a „Automotive Industry” (1940) i Romare Bearden's „Empress of the Blues” (1974). Kilku muzyków z utworu Bearden pojawia się w widocznym miejscu w ostatnim obrazie Suttona, podobnie jak Sasha Nollman z Good Co. (w wyraźnej niebieskiej sukience), puzon Pulkrabka, kapelusz DJ Eliazara, wir balonu i sufit dziedzińca. Sutton często robił przerwy w pracy, którą tworzył za pomocą aplikacji Sketch Club, aby porozmawiać z gośćmi w każdym wieku na temat swojej pracy, zajęć, których uczy głównie w swoim studiu w San Francisco i jego technikach. W ten sposób interakcja z publicznością, dziewczyna Gyulai, jest czymś, co bardzo lubi.
Być może bardziej symboliczne dla skrzyżowania technologii i sztuki niż nawet jego sztalugi na iPadzie jest sposób, w jaki Sutton korzysta z treningu fizyki w swojej sztuce. Oba podejścia do oglądania świata mają wiele wspólnego z poszukiwaniem wzorców, struktury i rytmu, a następnie krytycznym podejściem do tego, co pojawia się na powierzchni.
„Chodzi o widzenie rzeczy wykraczających poza to, co na początku widzisz” - powiedział.
