Słuchaj uważnie, by usłyszeć daleki pomruk: 100 lat temu, 29 maja 1913 r., Szok nowego eksplodował w paryskim teatrze, gdy Balety Russes Diagilewa wykonały Święto wiosny Strawińskiego . Udekorowana i ozdobiona klejnotami publiczność w Theatre des Champs-Elysees wybuchła ludowym tańcem i niezgodną muzyką, z którą się zetknęli. Zamiast wdzięku i tradycji takich baletów jak Łabędzie Czajkowskiego , rozczłonkowana choreografia Springa i rosyjskie pogańskie otoczenie zapoczątkowały refren boosów, które zamieniły się w bójki: o co chodziła ta cała stopa? Gdzie był tutus tradycji? Ku zaskoczeniu i konsternacji publiczności „modernizm” właśnie przyszedł z wielką katastrofą talerza.
Serge Diaghilev i Igor Strawiński zamierzali wykorzystać ten spektakl jako proklamację modernizmu - spektaklu mającego na celu przełamanie tradycyjnych granic w sztuce, muzyce i tańcu, aby zaprezentować coś zupełnie nowego i innowacyjnego. Pomysł tańca jako spektaklu jest czymś, co mnie zaintrygowało, ponieważ zorganizowałem wystawę galerii portretów na temat tańca w Ameryce, otwierając 4 października. Bez wywoływania zamieszek spektakl odegrał decydującą rolę w tańcu, od szaleństw Ziegfelda po Beyonce pokazy sceniczne; publiczność zawsze jest przykuwana piórami, cekinami i pięknym ruchem. Jak napisali Kander i Ebb, kompozytorzy i autorzy tekstów w chicagowskiej piosence „Razzle Dazzle”: „Daj im akt z dużą ilością flasha / A reakcja będzie namiętna”.
Igor Strawiński przez Alvina Langdona Coburna. Odbitka żelatynowa, 1921 r. (Fot. Dzięki National Gallery) Lubię być oszołomiony. A jako zagorzały badacz kultury, zawsze szukam czynnika „wow” - tej magicznej rzeczy, która sprawia, że twoje oczy płoną. W sztukach scenicznych może to być moment zatrzymania pokazu na scenie lub ekranie, wspaniały skok tancerza w ozon lub ekscytujący głos, który pozostawi Cię bez tchu. To są krystaliczne chwile, które na zawsze piętnują twoją psychikę.
Ostatnio zachwyciło mnie kilka niezwykłych występów - koncert Philadelphia Orchestra pod ich nowym elektryzującym dyrygentem, Yannickiem Nézet-Séguinem, oraz gala Kennedy Center Gala My Fair Lady, w której zagrali cię Jonathan Pryce i Laura Michelle Kelly myślę, że po raz pierwszy tworzyli role profesora Higginsa i Elizy.
Ale olśniła mnie także mega-wystawa, która właśnie otworzyła się w National Gallery of Art: „Diaghilev and the Ballets Russes, 1909-1929: When Art Danced with Music”. Baz Luhrmann mógł użyć dużo glamour i glitz w swojej nowej trójwymiarowej wersji The Great Gatsby, ale Galeria stworzyła lśniący świat Diagilewa w wystawnym pokazie tego, co prawdziwe - sztuki, muzyki, tańca i kostiumów, które wyraziły „poszukiwanie nowego” sto lat temu . Jak wyjaśnia współkuratorka wystawy Sarah Kennel, Diagilew „nigdy nie chciał spocząć na laurach. Zawsze był innowacyjny i przeprojektowany. ”
Michel Fokine - Clara Sipprell. Żelatynowy srebrny wydruk, 1923, zapis Phyllis Fenner (National Portrait Gallery) Współpraca National Gallery of Art oraz Victoria and Albert Museum. Wystawa została otwarta w Londynie w 2010 roku. Wystawa Galerii jest hybrydą tego pokazu, obejmującego 80 prac z kolekcji V&A i dodających około 50 nowych obiektów. „Diagilew” pokazuje zdumiewające partnerstwa artystyczne nawiązane przez rosyjskiego impresario i wyróżnia takich kompozytorów jak Strawiński, Prokofiew i Satie oraz artystów takich jak Bakst, Picasso i Matisse. Dwóch głównych choreografów Diagilewa - Michel Fokine, który pracował z nim we wczesnych latach, a George Balanchine, który pod koniec życia Diagilewa pracował z Rusinami Baletowymi - wyemigrował do USA; Fokine założył szkołę baletową w Nowym Jorku, a Balanchine miałby znaczący wpływ na amerykański taniec, zarówno na Broadwayu, jak i w balecie.
