Z czasem wszystkie trendy stają się wyraźniejsze. Patrząc na sztukę nawet za 15 lat, „wzory można zobaczyć trochę lepiej”, mówi Melissa Ho, asystentka kuratora w Muzeum Hirshhorn. „Istnieją większe, głębsze trendy, które mają związek z tym, jak żyjemy na świecie i jak go doświadczamy.”
Czym właściwie jest sztuka współczesna? Pytanie, jak mówi, jest mniej odpowiedzialne niż bez końca dyskusyjne.
Technicznie, mówi Ho, sztuka współczesna jest „kulturowym wyrazem historycznego momentu nowoczesności”. Jednak to, jak rozpakować to stwierdzenie, jest kwestionowane. Jednym ze sposobów definiowania sztuki współczesnej lub czegokolwiek innego jest opisanie, czym ona nie jest. Tradycyjne malarstwo akademickie i rzeźba dominowały w XVII, XVIII i XIX wieku. „Chodziło o idealną, bezproblemową technikę i wykorzystanie tej doskonałej, bezproblemowej techniki do realizacji bardzo dobrze ugruntowanej tematyki”, mówi Ho. Istniała hierarchia gatunków, od obrazów historycznych przez portrety po martwe natury i krajobrazy oraz bardzo surowe pojęcia piękna. „Częścią triumfu modernizmu jest obalenie akademickich wartości” - mówi.
W pewnym oderwaniu od tradycyjnej sztuki akademickiej sztuka współczesna dotyczy osobistej ekspresji. Choć historycznie nie zawsze tak było, wyjaśnia Ho, „teraz wydaje się niemal naturalne, że sposób, w jaki myślisz o dziełach sztuki, jest wyrazem indywidualnej wizji.” Modernizm obejmuje ogromną różnorodność artystów i rodzajów sztuki. Ale wartości stojące za tymi kawałkami są prawie takie same. „W sztuce współczesnej nowy nacisk kładzie się na wartość bycia oryginalnym i robienia czegoś innowacyjnego”, mówi Ho.
Edouard Manet i impresjoniści zostali częściowo uznani za współczesnych, ponieważ przedstawiali sceny współczesnego życia. Rewolucja przemysłowa przyniosła rzesze ludzi do miast, a nowe formy wypoczynku pojawiły się w życiu miejskim. W galeriach Hirshhorna Ho wskazuje Lud Chilmark Thomasa Harta Bentona, obraz masy splątanych mężczyzn i kobiet, nieco przypominający klasycznego Michała Anioła lub słynną Tratwę Meduzy Théodore'a Géricaulta, z tą różnicą, że jest to współczesna scena plażowa, zainspirowany miastem Massachusetts, w którym spędził lato Benton. Wiszące obok siedzisko „Ringide Seats”, obraz meczu bokserskiego autorstwa George'a Bellowsa, podobnie jak trzy obrazy Edwarda Hoppera, jeden zatytułowany Orkiestra pierwszego rzędu, oczekująca na zaciągnięcie zasłon.
W sztuce renesansu dużą wagę przykładano do naśladowania natury. „Następnie, kiedy już zostanie to odłamane, abstrakcja może rozkwitać”, mówi Ho. Prace takie jak Bentona i Hoppera są połączeniem obserwacji i inwencji. Na początku XX wieku kubiści zaczęli bawić się przestrzenią i kształtem w sposób, który wypaczył tradycyjny pogląd obrazowy.
Historycy sztuki często używają słowa „autonomiczny”, aby opisać sztukę współczesną. „Język narodowy byłby„ sztuką dla sztuki ”, wyjaśnia Ho. „Nie musi istnieć dla żadnej wartości użytkowej innej niż egzystencjalny powód istnienia”. Zatem ocena sztuki współczesnej to inna bestia. Zamiast pytać, jak w przypadku obrazu historycznego, o narrację - kto jest głównym bohaterem? A czym jest akcja? Ocena obrazu, powiedzmy, przez Pieta Mondriana, bardziej skupia się na kompozycji. „Chodzi o napięcie kompozycyjne”, mówi Ho, „formalną równowagę między kolorem, linią i objętością z jednej strony, ale także o ekstremalną czystość i surowość”.
