W 1923 roku, kiedy Freer Gallery of Art stała się pierwszym muzeum sztuki, które otwarto w National Mall w Waszyngtonie, jedna sala poświęcona była akwarelom amerykańskiego artysty Jamesa McNeilla Whistlera. Muzeum posiadało jedną z największych kolekcji takich dzieł na świecie. Delikatne prace w złotych drewnianych ramach, mimo że są bardzo wrażliwe na światło, były widoczne przez około dekadę, zanim zostały usunięte. Ale czas odbił się na pracach.
Dzieł z kolekcji Freera nie można wypożyczyć w innych muzeach z powodu ograniczeń podyktowanych wolą założyciela, dlatego przez ponad 80 lat delikatne akwarele Whistlera były rzadko spotykane. Po wielu stypendiach i pracach konserwatorskich obecna wystawa „Whistler in Watercolor” po raz kolejny przedstawia prace publiczności.
Delikatność i subtelność akwareli Whistler kontrastuje z większą, bardziej efektowną nową wystawą Whistler na targach Freer - „Peacock Room in Blue and White”, w której słynne dzieło wielkości pokoju zostało na nowo ozdobione tak, jak pierwotnie w Lata 70. XIX wieku z niebiesko-białą chińską ceramiką oryginalnego patrona Fredericka Leylanda w Londynie.
„Dwie wystawy odzwierciedlają prawdziwie transformującą przyjaźń, jaka miała miejsce między dwoma mężczyznami” - mówi dyrektor muzeum Chase F. Robinson.
Blue and Silver — Choppy Channel Jamesa McNeilla Whistlera, ca. 1893–97 (Freer Gallery of Art) 
Green and Silver — Beaulieu, Touraine, James McNeill Whistler, 1888 (Freer Gallery of Art) 
Chelsea Children, James McNeill Whistler, ca. 1997 (Freer Gallery of Art) 
Nocturne: Black and Red-Back Canal, Holland, James McNeill Whistler, 1882 (Freer Gallery of Art) 
Southend Pier Jamesa McNeilla Whistlera, 1882–1884 (Freer Gallery of Art) 
Fala oceaniczna Jamesa McNeilla Whistlera, 1883–1884 (Freer Gallery of Art) Kiedy przemysłowiec z Detroit, Charles Lang Freer, po raz pierwszy spotkał Whistlera w swoim londyńskim domu w 1890 r., Aby zastanowić się, jak zebrać więcej swojej sztuki, malarz od dziesięciu lat włącza akwarele do swojego repertuaru.
„Był to okres w karierze Whistlera, kiedy to pilnie musiał się na nowo wymyślić, zarówno finansowo, jak i zawodowo”, mówi Lee Glazer, były kustosz sztuki amerykańskiej Freer | Sackler, który jest teraz dyrektorem Lunder Institute for American Art w Colby College .
To nie był dobry okres dla Whistlera. W 1878 roku przegrał proces o zniesławienie przeciwko krytykowi sztuki Johnowi Ruskinowi, rok po tym, jak stracił swojego patrona Fredericka Leylanda z powodu sporu finansowego dotyczącego samego Peacock Room w Freer. W 1879 r. Whistler ogłosił bankructwo.
Urodzony w Lowell w stanie Massachusetts Whistler studiował w Paryżu i ostatecznie przeniósł się do Londynu. Glazer mówi, że nauczył się techniki akwareli jako chłopiec i od czasu do czasu wykorzystywał ją do studiów przygotowawczych. „Ale pomimo ogromnej popularności akwareli w brytyjskim świecie sztuki i ostatecznego pragnienia sukcesu Whistlera w tym świecie sztuki, nigdy poważnie nie akceptuje akwareli aż do lat 80. XIX wieku”.
„Whistler odkrył na nowo akwarelę” - mówi Glazer - „podczas pobytu w Wenecji w latach 1879–1880 i po powrocie do Londynu stworzył w swoim następnym kroku ogromną liczbę tych pozornie łatwych prac, przedstawiających różne tematy”.
