Co takiego jest w małych, dziwacznych muzeach, co czyni je tak atrakcyjnymi? Być może dlatego, że można je przypisać starożytności, kiedy grecko-rzymskie świątynie pokazywały zarówno cudowne dzieła sztuki, jak i pogańskie relikwie - włócznię Achillesa, sandał Heleny z Troi lub „kości olbrzymów” (zwykle skamieniałe mamuty). Średniowieczne katedry kontynuowane zgodnie z tradycją: skorupy żółwia lub „jaja gryfa” (właściwie strusie) mogą być umieszczone obok relikwii świętych. W renesansie książęta włoscy zaczęli gromadzić szafki z ciekawościami, eklektycznymi ekspozycjami, które mogą obejmować dowolne stworzenie człowieka lub natury: egipskie mumie, perły, klasyczne rzeźby, owady, gigantyczne muszle morskie lub „rogi jednorożca” (najczęściej z narcyzów). Włoska mania kolekcjonerska rozprzestrzeniła się, tak że pod koniec XVIII wieku w tysiącach zamożnych domów w całej Europie znajdowały się prywatne galerie. Podczas wielkich podróży po kontynencie podróżnicy mogli podróżować z jednego cudownego salonu do drugiego, badając piękne i tajemnicze przedmioty.
powiązana zawartość
- Tony Perrottet o „Small Wonders”
W połowie XIX wieku finansowane przez państwo instytucje, takie jak Luwr, Muzeum Brytyjskie i madryckie Prado, zaczęły nabywać te prywatne kolekcje, z których wiele zostało odziedziczonych przez członków rodziny, którym brakowało pieniędzy lub entuzjazmu do ich utrzymania. Jednak pomimo przewagi finansowej dużych muzeów, małe, ezoteryczne muzea przetrwały. W rzeczywistości Europa wciąż jest ich pełna, a oni wywołują oddanie, którego ich wspaniali partnerzy często nie robią.
Wiele z tych małych kolekcji wciąż znajduje się w oryginalnych domach właścicieli i odzwierciedla ich osobowość. Wiele z nich może pochwalić się kolekcjami, które byłyby dumne z miejsca w większych muzeach, ale domowe ustawienia pozwalają poczuć intymność, którą trudno znaleźć w rozległych galeriach. I pomimo ich osobliwości, te muzea domowe często zapewniają rzadkie wejście w historię i charakter miasta. Oto cztery ulubione:
Londyn
Muzeum Sir Johna Soane'a
Był wilgotny londyński wieczór, kiedy przeszedłem przez duży, zielony plac Lincoln's Inn Fields w kierunku gustownego rzędu gruzińskich kamienic. Po bliższym przyjrzeniu się fasada nr 13 oznajmiła, że nie jest to zwykły dom: we włoskiej loggii lub werandzie kremowego kamienia z Portland były cztery gotyckie cokoły, a nad nimi zamontowano parę replik starożytnych greckich kariatyd. Ale te rozkwity wskazywały tylko na cudowny świat, który leży w dawnym domu Sir Johna Soane'a (1753–1837), jednego z najwybitniejszych architektów brytyjskich - i sumiennych kolekcjonerów. Soane nie tylko zamienił swój dom w wystawne prywatne muzeum, ale zapewnił, że po jego śmierci nic się nie zmieni. W rezultacie Muzeum Sir Johna Soane'a może być najbardziej ekscentrycznym celem w mieście pełnym ekscentrycznych atrakcji. Odwiedzając go, czujesz, że sam Soane może w każdej chwili wkroczyć, aby przedyskutować klasykę nad brandy. Aby zachować intymność tego wrażenia, tylko 50 odwiedzających może przebywać w tym samym czasie. Przywołanie przeszłości jest jeszcze bardziej intensywne, jeśli odwiedzicie - tak jak ja - w pierwszy wtorek wieczorem miesiąca, kiedy muzeum jest oświetlone prawie całkowicie świecami.
Kiedy nacisnąłem dzwonek, okazałe drewniane drzwi otworzyły się, ukazując siwego dżentelmena, który równie dobrze mógł być lokajem Soane'a. Podczas gdy podpisywałem księgę gości, opiekun zatkał mi płaszcz i parasol, zabierając je ze sobą. Zostałem następnie wprowadzony do czerwonego salonu w Pompejach.
