Prace Diane Arbus znalazły się tylko na kilku wystawach muzealnych, zanim zmarła własnoręcznie w wieku 48 lat w 1971 roku. Niemniej jednak zyskała już sławę dzięki serii niezapomnianych obrazów - zbliżającego się „żydowskiego giganta” nad jego rodzicami w okularach, starszą parą siedzącą nago w kabinie obozu dla nudystów, krzywiącym się chłopcem ściskającym granat ręczny - które wydają się odzwierciedlać nasze najgłębsze lęki i najbardziej prywatne życzenia.
Pierwsza poważna retrospekcja twórczości Arbus odbyła się w 1972 roku, rok po jej śmierci, w Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MOMA) w Nowym Jorku, gdzie mieszkała przez większość swojego życia. Spektakl przyciągnął ogromne tłumy i pochwałę dla ludzkości i formalnego piękna jej pracy. Ale niektórzy uważali jej obrazy za niepokojące, a nawet odstraszające: na przykład krytyk Susan Sontag nazywała swoje portrety „różnymi potworami i skrzynkami z pogranicza. . . . anty-humanistą ”. Praca Arbusa, pisał Sontag, „ pokazuje ludzi, którzy są żałosni, żałosni, a także odpychający, ale nie budzą współczucia ”.
Dziś Arbus, która kiedyś powiedziała, że jej zdjęcia starają się uchwycić „przestrzeń między tym, kim ktoś jest, a kim myślą, że jest”, stała się jednym z najbardziej znanych fotografów w Ameryce i jednym z najbardziej kontrowersyjnych. Ale jej osiągnięcia jako artystki zostały nieco przyćmione jej samobójstwem i niepokojącą dziwnością, która wyłania się z jej zdjęć. Znana jako „fotografka dziwaków”, sama uważana jest za dziwaka.
Teraz nowa generacja widzów i krytyków debatuje nad znaczeniem i znaczeniem fascynujących, niepokojących obrazów Arbusa dzięki „Diane Arbus Revelations”, wystawie prawie 200 jej zdjęć, które można oglądać w Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles do maja 31. Pierwsza retrospektywa Arbus od MOMAshow w 1972 r. „Objawienia” stawia ją w centrum amerykańskiej fotografii XX wieku.
„Wcielenie Arbusa w rolę tragicznej postaci utożsamianej z dziwakami oznacza trywializację jej osiągnięć” - mówi Sandra S. Phillips, starszy kustosz fotografii w San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), skąd wywodzi się serial. „Była wspaniałą humanistką, która stała na czele tego, co zostało uznane za nowy rodzaj sztuki fotograficznej”.
Wystawa wywołała już silne reakcje krytyczne. Krytyk sztuki San Francisco Chronicle, Kenneth Baker, chwalił pracę Arbusa za jej inteligencję i współczucie, a Arthur Lubow, pisząc w New York Times Magazine, nazwał ją „jednym z najpotężniejszych amerykańskich artystów XX wieku”. Ale inni ją odrzucili jako ogarnięty poczuciem winy i chorobliwy. „Arbus jest jednym z tych przebiegłych bohemy”, napisał Jed Perl z Nowej Republiki, „którzy celebrują ekscentryczność innych ludzi i cały czas powiększają swój narcystycznie pesymistyczny pogląd na świat”.
Opinie będą prawdopodobnie jeszcze bardziej podzielone, gdy show będzie się odbywał w całym kraju - obok Muzeum Sztuk Pięknych w Houston (27 czerwca - 29 sierpnia), a następnie Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (1 marca - 29 maja, 2005). Dodatkowe miejsca to Muzeum Folkwang w Essen, Niemcy, Victoria and AlbertMuseum w Londynie i WalkerArtCenter w Minneapolis.