Pink Note — The Novelette Jamesa McNeilla Whistlera, 1883–1884 (Freer Gallery of Art) 
Fiolet i bursztyn - herbata Jamesa McNeilla Whistlera, 1882–1884 (Freer Gallery of Art) 
Pink Note — Shelling Peas James James McNeill Whistler, 1882–1884 (Freer Gallery of Art) 
Southend — The Pleasure Yacht James James McNeill Whistler, 1882–1884 (Freer Gallery of Art) 
Southend — Sunset Jamesa McNeilla Whistlera, 1882–1884 (Freer Gallery of Art) 
St. Ives: Cornwall James James McNeill Whistler, 1883-84 (Freer Gallery of Art) 
Molly Finch James James McNeill Whistler, 1883–1884 (Freer Gallery of Art) W swoich pismach Whistler opisywał akwarele postaci, pejzaży, wnętrz i nokturnów jako „delikatne”, „piękne” i „przenośne”. Nazwał je „cudownymi drobiazgami” i „niesamowitymi małymi pięknościami”, ale także „wspaniałą grą ”- plan zwiększenia sprzedaży wraz z podobnie wyciszonymi obrazami olejnymi i pastelami w czymś, co Glazer nazywa„ bardzo starannie zorganizowanymi wystawami indywidualnymi w Londynie i Nowym Jorku w latach 1884–1889 ”.
Akwarele, jak mówi, „miały na celu rozszerzenie jego bazy rynkowej o tak zwanych bogatych Amerykanów, kupujących sztukę. Ale były one również dla artysty nowym sposobem na pokazanie głęboko zakorzenionych awangardowych zasad estetycznych dotyczących wykończenia, wartości pracy artystycznej i wiarygodności. ”
Były również przydatnym sposobem na pogłębienie jego skomplikowanych i kontrowersyjnych pomysłów sztuki, przekazując emocje poprzez ton i kolor, za pomocą bardziej dostępnego medium.
Pomimo wielkich ambicji Glazer zauważa, że akwarele są „dość małe. Są trochę zaśmiecone. Żaden z nich nie jest większy niż kartka papieru do pisania, a wiele z nich nie jest większa niż karta indeksu. ”
Ale oprawiony w ten sam rodzaj złotej ramy, której używał do swoich obrazów i bez żadnych innych mat, aby odróżnić je jako mniejsze niż oleje - chciał, aby były one bardziej obecne niż zwykłe szkice.
Po raz pierwszy od ponad 100 lat Peacock Room wygląda tak, jak wtedy, kiedy go namalował James McNeill Whistler. (Freer Gallery of Art) 
Londyńskie wcielenie Peacock Room zostało odtworzone z autentycznymi chińskimi naczyniami z XVII i XVIII wieku w kolekcji muzeum, a także około 120 nowo zamówionych dzieł wykonanych w Jingdezhen w Chinach. (Freer Gallery of Art) 
Kolekcja niebiesko-białej ceramiki z epoki Kangxi (1662-1722) Leyland była modą w wiktoriańskiej Anglii (Freer Gallery of Art) Próbował odmian swoich nocnych „nokturnów” w akwareli i nadał swój lekki akcent krajobrazom wodnym, takim jak The Ocean Wave, Blue i Silver-Chippy Channel .
Są też krajobrazy, ponieważ zielone i srebrne pola zdominowały zielone i srebrne - Beaulieu, Turenia i nabrzeżne sceny St. Ives: Cornwall i Southend Pier .
Ale jego żywy portret Molly Finch jest porównywalny z olejkami, które mu zlecono. Ponadto, odbite zdjęcia w podczerwieni wykonane w laboratorium Freera pokazują, jak zostało przerobione jak olej, zmniejszając szerokość fioletowej spódnicy obiektu.
I choć dokonano renowacji, a także studium akwareli, niektóre ich kolory po prostu nie przetrwały swojej długiej wystawy kilkadziesiąt lat wcześniej. Jedyny dowód na to, że „płonące żółte tło” na Milly Finch, opisane po pierwszym odsłonięciu, był schowany w krawędziach ukrytych przez ramę przed światłem.