„Mam nadzieję, że podoba ci się ten dom” - szepnął asystent.
Na każdym stole i kominku świece płonęły w szklanych cylindrach. Gdy ostrożnie przeszedłem korytarzem, moje oczy przyzwyczaiły się do światła i zacząłem rozróżniać artefakty i meble, które prawie nie zmieniły się przez 170 lat. Dom jest misternie zaprojektowanym labiryntem, wypełnionym po brzegi sztuką: klasyczne popiersia, fragmenty kolumn i fryzy greckie, chińskie wazony oraz posągi greckich i rzymskich bogów, w tym obsada słynnego Apollo Belvedere . Niewiele centymetru ściany zostało zmarnowane, a jednak efekt nie jest klaustrofobiczny: łuki i kopuły wznoszą się w górę, wypukłe lustra zapewniają rozległe widoki, a balkony ziewają nad wewnętrznymi dziedzińcami. Jak każda przyzwoita szafka z ciekawostkami, ekspozycje zawierają także takie osobliwości, jak „duży grzyb ze skał wyspy Sumatra” (jak opisał to Soane w swoim inwentarzu z 1835 r.) Oraz osobliwie wyglądająca gałąź jesionu. Dodając do poczucia tajemnicy i zgodnie z życzeniem Soane'a, na żadnym z artefaktów nie ma etykiet, choć niektóre informacje są teraz podawane na ręcznych drewnianych „nietoperzach”, które dyskretnie siedzą na stołach w każdym pokoju.
„Ludzie naprawdę reagują na wieczory przy świecach” - mówi dyrektor muzeum, Tim Knox. W rzeczywistości strażnicy, jak nazywają się strażnicy muzeum, zaczęli wyłączać światła w ciągu dnia, mówi mi, „aby wzmocnić atmosferę okresu. Półmrok sprawia, że ludzie naprawdę patrzą na eksponaty”.
Soane był wiodącym brytyjskim architektem przez prawie pięć dekad, a jego liczne zlecenia odbywają się w całym Londynie - Dulwich Picture Gallery; Royal Hospital, Chelsea; Dwór Pitzhanger. (Nawet kultowe czerwone budki telefoniczne w Wielkiej Brytanii zostały zainspirowane projektem Soane dla grobowca żony w ogrodach St. Pancras.) Ale było to w jego własnym domu - zaprojektowanym w celu podkreślenia tego, co Soane nazwał „fantazyjnymi efektami, które składają się na poezję architektury” - które jego kreatywność zyskała największą swobodę. W latach 1792–1824 Soane kupił, wyburzył i odbudował trzy kamienice wzdłuż placu, zaczynając od nr 12 i przechodząc do 13 i 14. Początkowo byli domem dla siebie, jego żony i dwóch synów, ale od 1806 r. kiedy został mianowany profesorem architektury w Royal Academy, zaczął wykorzystywać je do wyświetlania swoich projektów architektonicznych i modeli. Z czasem jego rosnąca kolekcja antyków stała się ważniejsza, a dzięki niekończącej się pomysłowości przeprojektował swoje wnętrza, aby pokazać artefakty z pełnym efektem.
Przedmioty zostały umieszczone tak, aby każda kolej oferowała odkrycie. W jednej chwili stoisz przed wspaniałym rzymskim marmurowym posągiem Diany z Efezu. Następnie wchodzisz do Pokoju Obrazów, na którym znajdują się obrazy takie jak Postęp prowizji Hogartha, seria ośmiu obrazów przedstawiających upadek hedonistycznego młodego arystokraty. Gdy tylko skończyłeś podziwiać szereg pirańskich rysunków rzymskich ruin, strażnik otwiera panel w ścianie, aby odsłonić grupę obrazów Josepha Michaela Gandy'ego, rysownika Soane. Strażnik w szarej sylwetce, Peter Collins, ma goździk w klapie i czerwoną chusteczkę w górnej kieszeni. Pracuje w muzeum od dziesięciu lat i zna swoich odbiorców. Zatrzymuje się na chwilę przed otwarciem kolejnego panelu, tym razem odsłaniając balkon z widokiem na średniowieczną kolekcję - zwaną Par-loursem mnicha - wypełnioną gotyckimi fragmentami i wykrzywionymi gargulcami. W pobliskiej wnęce brązowa nimfa z nagimi piersiami stoi nieśmiało na wysokości oczu nad makietą najbardziej imponującego osiągnięcia architektonicznego Soane - Banku Anglii. (Bank, nad którym pracował przez 45 lat, został rozebrany w latach dwudziestych XX wieku jako przestarzały - ruch, który wielu historyków architektury uważa za trawestację).