Kostium Pabla Picassa dla chińskiego zaklinacza z parady, ok. 1917 (© Victoria and Albert Museum, Londyn) Pięć głównych sekcji wystawy, zorganizowanych chronologicznie, opowiada o karierze Diagilewa: „Pierwsze sezony”, „Vaslav Niżyński - tancerz i choreograf”, „Rosyjska awangarda”, „Międzynarodowa awangarda” i „Modernizm, Neoklasycyzm i surrealizm. ”Istnieje również fascynujący element audiowizualny, który obejmuje rzadkie ujęcia z Baletów Rusi i Niżyńskiego, Rudolfa Nurejewa występującego w Popołudniowej faun oraz Michaiła Barysznikowa tańczącego Syna marnotrawnego.
Trzydzieści lat temu tę wspaniałą wystawę nazwano by „hitem”. We współczesnej muzealnej mowie słowo to nie jest przychylne: hity wpadły kiedyś w celownik krytyki, a dzisiejszy świat muzeów często preferuje redukcjonistyczne poleganie na szare ściany i szara wykładzina zamiast bardziej ekstrawaganckich podejść. Jako osoba, która rozpoczęła erę przebojów, brak oślepienia dzisiaj stanowi niepokojący komentarz na temat dystansu muzeów do publicznego głodu inspiracji.
Kostium Henri Matisse na żałobę z Pieśni słowika, filc z wełny 1920 i aksamitny kombinezon (V&A, Londyn) Ale wystawa Diagilewa sprawiła, że uśmiechnąłem się w chwili, gdy wszedłem w jej objęcia: od koralikowego kostiumu Borysa Godunowa, który nosił Chaliapin w 1908 roku, po gigantyczną kurtynę sceniczną z Niebieskiego pociągu (1924) , pokaz Diagilewa przypomina, jakie mogą być wystawy.
Mark Leithauser jest szefem designu i starszym kuratorem w National Gallery of Art, a tutaj stworzył ogromny świat wow. Odpowiedzialny za zaprojektowanie wielu przełomowych pokazów tego muzeum, mówił mi o tym, że pojęcie „hitu” nie dotyczy tak naprawdę wielkości: chodzi o zjawisko. Pierwszy przebój „Król Tut” miał tylko 52 obiekty. Kiedy został otwarty w Galerii w 1976 roku, ludzie stali w szeregu godzinami. Reżyser J. Carter Brown powiedział, że serial był popularny ze względu na „czystą jakość wizualną” i „zapierający dech wiek” przedmiotów, a także miażdżące poczucie poszukiwania skarbów. Z drugiej strony „Treasure Houses of Britain” w 1985 r. Zawierały ponad tysiąc obiektów i pomogły połączyć „bezczelność” z popularną ideą hitu.
Leithauser jest przekonany, że wystawa powinna opierać się na opowiadaniu historii. W „Domach skarbów” opowiadano o 500 latach kolekcjonowania w Wielkiej Brytanii, ale także o 500 latach transformacji architektonicznej w brytyjskim wiejskim domu - transformacji wywołanej scenami architektonicznymi i otoczeniem stworzonym na wystawie.
Serge Diaghilev (© Victoria and Albert Museum, Londyn) Leithauser powiedział, że na pokaz Diagilewa projekt musi być równie teatralny jak historia - instalacja musiała stworzyć teatralne doświadczenie obejmujące świat Diagilewa. Prawda, według Leithausera, jest taka, że wystawy „muszą być takie, jakie są”.
Zdolność projektanta do tak doskonałej scenografii pozwala odwiedzającym zrozumieć intelektualną i trzewną współpracę artystyczną Diagilewa. Leithauser to showman, który docenia spektakl: kciuki za oszałamiający efekt!