Światło oczywiście stanowi również problem w wyświetlaniu Pokoju Pawia, którego okiennice otwierają się raz w miesiącu, w trzeci czwartek, aby pomóc zachować to, co Glazer nazywa „nie tylko najcenniejszym dziełem sztuki w kolekcji Smithsona, ale także najpopularniejsze dzieło sztuki w Galerii Freer. ”
Mural wewnętrzny Whistlera, którego pełny tytuł brzmi Harmonia w kolorze niebieskim i złotym: Pokój pawia, został ukończony, gdy właściciel Leyland wyjechał z miasta, aby sparować jego portret Księżniczka z Krainy Porcelany z gigantycznym dekoracyjnym pawiem na przeciwległej ścianie . Miał też lepiej pokazać kolekcję niebiesko-białej ceramiki z epoki Kangxi (1662-1722) Leyland, która była wówczas wściekłością wiktoriańskiej Anglii.
Kiedy Charles Lang Freer zobaczył pokój w 1904 roku, rok po śmierci Whistlera, pokój z pomalowanym sufitem i ścianami oraz kratką złotych półek został opróżniony z niebiesko-białej porcelany, która dawno już została rozproszona w majątku sprzedaż po śmierci Leyland w 1892 roku. Choć Freer był tak dużym kolekcjonerem jak Freer, nie był pewien, czy w ogóle chce pokoju.
Glazer mówi, że Freer „nie był pewien, jak ekstrawagancka jadalnia pasuje do jego rosnącej kolekcji azjatyckich antyków i jakie były wówczas najnowocześniejsze współczesne obrazy amerykańskie” (to Whistler wcisnął Freera w świat sztuki azjatyckiej).
W końcu Freer kupił Peacock Room i zainstalował go w swojej rezydencji w Detroit, wypełniając 187 półek własną kolekcją ceramiki azjatyckiej. A kiedy ogromna kolekcja Freera została podarowana narodowi na pierwsze muzeum sztuki Smithsona po jego śmierci w 1919 roku, podarunek obejmował Pokój Pawia, który był hitem od momentu pierwszego otwarcia muzeum w 1923 roku.
W Waszyngtonie Peacock Room odzwierciedlał upodobania i wizję Freera, z monochromatycznymi szkliwami z azjatyckiej ceramiki schowanymi na półkach zamiast niebiesko-białego Kangxi Leyland, który był na przełomie XIX i XX wieku uważany był za „coś w stylu starego wiktoriańskiego smaku - mówi Glazer.
Nawiązując do dawnych zdjęć pokoju Leyland, londyńskie wcielenie pokoju zostało odtworzone z autentycznymi chińskimi naczyniami z XVII i XVIII wieku w kolekcji muzeum, a także około 120 nowo zamówionych dzieł wykonanych w Jingdezhen w Chinach. Zamiast reprodukcji zamówione dzieła odzwierciedlają kontynuację 1500-letniej tradycji wytwarzania i dekorowania porcelany w tym regionie.
Whistler in Watercolor: Lovely Little Games
Pierwsze systematyczne badanie niesamowitej skarbnicy Freera z ponad 50 akwarelami autorstwa Jamesa McNeilla Whistlera, obejmujące figury, krajobrazy, nokturny i wnętrza. Zapewniając zarówno kontekst historyczno-artystyczny, który analizuje współczesny odbiór prac, jak i rygorystyczną analizę naukową materiałów i technik Whistlera, ten tom oferuje przełomowe spojrzenie na przeoczony segment twórczości znanego artysty.
KupowaćElementy z kolekcji muzealnej znajdują się na wschodniej i północnej ścianie pokoju; nowo zamówione elementy w stylu Kangxi znajdują się na zachodniej i południowej ścianie.
W rezultacie Robinson twierdzi, że widzowie mogą teraz zobaczyć „po raz pierwszy od ponad 100 lat, jak wyglądał pokój po tym, jak Whistler namalował jadalnię”.
Podsumowując, Whistler in Watercolor i The Peacock Room in Blue and White pomagają zdefiniować oko założyciela muzeum, a widzowie mogą dołączyć do czegoś, co Robinson nazywa „podróżą kolekcjonera”.
„Whistler in Watercolor” będzie kontynuowane do 6 października 2019 r. W Freer Gallery of Art w Waszyngtonie. „The Peacock Room in Blue and White” będzie stałą wystawą.