Jeff Rosenheim, kurator fotografii Metropolitan, uważa, że zdjęcia Arbusa pozostają prowokujące, ponieważ budzą niepokojące pytania dotyczące relacji między fotografem, podmiotem i publicznością. „Jej praca wiąże się z tobą i samą etyką widzenia” - mówi. „Nasza licencja na oglądanie innej osoby została zmieniona i zakwestionowana, wspierana i wzbogacana. Mocno wierzę, że może to być najważniejsza wystawa fotografii jednego artysty, jaką kiedykolwiek zrobi nasze muzeum. ”
Do niedawna tajemnica otaczała wiele szczegółów życia i pracy Arbusa. Przez dziesięciolecia jej majątek odmawiał współpracy przy pisaniu biografii Arbus i pozwolił publiczności zobaczyć tylko niewielką część jej pracy. Wszystko to zmieniło się wraz z nową wystawą, która została opracowana we współpracy z osiedlem i jego administratorem, Doonem Arbusem, starszym z dwóch córek Arbusa. Pokaz obejmuje nie tylko najsłynniejsze zdjęcia Arbusa, ale także wczesne fotografie i dojrzałe prace, których nigdy wcześniej nie wystawiano. Ponadto pokazy jej książek, aparatów fotograficznych, listów i notatników roboczych przekazują silne poczucie osobowości fotografa - kapryśne, bystre i nieskończenie ciekawe.
„To nowe spojrzenie na Arbus, według jej własnych słów”, mówi niezależna kustosz Elisabeth Sussman, która zorganizowała retrospektywę z udziałem Phillipsa SFMOMA. „Była niezwykle bystra, dowcipna i niesamowicie spostrzegawcza, a zdjęcia to tylko część”.
Katalog wystawy, Diane Arbus Revelations (Random House), oferuje nie tylko najbardziej kompletny wybór obrazów Arbusa, jaki kiedykolwiek znalazł się między okładkami, ale także fascynującą 104-stronicową ilustrowaną chronologię życia Arbus, wysadzaną fragmentami jej listów i innych pism. Chronologia, opracowana przez Sussman i Doon Arbus, jest pierwszą autoryzowaną biografią fotografa i pierwszą, która może czerpać z jej dokumentów.
Arbus urodziła się Diane Nemerov w 1923 r. Jej matka, Gertruda, wybrała imię swojej córki, ogłaszając ją „Dee-Ann”. Talent był bogaty w rodzinie Nemerov, zamożnym nowojorskim klanie, który prowadził Russek, modny dom towarowy na Piątej Alei. Starszym bratem Diane był Howard Nemerov, laureat nagrody Pulitzera, który został laureatem amerykańskiej poetki w 1988 roku. Jej młodsza siostra Renée Sparkia została rzeźbiarzem i projektantką. Po przejściu na emeryturę u Russeka ich ojciec David Nemerov rozpoczął drugą udaną karierę jako malarz.
Artystyczne i literackie dary Diane były widoczne wcześnie. Ojciec zachęcił ją, by została malarzem, a ona studiowała sztukę w liceum. W wieku 14 lat zakochała się w Allanie Arbusie, 19-letnim siostrzeńcu jednego z partnerów biznesowych jej ojca. Rodzice nie pochwalali jej zauroczenia, ale romans rozkwitał w tajemnicy. Wkrótce Diane straciła zainteresowanie malarstwem i pójściem na studia, mówiąc, że jej jedyną ambicją jest zostać żoną Allana. „Nienawidziłam malarstwa i zrezygnowałam zaraz po ukończeniu szkoły średniej, ponieważ ciągle mi mówiono, jak wspaniała jestem” - powiedziała wiele lat później. „Miałem wrażenie, że gdybym był tak wspaniały, nie warto tego robić”.
Diane i Allan pobrali się, gdy skończyła 18 lat, w 1941 roku, z niechętną akceptacją jej rodziny. Para interesowała się fotografią, zmieniając łazienkę swojego apartamentu na Manhattanie w ciemnię w niepełnym wymiarze godzin. David Nemerov dał im pracę, wykonując zdjęcia mody dla reklam Russeka.
Podczas II wojny światowej Allan był fotografem wojskowym. Jednym z najwcześniejszych zdjęć w programie „Objawienia” jest autoportret Diane z 1945 roku wykonany dla Allana, gdy był w armii. Choć jest w ciąży z Doonem, który urodziłby się jeszcze tego samego roku, na zdjęciu jest nadal szczupła i bardzo piękna, o ciemnych oczach i tęsknym, nieziemskim powietrzu.