Najważniejszym punktem kolekcji jest piwnica, w której sztuka pogrzebowa gromadzi się wokół alabastrowego sarkofagu egipskiego faraona Setiego I - dumy i radości Soane'a, zakupionego w 1824 r. Za sumę 2000 funtów (dziś około 263 000 dolarów) od włoskiego poszukiwacza przygód Giovanniego Belzoniego . W 1825 r. Soane zorganizował serię świeckich „imprez sarkofagowych” z okazji swojego przybycia. W ekstrawaganckich spotkaniach społecznych uczestniczyli tacy luminarze, jak książę Sussex, biskup Londynu, poeta Samuel Cole- ridge i malarz krajobrazu JMW Turner. Barbara Hofland, gość, napisałby, że na tym wydarzeniu postacie wyłoniły się jak duchy z „głębokich mas cieni”, a świece świeciły „jak połyskujące okrągłe marmurowe główki aureoli”, „tworząc efekt” jak we śnie o elizmie poety ”.
Wśród wielu posągów w muzeum łatwo przeoczyć popiersie Soane'a z 1829 r. Na pierwszym piętrze, umieszczone nad statuetkami Michała Anioła i Rafaela. Soane, syn murarza, powstał ze skromnego pochodzenia; za umiejętność szkicowania zdobył stypendium na tournée po Europie, dzięki czemu mógł odwiedzić Włochy i rozwinąć pasję do sztuki grecko-rzymskiej. Kiedy zmarł w wieku 83 lat, Soane był jedną z najbardziej wyróżniających się osób w Wielkiej Brytanii, człowiekiem, jak pisał Hofland o gościach z imprezy sarkofagowej, pozornie „zwolnionym z powszechnego zła życia, ale obudzonym z całą jego hojną wrażliwością . ”
To radosne wrażenie potęguje rysunek rodziny Gandy z 1798 roku: Soane i jego żona Elizabeth jedzą masło, podczas gdy ich dwaj młodzi synowie, John i George, biegają w pobliżu. Oczywiście Soane nie był bardziej odporny na kaprysy losu niż my wszyscy. Jego najśmielszą ambicją było stworzenie „dynastii architektów” za pośrednictwem jego synów, ale John był po trzydziestce powalony konsumpcją, a George dorastał jako rake, zaciągając ogromne długi, a nawet publikując anonimowe ataki na architekturę ojca . W takim razie Soane może nie był najłatwiejszym ojcem. „Mógłby być człowiekiem wielkiego uroku”, mówi archiwistka muzealna Susan Palmer, „ale był też bardzo podniecony, bardzo drażliwy i nastrojowy, z prawdziwym chipem na ramieniu na temat swojego biednego pochodzenia”.
W obawie, że George sprzeda swoją kolekcję, gdy umrze, Soane zapewnił jej utrwalenie w testamencie i był w stanie zapewnić akt parlamentu w 1833 roku, aby zapewnić, że jego dom pozostanie miejscem, jak napisał, dla „Amatorów i studentów w Malarstwo, rzeźba i architektura ”. W rezultacie muzeum Soane jest prowadzone do dziś przez Soane Foundation, chociaż w latach 40. XX w. Rząd brytyjski przejął koszty utrzymania, aby pozostać wolne dla publiczności, tak jak miało to miejsce od śmierci Soane w 1837 r. ” Dzięki Bogu, pan Soane nie dogadał się z młodym George'em - zauważył jeden ze strażników ze śmiechem. „Nie miałbym pracy!”