Według Ho niektórzy twierdzą, że modernizm osiąga swój szczyt z ekspresjonizmem abstrakcyjnym w Ameryce w czasach II wojny światowej. Każdy artysta tego ruchu starał się wyrazić swój indywidualny geniusz i styl, szczególnie poprzez dotyk. „Więc dostajesz Jacksona Pollocka z jego kapiącą i rzucającą farbą”, mówi Ho. „Dostajesz Marka Rothko z jego bardzo świetlistymi, cienko pomalowanymi polami koloru.” I, w przeciwieństwie do niewidocznego pędzla w mocno oszklonych akademickich obrazach, pociągnięcia w obrazach Willema de Kooninga są luźne, a czasem grube. „Naprawdę możesz poczuć, jak to zostało zrobione”, mówi Ho.
Jednak krótko po II wojnie światowej pomysły napędzające sztukę znów zaczęły się zmieniać. Postmodernizm odrywa się od nowoczesnego nacisku na oryginalność, a praca jest celowo bezosobowa. „Widzisz dużo pracy, która wykorzystuje środki mechaniczne lub quasi-mechaniczne lub biurkowe”, mówi Ho. Na przykład Andy Warhol używa sitodruku, w zasadzie usuwając swój bezpośredni dotyk i wybiera tematy, które grają w idei masowej produkcji. Podczas gdy współcześni artyści, tacy jak Mark Rothko i Barnett Newman, wybierali kolory, które miały połączyć się emocjonalnie z widzem, postmodernistyczni artyści, tacy jak Robert Rauschenberg, wprowadzają szansę na ten proces. Rauschenburg, mówi Ho, był znany z kupowania farby w nieoznakowanych puszkach w sklepie z narzędziami.
„Postmodernizm wiąże się z dekonstrukcją pomysłu:„ Jestem geniuszem artystycznym i potrzebujesz mnie ”, mówi Ho. Artyści tacy jak Sol LeWitt i Lawrence Weiner, z dziełami w Hirshhorn, jeszcze bardziej unikają autorstwa. Kawałek Weinera zatytułowany „GORĄCY KULEK NA MORZU, Cat. Na przykład nr 146 ”jest wyświetlany w muzeum dużymi, niebieskimi literami bezszeryfowymi. Ale Weiner był otwarty na siedem słów powielanych w dowolnym kolorze, rozmiarze i czcionce. „Mogliśmy wziąć marker i napisać go na ścianie”, mówi Ho. Innymi słowy, Weiner uważał, że jego rola jako artysty dotyczy bardziej koncepcji niż produkcji. Podobnie niektóre rysunki LeWitta z końca lat 60. XX wieku są w zasadzie rysunkami według instrukcji. Udziela instrukcji, ale teoretycznie każdy może je wykonać. „W tym powojennym pokoleniu istnieje tendencja do demokratyzacji sztuki” - mówi Ho. „Podobnie jak rysunek Sol LeWitt, jest to opinia, że każdy może tworzyć sztukę”.
Etykiety takie jak „nowoczesny” i „postmodernistyczny” i próba ustalenia dat rozpoczęcia i zakończenia każdego okresu, czasem irytują historyków sztuki i kuratorów. „Słyszałem różne teorie” - mówi Ho. „Myślę, że prawda jest taka, że nowoczesność nie wydarzyła się w określonym dniu. To właśnie ta stopniowa transformacja zachodziła przez kilkaset lat. ”Oczywiście dwa razy, z powodów praktycznych, należy ustalić daty, kiedy uczymy kursów historii sztuki i organizujemy muzea. Z doświadczenia Ho wynika, że sztuka współczesna rozpoczyna się zwykle około lat 60. XIX wieku, zaś okres ponowoczesny zakorzenia się pod koniec lat 50. XX wieku.
Termin „współczesny” nie jest związany z okresem historycznym, podobnie jak współczesny i postmodernistyczny, ale po prostu opisuje sztukę „naszych czasów”. W tym momencie jednak prace z około 1970 roku są często uważane za współczesne. Nieuniknionym problemem jest to, że tworzy stale powiększającą się grupę współczesnej pracy, za którą odpowiedzialni są profesorowie i kuratorzy. „Musisz tylko mieć oko na to, jak się sprawy mają”, radzi Ho. „Myślę, że zostaną na nowo zdefiniowane”.