Po wojnie kariera Arbusesów jako fotografów komercyjnych wystartowała, a wkrótce pracowali dla najlepszych magazynów kobiecych i agencji reklamowych. Zwykle Allan robił zdjęcia, podczas gdy Diane wpadała na sprytne pomysły i rekwizyty. Diane opiekowała się również Doonem i jego drugą córką, Amy, urodzoną w 1954 r. (Doon, obecnie 59 lat, został pisarzem, pracował z matką nad kilkoma projektami w magazynie, a później opublikował dwie książki z fotografem Richardem Avedonem. kroki i zostałem fotografem.)
Zdjęcie, które Allan i Diane wykonali dla magazynu Vogue ojca i syna czytającego gazetę, znalazło się na popularnym pokazie „The Family of Man” w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1955 roku. Obaj czuli się sfrustrowani ograniczeniami i stresem mody praca. Diane chciała zostać artystką, a nie tylko stylistką, a Allan marzył o zostaniu aktorem. Ich rosnące niezadowolenie obciążyło ich małżeństwo. Podobnie jak epizody depresyjne, które spotkała Diane, podobne do rozpaczy, która okresowo paraliżowała jej matkę. W 1956 roku Diane porzuciła działalność pary, aby samodzielnie robić zdjęcia. Allan kontynuował pracę pod nazwą Diane & Allan Arbus, jednocześnie biorąc lekcje aktorstwa i rozpoczynając karierę w teatrze.
Chociaż czasopisma takie jak Life, Look i Saturday Evening Post stworzyły kwitnący rynek fotografii, zainteresowanie zdjęciami, których jedynym celem było bycie dziełem sztuki, a nie dokumentowanie rzeczywistości społecznej lub sprzedaż produktów, było niewielkie. Niemniej jednak Robert Frank, William Klein i inni uchodźcy ze świata mody realizowali własną wizję tego, czym może być fotografia, a ulubionym podejściem była fotografia uliczna, która odkryła nieoczekiwane piękno i znaczenie w codziennych ludziach i miejscach.
Kilka wczesnych zdjęć Diane Arbus na bieżącej wystawie pokazuje jej wypróbowanie własnej wersji fotografii ulicznej. Ale jeszcze nie znalazła tematu. Punktem zwrotnym był moment, kiedy wzięła udział w zajęciach z urodzoną w Wiedniu fotografką Lisette Model w nowojorskiej szkole NewSchool.
„Przyszła do mnie i powiedziała:„ Nie mogę sfotografować ”. Model powiedział później Doonowi Arbusowi. „A ja powiedziałem:„ Dlaczego nie? ” A ona powiedziała: „Ponieważ tego, co chcę sfotografować, nie mogę sfotografować”. Model powiedziała Diane, żeby poszła do domu i odkryła, o czym tak naprawdę chce robić zdjęcia. „I przyszła do mnie następna sesja i powiedziała:„ Chcę sfotografować to, co złe ”. I o to właśnie chodziło - powiedziała Model.
„Myślę, że miała na myśli nie to, że było złe, ale że było zabronione, że zawsze było zbyt niebezpieczne, zbyt przerażające lub zbyt brzydkie, aby ktokolwiek mógł na nie patrzeć” - pisał Doon we wspomnieniu opublikowanym wkrótce po niej śmierć matki. „Była zdeterminowana, aby ujawnić, czego nauczyli się inni, aby się odwrócić.”
Zafascynowana podejmowaniem ryzyka, Diane od dawna przyjęła nowatorskie podejście świata sztuki nowojorskiej do pieniędzy, statusu społecznego i wolności seksualnej. Teraz na swoich fotografiach dążyła do tego samego rodzaju emocji. „Zawsze uważałam fotografię za coś niegrzecznego - to była jedna z moich ulubionych rzeczy, a kiedy po raz pierwszy to zrobiłem, czułem się bardzo perwersyjnie”, wspomina później. Model często fotografował bardziej spokojne części miasta, w tym Coney Island i Muzeum Huberta, pokaz boczny na Times Square. Arbus poszedł jeszcze dalej, eksplorując muzea woskowe, sale taneczne i flophouse. „Moją ulubioną rzeczą” - często cytuje się Arbus - „iść tam, gdzie nigdy nie byłem”.