Przebiegłem przez półmrok na dół, odzyskałem płaszcz i parasol i skierowałem się do Ship Tavern, XVI-wiecznego pubu za rogiem. Wbijając się w ciasto pasterskie, przypomniałem sobie słowa Benjamina Roberta Haydona, innego gościa z imprezy sarkofagowej: „To była najlepsza zabawa, jaką można sobie wyobrazić, jak ludzie przychodzą do Biblioteki po wędrówce w dole, pośród grobowców, stolic i szybów, i głowy bez nosa, z wyrazem radości z ulgą w ponownym odnalezieniu się wśród żywych, z kawą i ciastem ”.
Paryż
Musée Jacquemart-André
Istnieją dziesiątki małych muzeów rozrzuconych po całym Paryżu, a ich najbardziej oddanymi patronami są sami Paryżanie. Niektóre mają znaczne zbiory, takie jak Musée Carnavalet, która specjalizuje się w dramatycznej historii miasta i wyświetla takie elementy, jak popiersie Marata, model Bastylii i kosmyki włosów Marie Antoinette. Inne to dawne rezydencje świętych francuskich artystów i pisarzy - studio Delacroix, mieszkanie Victora Hugo i uroczo przystojna Maison Balzac, którego najbardziej znanym eksponatem jest kofeina autora z monogramem.
Ale nikt nie wzbudza takiej lojalności jak Jacquemart-André.
Jeśli Muzeum Sir Johna Soane'a destyluje ekscentryczny geniusz Londynu, Musée Jacquemart-André jest szczytem Le Bon Goût, dobrego smaku. Bardziej muzeum rezydencji niż muzeum domów, było jednak domem dla koneserów Édouarda André i jego żony, Nélie Jacquemart, bajecznie bogatej pary, która w latach 80. i 90. budowała swój własny, niezależny świat sztuki i piękna na Boulevard Haussmann - modna aleja na prawym brzegu, niedaleko Pól Elizejskich - pełna arcydzieł, których kuratorzy Luwru niewątpliwie pragną do dziś.
Na pierwszy rzut oka muzeum nie mogło się bardziej różnić od muzeum Soane'a. Pełen kolorów, emanuje bujnym poczuciem przestrzeni. Ale nie mniej niż Soane, przenosi odwiedzających z powrotem do innej epoki - w tym przypadku do Paryża La Belle Époque, kiedy miasto rozkwitło jako stolica elegancji Europy, a nawet do wcześniejszego złotego wieku Ludwika XV i Ludwika XVI.
Zaledwie jeden krok od starego podjazdu powozu do formalnego dziedzińca ucichł odgłos paryskiego ruchu ulicznego. Wspinając się po szerokich kamiennych stopniach ozdobionych rzeźbionymi lwami, czuje się przypływ przywileju, niczym gość zaproszony na prywatne wieczory. W środku stoi trzy czwarte portret samego mistrza, Édouarda André - porywająca postać w mundurze Gwardii Cesarskiej pod cesarzem Napoleonem III, ze złotym brokatem i szkarłatnymi bryczesami. Wypielęgnowana gardienne wprowadza gości do galerii obrazów, gdzie uwodzenie trwa. André pasjonował się XVIII-wieczną sztuką francuską, podsycaną jego nostalgią za dniami przedrewolucyjnymi, i poświęcono jej pierwsze piętro. Na pozłacanych płótnach zmysłowe boginie unoszą się nago na chmurach, a dzieci o różowych policzkach pozują z ptakami i kociętami. Odwiedzający dryfuje z pozłacanego Wielkiego Salonu do strzelistego Pokoju Muzycznego, w którym formalnie ubrani goście zbierali się kiedyś na koncerty, a następnie do szklanego dachu Winter Garden, wypełnionego egzotycznymi roślinami i lśniącym marmurem, gdzie ekstrawaganckie podwójne schody prowadzą do spirali drugie piętro.