Dostrzegamy jej wszystkożerną wrażliwość na pokazach materiałów osobistych na wystawie. Istnieją dobrze przemyślane książki o sztuce (na Delacroix, Picasso, Berenice Abbott, El Greco) i teksty zarówno ciężkie (eseje filozoficzne Schopenhauera), jak i hip (epicki poemat Howl Allena Ginsberga), a także listy pomysłów na projekty („seans, cyganie, tatuaż, opera otwierająca kulisy ”), zbiory wycinków z gazet („ Kobieta torturowana przez agonizację ITCH ”) i pamiątki po dziwnych postaciach (942 funtowy„ Human Blimp ”). Arecreation jednej z jej tablic ogłoszeń łączy w sobie własne zdjęcia (trójkołowego dziwaka cyrkowego i jego żony, ładnej dziewczyny i jej matki) z pocztówkami, migawkami, tabloidami (nieopakowana mumia, warczący J. Edgar Hoover) oraz panel rozdarty z komiksu „Orphan Annie”, ostrzegający: „Najlepsze rzeczy, które doprowadzono do nadmiaru, są złe”.
W 1959 r. Arbuzy rozeszły się i Diane przeprowadziła się do małego powozu w Greenwich Village wraz z dwiema córkami. Jej nowa sytuacja i determinacja do niezależności wywarły na niej presję na zwiększenie dochodów. Na szczęście otwierają się nowe możliwości. Niektóre magazyny zaczęły publikować bardziej osobistą, powieściową markę dziennikarstwa, która potrzebowała nowego, świadomie kunsztownego rodzaju fotografii, aby ją uzupełnić. Jesienią 1959 roku Diane otrzymała swoje pierwsze zadanie w magazynie, esej fotograficzny na temat Nowego Jorku dla Esquire, który zawierał portrety ekscentrycznego Skid Row, wykonawcę side-show znanego jako Jungle Creep, młodego towarzyska i anonimowego trupa.
Zdjęcia nie miały jednak charakterystycznego, ostrego wyglądu, który generalnie kojarzy nam się z Arbusem. W latach 50. i wczesnych 60. korzystała z 35-milimetrowego aparatu i naturalnego oświetlenia, a jej prace z tego okresu pokazały wpływ Modelki, Roberta Franka i innych praktyków fotografii ulicznej. Podobnie jak oni, preferowała rozmyte powierzchnie i ziarniste tekstury, dalekie od uporządkowanego wyglądu komercyjnych fotografii głównego nurtu.
Później, około 1962 r., Przeszła na aparat formatu 2 1/4, co pozwoliło jej na tworzenie ostrzejszych zdjęć o doskonałych szczegółach. Opisując tę zmianę wiele lat później, przypomniała sobie, że zmęczyła ją ziarnista faktura i chciała „zobaczyć różnicę między ciałem a materiałem, gęstością różnego rodzaju rzeczy: powietrza i wody oraz błyszczącą”. Dodała: „Zaczęłam okropnie przejęty jasnością. ”
Przesunięcie to nie było tylko kwestią rozmiaru aparatu lub wyboru oświetlenia (później dodała lampę błyskową). Corbus łączyła intensywna relacja z ludźmi, których fotografowała, tematem jej pracy - ciekawość szczegółów ich życia, chęć dzielenia się swoimi sekretami i ekscytujący dyskomfort, jaki odczuwała podczas tych spotkań. „Mogła zahipnotyzować ludzi, przysięgam” - cytowany jest inny fotograf Joel Meyerowitz w nieautoryzowanej biografii Arbus Patricii Bosworth z 1984 roku. „Zacznie z nimi rozmawiać, a oni będą z nią zafascynowani tak samo, jak z nimi.” To poczucie wzajemności jest jedną z najbardziej uderzających i oryginalnych rzeczy w fotografiach Arbusa, dając im jasność i skupienie, które są równie ważne psychologiczny jak fotograficzny.