I tak dom się rozwija, oferując jedną olśniewającą galerię za drugą. Biblioteka, w której Édouard i Nélie przeglądali katalogi sztuki i planowali zakupy, jest domem dla światowej klasy gamy holenderskich obrazów, w tym trzech Rembrandtów i trzech Van Dycków. Japońska ceramika i perskie antyki ożywiają palarnię, w której Édouard po obiedzie udaje się na emeryturę ze swoimi męskimi towarzyszami, aby palić cygara i omawiać sprawy dnia, podczas gdy w pokoju z gobelinem, używanym do spotkań biznesowych, znajdują się sceny z życia rosyjskiego chłopa przez fabrykę gobelinów Beauvais w 1767 roku. Gdy wspinamy się na drugie piętro, figlarny fresk Tiepolo na ścianie klatki schodowej przedstawia przybycie Henryka III do Wenecji. Górny poziom poświęcony jest paryskiemu „włoskiemu muzeum” - jedno pomieszczenie dla rzeźby renesansowej, drugie dla sztuki florenckiej, w tym dwa obrazy Botticellego, i trzecie pomieszczenie dla ukochanej kolekcji sztuki weneckiej André.
Dwór, zaprojektowany dla André przez architekta Henri Parent, został ukończony w 1875 roku, kiedy Boulevard Haussmann był jednym z eleganckich nowych adresów w Paryżu, a André był jednym z najbardziej kwalifikujących się kawalerów w mieście. Spadkobierca ogromnej fortuny bankowej, rozczarował się życiem publicznym i postanowił poświęcić się kolekcjonowaniu dzieł sztuki i wydawaniu czasopisma o sztuce. W 1881 roku, kiedy miał prawie 50 lat, poślubił Nélie Jacquemart, kobietę, która malowała jego portret dziewięć lat wcześniej. Pod wieloma względami nie mogła się równać z tym arystokratycznym bulwarem. Prawie 40 lat Jacquemart nie była piękną pięknością. Była niezależną kobietą o skromnym pochodzeniu - najwyraźniej nielegalną - która utrzymywała się jako artystka portretowa, co było wówczas niezwykłym osiągnięciem dla kobiety.
To było małżeństwo oparte na wspólnym guście. Przez 13 lat razem para podróżowała przez część każdego roku, najczęściej do Włoch, gdzie brali udział w aukcjach z pomocą ekspertów z Luwru, którzy byli zmotywowani do wygrania sztuki dla Francji. Po śmierci Édouarda w 1894 r., W wieku 61 lat, Nélie kontynuowała podróż po świecie, idąc aż do Birmy za swoje zakupy. Po śmierci w wieku 71 lat w 1912 r. Podarowała dom Institut de France (organizacja akademicka, która zarządza fundacjami i muzeami) pod warunkiem, że zbiory pozostaną nienaruszone, aby francuska opinia publiczna mogła zobaczyć, jak powiedziała w testamencie: „gdzie para amatorskich miłośników sztuki żyła życiem radości i luksusu”.
Rzeczywiście, ogromną przyjemność czerpać można z oglądania obrazów i rzeźb pary wmieszanych w ich dzieła sztuki i piękne meble w domowym otoczeniu. Jednak po pewnym czasie nawet najlepszy smak może być nieco narzucający się. Odwiedzający nie mogą powstrzymać się od mówienia cichymi tonami, aby nie zakłócać doskonałej równowagi.
Ale rezydencja tętni życiem w jadalni - dawnym sercu oryginalnej rezydencji - która została przekształcona w jedną z najbardziej wystawnych kawiarni-restauracji w Paryżu. W tej przestronnej komnacie, gdzie para bawiła przyjaciół pod luksusowymi arrasami, można teraz delektować się salade niçoise i kieliszkiem sauvignon blanc. Dziwnie się czuje się tutaj obserwowanym, i to nie tylko przez innych gości: sufit jest cudownym żartem, kolejnym freskiem Tiepolo - tym przedstawiającym tłum weneckich szlachciców pochylających się nad balustradą, wskazujących i uśmiechających się do jadłodajni poniżej.
Na kominku znajduje się popiersie Nélie Jacquemart. Wielu nie pasowało do modnego zestawu miasta - w późniejszym okresie życia przeszła na emeryturę do swojego wiejskiego zamku, Chaalis, dziś innego muzeum wielkiego domu, 30 mil za miastem - ale z pewnością była dumna ze swojej kolekcji i jednej wyobraża sobie, jak wciąż pławi się w czerpanej z tego przyjemności.