Czytelnik Freuda, Nietzschego i Jamesa Frazera o religii i mitologii, The Golden Bough, Arbus widział artystów cyrkowych, ekscentryków, karłów i transwestytów, które sfotografowała zarówno jako fascynujące postaci z życia codziennego, jak i postacie mityczne. Dzięki nim znalazła drogę do jeszcze większej liczby ludzi i miejsc, z dala od własnego pochodzenia. „Nauczyłam się ominąć drzwi od zewnątrz do środka”, napisała we wniosku o stypendium z 1965 roku. „Jedno środowisko prowadzi do drugiego. Chcę być w stanie śledzić. ”
Jej inteligencja i elfin piękna okazały się cennymi atutami. A jej podekscytowanie tym, kto uznał ją za coś niezwykłego, pozwoliło jej na wstęp do buduaru podrabiacza kobiet, pokoju hotelowego krasnoluda i niezliczonych innych miejsc, które byłyby zamknięte dla mniej upartego, mniej atrakcyjnego fotografa. Gdy uzyska pozwolenie na robienie zdjęć, może spędzać godziny, a nawet dni, fotografując poddane raz za razem.
Jej poddani często stawali się współpracownikami w procesie tworzenia, czasem przez wiele lat. Na przykład meksykański karzeł, którego sfotografowała w pokoju hotelowym w 1960 roku, wciąż pojawiał się na jej zdjęciach dziesięć lat później. I po raz pierwszy sfotografowała Eddiego Carmela, którego nazwała żydowskim gigantem, wraz z rodzicami w 1960 r., Dziesięć lat przed tym, jak wreszcie uchwyciła portret, którego szukała.
Gdy Arbus wyjechał do San Francisco w 1967 roku, fotograf Edmund Shea przedstawił ją niektórym „hipisowskim” pisklętom, które pracowały jako tancerki topless. Nie był zaskoczony, że Arbus był w stanie przekonać ich do pozowania dla niej. „Niektórzy lubią uważać ją za cyniczną. To totalne nieporozumienie - mówi. „Była bardzo otwarta emocjonalnie. Była bardzo intensywna i bezpośrednia, a ludzie z tym związani. ”Sama Arbus miała mieszane uczucia co do jej zdolności do wyciągania swoich tematów. „Dwulicowe” to, jak kiedyś opisała siebie: „Słyszę, jak mówię:„ jakie to wspaniałe ”. . . . Nie mam na myśli, że chciałbym tak wyglądać. Nie mam na myśli, że chciałbym, żeby moje dzieci tak wyglądały. Nie mam na myśli w moim prywatnym życiu, że chcę cię pocałować. Ale mam na myśli to niesamowicie, niezaprzeczalnie coś. ”
Przez kilka lat charakterystyczne fotografie Arbus cieszyły się popularnością wśród redaktorów czasopism. Po tym pierwszym eseju fotograficznym Esquire opublikowała ponad 250 zdjęć w Harper's Bazaar, Sunday Times Magazine w Londynie i kilkunastu innych magazynach oraz wygenerowała setki dodatkowych zdjęć, które zostały przypisane, ale pozostały niepublikowane. Zrobiła także niewielką liczbę prywatnych zleceń, z których jedna stanowi podstawę mniejszej wystawy Arbus, która podróżuje po kraju w tym roku i następnym. Pokaz zatytułowany „Diane Arbus: Albumy rodzinne” powstał w Mount Holyoke College Art Museum w Massachusetts i przedstawia niektóre portrety gwiazd Arbus z gwiazdami oraz kompletne karty kontaktów z nowo odkrytej sesji zdjęciowej z rodziną na Manhattanie. Trasa serialu obejmuje postoje w Maine, Oregon i Kansas.