Madryt
Museo Sorolla
Madryt to miasto ekstrawaganckich fasad, których prawdziwe atrakcje kryją się za zamkniętymi drzwiami. Ukryte za kamiennym murem w dawnej robotniczej dzielnicy Chamberí, dziesięć minut jazdy taksówką od zgiełku Plaza Mayor w centrum Madrytu, leży pełne słońca muzeum Museo Sorolla. Dawna pracownia domowa i artystyczna jednego z najbardziej ukochanych malarzy w Hiszpanii, Joaquína Sorolli y Bastidy, to soczysty ogród z brzęczącymi fontannami i bujnymi kwiatami, eksplozją śródziemnomorskiego koloru i radości życia .
Od 1911 do 1923 r. Ten dom w stylu andaluzyjskim był rezydencją jednego z najbardziej znanych artystów na świecie. Urodzony w skromnej rodzinie w Walencji w 1863 roku, Sorolla utrzymywał dystans do europejskich awangardowych ruchów, ale zdobył międzynarodową sławę dzięki swojej subtelnej technice, przywołując grę słońca w scenach śródziemnomorskich plaż i obrazach hiszpańskiego życia codziennego.
Wejście w uwodzicielskie otoczenie kompleksu, w którym mieszkała Sorolla z żoną i trojgiem dzieci, jest jak wejście do jednego ze świetlistych obrazów artysty. Dzięki mauretańskim rozkwitom, spokojnym basenom i nieustannemu szumowi płynącej wody ogród był miejscem, w którym najbardziej lubił malować. Kiedy odwiedziłem, prywatna Arkadia Sorolli była pełna poważnych studentów sztuki eksperymentujących z akwarelami w zacienionych zakątkach. Wyłożone kafelkami stopnie prowadzą do domu, którego pierwsze pokoje pokazują jego prace, tak jak 80 lat temu dla potencjalnych nabywców. Domowe przestrzenie mieszkalne zawierają oryginalne meble w stylu Art Nouveau i lampy Tiffany. Ale emocjonalnym rdzeniem domu jest studio Sorolli, duże sklepione pomieszczenie pomalowane na różowo czerwony i przesiąknięte słońcem. Sztalugi Sorolli stoją gotowe, jakby właśnie wyszedł na sjestę; jego palety, pędzle i na wpół zużyte tubki z farbą są blisko. Małe tureckie łóżko zajmuje jeden kąt pokoju, a książka z XVI-wiecznymi piosenkami stoi otwarta na stojaku. Wszystkim przewodniczy rysunek Sorolla ze słynnego portretu papieża Innocentego X Velázqueza.
Sorolla przeprowadził się do domu, który zbudował w 1911 roku, w szczytowym momencie swojej kariery. Do tego czasu wystawiał swoje prace z Londynu do St. Louis w stanie Missouri, został obsypany międzynarodowymi nagrodami, zaprzyjaźnił się z intelektualistami i artystami, w tym Johnem Singerem Sargentem, namalował portret króla Hiszpanii Alfonsa XIII i prezydenta USA Williama Howarda Tafta, a pod patronat spadkobiercy fortuny kolejowej Archera Huntingtona otrzymał zlecenie na wykonanie malowidła ściennego w Hispanic Society of America w Nowym Jorku.
Po jego śmierci w wieku 60 lat w 1923 r. Międzynarodowa reputacja Sorolli ucierpiała w cieniu pracy postimpresjonistów, takich jak Cézanne i Gauguin. Podobnie jak jego przyjaciel Sargent, wielu krytyków uznało, że Sorolla była zbyt konserwatywna i komercyjna. Ale w Madrycie artystyczna pozycja Sorolli nigdy nie była wstrząśnięta, a od czasu jego otwarcia przez wdowę i syna w 1931 r. Museo Sorolla, w którym znajduje się również najobszerniejsza kolekcja jego dzieł na świecie, cieszy się stałym napływem pielgrzymów. Dzisiaj ich wiara jest potwierdzana; Sorolla jest ponownie oceniany przez krytyków, którzy stawiają go jako pomost między starymi hiszpańskimi mistrzami, takimi jak Velázquez i Goya, a postimpresjonistami. W 2006 roku w prestiżowym madryckim Muzeum Thyssen-Bornemisza odbyła się wystawa „Sargent / Sorolla”, która śledzi równoległe kariery pary.