Mimo że Arbus uważała, że większość jej fotografii-forhire jest zwykłą pracą na rachunkach, często przekonywała redaktorów czasopism, aby pomogli sfinansować i uzyskać dostęp do swoich projektów artystycznych. Niektóre z jej najbardziej osobistych, najbardziej znanych fotografii - na przykład portret króla i królowej tańca seniorów z 1970 roku - pojawiły się po raz pierwszy w czasopismach o dużym nakładzie. Jednocześnie świat dzieł sztuki zaczął dostrzegać, że zdjęcia Arbusa były czymś więcej niż sprytnym dziennikarstwem. W 1967 r. MOMA wybrała 32 jej fotografie na wystawę „Nowe dokumenty”. Pokaz obejmował także prace dwóch innych ważnych młodych fotografów, Lee Friedlandera i Garry'ego Winogranda, ale Arbus zwrócił największą uwagę. Magazyn w Nowym Jorku nazwał jej dzieło „brutalnym, odważnym i odkrywczym”, a Newsweek przypisał jej „ostrą, krystalicznie hojną wizję poety”. Ale krytyk New York Timesa Jacob Deschin pisał, że jej dzieło „czasami”. . . granice bliskie złemu gustowi ”, a inni widzowie uważali, że jej zdjęcia są wkurzające.
„Pamiętam, jak chodziłem do„ New Documents ”, kiedy byłem na studiach i widziałem, jak mężczyzna pluje jej pracą” - mówi Phillips z SFMOMA. „Ludzie nie widzieli jednoznacznego zdjęcia mężczyzny w papilotach z długimi paznokciami palącego papierosa, a wtedy wydawało się to konfrontacyjne. Teraz z tej odległości wydaje się bardziej elegancki i empatyczny niż groźny. Arbusowi trudno było poradzić sobie z tym problemem. „Program był wspaniały, ale za dużo połączeń, listów i ludzi myślących, że jestem ekspertem lub niesamowicie kochany” - napisała do przyjaciela. „Muszę być opuszczona i anonimowa, aby być naprawdę szczęśliwą.” Powiedziała ankieterowi z Newsweeku : „Zawsze myślałam, że poczekam, aż będę miał dziewięćdziesiąt lat, aby mieć program. . . Chciałem poczekać, aż skończę. ”
Odwrotnie, jej rosnąca sława zbiegła się ze spadkiem liczby zleceń, częściowo z powodu zmieniającej się mody, po części dlatego, że celebrytów obawiano się, że zostaną sfotografowane przez kobietę, która stała się znana (słowami jednego recenzenta) jako „czarodziej szanse. ”Aby jeszcze bardziej skomplikować sprawy, Allan, z którym była blisko, przeprowadził się do Kalifornii w 1969 roku, aby kontynuować karierę aktorską. W końcu wylądował w kilkudziesięciu filmach, a od 1973 roku jako długoletnia rola w popularnym serialu telewizyjnym „M * A * S * H” jako psychiatra dr Sidney Freedman.
W nadziei, że przyniesie trochę dochodu, Diane rozpoczęła plany sprzedaży limitowanej edycji dziesięciu swoich zdjęć, zamkniętych w przezroczystym plastikowym pudełku, które mogłoby służyć jako rama, za 1000 USD za komplet. Projekt wyprzedził jednak swój czas i tylko cztery zestawy sprzedały się za jej życia: jeden dla artysty Jaspera Johnsa, a pozostałe trzy dla bliskich przyjaciół. „Próbowała zapakować fotografię jako formę sztuki, zanim naprawdę została zaakceptowana jako taka” - mówi Phillips. Ostatnio jeden z zestawów sprzedał na aukcji 380 000 $.
Ale jeśli pieniądze umykały jej, uznanie nie. Muzea włączały ją do pokazów, a wydawcy bezskutecznie zwracali się z prośbą o wydanie książki z jej obrazami. W 1971 roku została wybrana do reprezentowania Stanów Zjednoczonych na Biennale Sztuki w Wenecji w 1972 roku - pierwszym amerykańskim fotografem, który został tak zaszczycony na tym prestiżowym wydarzeniu artystycznym. Ale wydaje się, że uważała takie dowody sukcesu za odwrócenie uwagi od chęci dodawania do swojego katalogu fotograficznego - nazywała to swoją kolekcją motyli - dziwnych i intrygujących ludzi. Propozycja stypendialna A1971 (która nie została zaakceptowana) opisuje chęć sfotografowania „Różnicy. Urodzenia, wypadek, wybór, wiara, upodobanie, bezwładność. ”Wyzwaniem, napisała, było„ nie ignorowanie ich, nie zlepianie ich wszystkich razem, ale obserwowanie ich, zwracanie uwagi, zwracanie uwagi ”.
Jednym z projektów, który szczególnie ją angażował, była seria zdjęć zapoczątkowanych w 1969 r. Przez mieszkańców instytucji państwowych dla osób bardzo upośledzonych. Poszukując nowego wyglądu, z trudem używała naturalnego światła w połączeniu z błyskiem stroboskopowym lub sama, „próbując zamazać moje ostre zdjęcia, ale nie za bardzo”, napisała do swojego byłego męża w sierpniu. Pod koniec roku osiągała ekscytujące wyniki. „Zrobiłam najwspanialsze zdjęcia”, donosiła w innym liście do Allana, nazywając je „lirycznymi, delikatnymi i ładnymi”. Te obrazy wyznaczyły nowy kierunek, z ich miękkim oświetleniem i bardziej swobodną kompozycją - „jak migawki, ale lepsze” Diane napisała. Nigdy nie pokazywane za jej życia, wyróżniają się spośród jej najbardziej poruszających i najpotężniejszych zdjęć. Ale ani jej uznanie, ani sama praca nie były w stanie zapobiec okresom depresji, prawdopodobnie zaostrzonym przez kilka ataków wirusowego zapalenia wątroby, które ją nękały. W 1968 roku opisała swoje mroczne nastroje przyjacielowi jako „chemiczny, jestem przekonany. Energia, jakiś szczególny rodzaj energii, po prostu wycieka, a ja nie mam nawet pewności, by przejść przez ulicę. ”Latem 1971 r. Znów ogarnęły ją„ bluesa ”. Tym razem okazały się śmiertelne. 26 lipca wzięła dużą ilość barbituranów i poderwała sobie nadgarstki. Znajoma odkryła jej ciało w wannie swojego mieszkania WestVillage dwa dni później.
Śmierć Arbusa i późniejszy koncert w 1972 r. Uczyniły ją sławną w sposób, w jaki nigdy nie była za życia. Ale niektórzy krytycy znaleźli w jej samobójczych dowodach, że jej obrazy odzwierciedlają bardziej patologię niż sztukę. Rzeczywiście dramat jej życia czasami groził zaćmieniem reputacji jej dzieła. Jednak bez względu na to, jak bardzo jej sztuka i życie mogły się splątać, wpływ zdjęć Arbusa i ich zdolność do łączenia mitów z głęboko osobistymi jest silniejsza niż kiedykolwiek.
Dając publiczności szansę na spotkanie z niespotykaną dotąd liczbą jej zdjęć, wystawa „Objawienia” pokazuje, że była artystką najwyższej rangi i pionierem w niszczeniu ścian oddzielających fotografię od malarstwa i reszty tzw. sztuki piękne.
Spektakl pyta również, czy niepokojąca intymność, która wciąż jest czasem postrzegana jako słabość, nie jest źródłem artystycznej mocy na zdjęciach Arbusa. W swoim eseju katalogowym Phillips zwraca uwagę na dużą wartość, jaką świat sztuki lat 60. XX wieku przykładał do pracy, która była „asertywna, a nawet arogancka i podejrzliwa wobec treści”, zwłaszcza treści, które smagały emocji lub opowiadania. Zgodnie z tym standardem pracę Arbus można łatwo odrzucić jako zbyt osobistą, zbyt neurotyczną. Jednak w XXI wieku, z osobistą tożsamością i głównymi kwestiami narracyjnymi dla artystów, Arbus stał się odważnym innowatorem.
„Nigdy nie byłem wzruszony żadnym innym artystą, tak jak Arbus” - mówi Rosenheim z MetropolitanMuseum. „Jej zdjęcia mają tę moc, która jest dokładną korelacją intymnej relacji, którą musiała mieć z poddanymi. Na zawsze wpływają na sposób, w jaki patrzysz na świat. ”Niezależnie od tego, czy Arbus fotografuje wytatuowanego mężczyznę, drag drag queen lub płaczące dziecko, im więcej patrzymy na jej zdjęcia, tym bardziej czujemy, że patrzą na nas.