W Museo Sorolla, podobnie jak we wszystkich muzeach domowych, wkracza akord melancholii: dowiadujemy się, że artysta malował portret w swoim ukochanym ogrodzie w 1920 r., Kiedy w wieku 57 lat doznał udaru. Chociaż żył jeszcze przez trzy lata, wyprodukował niewiele nowych dzieł. Ale takie ponure medytacje nie pasują do domu ani zmysłowego ducha współczesnego Madrytu. Najlepszym rozwiązaniem - jak sam Sorolla by się zgodził - jest udanie się do pobliskiej kawiarni, by wypić kieliszek vino blanco i wygrzewać się w hiszpańskim słońcu.
Praga
Dom Czarnej Madonny: Muzeum Czeskiego Kubizmu
Serce Pragi, nietknięte dwiema wojnami światowymi, przypomina marzenie starej Europy. Gotyckie iglice otaczają secesyjne kawiarnie, a na średniowiecznym zegarze astronomicznym, obok domu z dzieciństwa Franza Kafki na Rynku Starego Miasta, posąg Śmierci wciąż pociąga za sznur dzwon, aby wybić godzinę. Ale jeśli skręcisz w barokową ulicę zwaną Celetną, staniesz przed zupełnie innym aspektem miasta - surowym i zaskakującym Domem Czarnej Madonny, jednym z pierwszych na świecie kubistycznych budynków i domem dla Muzeum Czeskiego Kubizmu. Zaprojektowany przez praskiego architekta Josefa Gocara dom był szokująco nowoczesny, a nawet rewolucyjny, kiedy został otwarty jako dom towarowy w 1912 r. - i nadal wydaje się taki. Ogólny kształt jest odpowiednio skrzynkowy i przewidywalnie surowy, ale po bliższym przyjrzeniu się elewacja jest niszczona przez wynalazcze zastosowanie kątów i płaszczyzn. Duże okna wykuszowe wystają jak kryształy kwarcu, a kanciaste zdobienia rzucają subtelne cienie. Wnętrze jest nie mniej niezwykłe, a pierwsze użycie w mieście żelbetonu pozwoliło na budowę obszernych otwartych przestrzeni. Osobliwa nazwa domu pochodzi od XVII-wiecznego posągu Czarnej Madonny i Dzieciątka, które uratowano z poprzedniej budowli na tym miejscu i teraz umieszczono jak figurant w rogu budynku.
Ale nawet Madonna nie była w stanie ochronić Domu przed kaprysami czeskiej historii. Po II wojnie światowej i dojściu do władzy komunistów dom towarowy został stopniowo wypatroszony i podzielony na powierzchnię biurową. Po aksamitnej rewolucji w 1989 r. Po zakończeniu rządów komunistycznych budynek miał krótkie życie jako centrum kultury, ale dopiero w 2003 r. Znalazł swoją logiczną rolę w tkance Pragi - jako sanktuarium chwały czeskiego kubizmu.
Większość z nas myśli o kubizmie jako ezoterycznym ruchu awangardowym rozwiniętym przez paryskich artystów Pabla Picassa, Georgesa Braque'a i innych w latach przed I wojną światową. Ale ruch ten rozprzestrzenił się w całej Europie i został objęty także w stolicach Rosji i Europy Wschodniej— nigdzie bardziej skwapliwie niż w Pradze, gdzie kubizm został wykorzystany, choćby na moment żarowy, jako możliwy klucz do przyszłości.
„W Paryżu kubizm wpłynął tylko na malarstwo i rzeźbę” - mówi Tomas Vlcek, dyrektor Kolekcji Sztuki Nowoczesnej i Współczesnej w krajowej galerii narodowej, która nadzoruje Muzeum Czeskiego Kubizmu. „Tylko w Pradze kubizm przystosowano do wszystkich innych dziedzin sztuk wizualnych - mebli, ceramiki, architektury, grafiki, fotografii. Tak więc kubizm w Pradze był wielkim eksperymentem, poszukiwaniem wszechogarniającego nowoczesnego stylu, który mógłby być wyraźnie Czech."
Koteria czeskich kubistów - głównie Gocara, Otto Gutfreunda i Bohumila Kubisty - po raz pierwszy spotkała się w 1911 roku, tworząc magazyn o nazwie Monthly Artystyczne i organizując własne wystawy w latach przed I wojną światową. Był to czas intensywnego optymizmu i energii w Praga. Ta niewielka metropolia wschodnioeuropejska, jedna z najbogatszych w imperium austro-węgierskim, czerpie z żywych tradycji czeskiej, niemieckiej i żydowskiej, tworząc kreatywną eksplozję. Emigranci artyści wracali z Paryża i Wiednia, aby dzielić się radykalnie nowymi pomysłami w salonach; Kafka zapisywał swoje pierwsze koszmarne historie; Albert Einstein wykładał w mieście jako profesor. „To było coś w rodzaju raju” - mówi Vlcek, wyglądając na tęsknego.
Muzeum czeskiego kubizmu jest dziś świątynią rozkwitu ruchu (1910–1919), a sam budynek jest główną ekspozycją. Wejście to kątowe studium z kutego żelaza. Wewnątrz od razu wchodzi się po schodach o kubistycznym designie. W przeciwieństwie do schodów w filmie Marcela Duchampa „ Zejście po schodach”, schody są na szczęście równe, ale metalowa balustrada stanowi złożoną grę form geometrycznych. Istnieją trzy piętra kubistycznych eksponatów wypełnionych unikatowymi w Pradze formami sztuki. Eleganckie sofy, toaletki i krzesła wypoczynkowe mają drastycznie skośne linie. Są to abstrakcyjne rzeźby i obrazy, odważna, zygzakowata grafika oraz wazony, lustra i kubki z owocami.
Choć może to nie być wyłącznie muzeum domowe, ma charakter domowy. Liczne czarno-białe portrety niejasnych artystów w melonikach i muszkach ukazują kwitnącą, artystyczną obsadę bohaterów: jedna sofa, jak dowiadujemy się, została „zaprojektowana dla aktora Otto Boleskiego, a inna dla” profesora Zaviska. „ To, co brzmi jak Woody Allen parodii kulturalnego samowchłaniania się, oddaje idiosynkratyczną naturę samej Pragi, miasta, które szczyci się swoją najbardziej tajemniczą historią. I podobnie jak wszystkie małe muzea mające kontakt z ich pochodzeniem, unikalne cechy ożywiły duchy. Odwiedzający mogą teraz przejść na emeryturę do oryginalnej kubistycznej restauracji budynku, Grand Café Orient, zaprojektowanej przez Gocara w 1912 roku. To niegdyś popularne miejsce spotkań artystów zostało zamknięte w latach dwudziestych XX wieku i wypatroszone w czasach komunizmu, ale drobiazgowi badacze wykorzystali kilka zachowanych planów i zdjęcia, aby je odtworzyć. Teraz, po ośmiu dekadach przerwy, nowe pokolenie artystów bohemy może osiedlić się pod kubistycznymi żyrandolami w kubistycznych krzesłach (nie tak niewygodne, jak się wydaje), aby dyskutować o polityce o kufel niepasteryzowanego Pilsenera. Wreszcie na parterze sklep muzealny odtworzył gamę kubistycznych filiżanek do kawy, wazonów i zestawów do herbaty z oryginalnych projektów architekta i artysty Pawła Janaka oraz oferuje reprodukcje kubistycznych mebli autorstwa Gocara i innych.
Po popołudniu zanurzonym pod tymi wszystkimi kątami zacząłem dostrzegać subtelne kubistyczne ślady w architektonicznym obfitości ulic Pragi - na przykład w drzwiach dawnej siedziby związku zawodowego i na eleganckim łuku otaczającym barokową rzeźbę obok kościoła . Zainspirowany postanowiłem wytropić kubistyczną latarnię, o której słyszałem, zaprojektowaną w 1913 r. Przez jednego Emila Kralicka. Trwało to trochę zapasy z czeskimi nazwami ulic, ale w końcu znalazłem je w bocznej uliczce na Nowym Mieście: wyglądało to jak stos kryształów umieszczony na końcu.
Mogłem sobie wyobrazić sir Johna Soane'a - przetransportowanego do współczesnej Pragi - zatrzymującego się przed nią z nieskrywanym podziwem.
Najnowsza książka Tony'ego Perrotteta, Napoleon's Privates, zbiór ekscentrycznych historii z historii, ukazała się w tym miesiącu w HarperCollins.
