Nicholas Bell, kurator główny w Renwick Gallery of Smithsonian American Art Museum, jest w muzeum od 2009 roku. Opiekował się wystawami na temat koszy i drewna - tradycyjnego rzemiosła - a także rzemiosła współczesnego (wystawa muzealna z 2012 r., „40 poniżej 40 lat: Craft Futures”). Podkreśla znaczenie materiałów i idei „robienia”. Jego pasja do muzeum, jego renowacja i ponowne otwarcie 13 listopada oraz inauguracyjna wystawa „Wonder” były widoczne, kiedy z nim rozmawialiśmy .
Z tej historii
Cud
KupowaćPo pierwsze, czy możesz nam powiedzieć, dlaczego wybrałeś sugestywne słowo „cud” jako tytuł wystawy inauguracyjnej Galerii Renwick? W katalogu mówisz o tym, jak idea cudu jest teraz „ tak szybko, jak tylko idzie po wiedzy”.
Wielu z nas uważa „cud” za trochę dziecinne. Co za wstyd. Kontakt z rzeczami, których nie rozumiesz, ma wiele wartości - rzeczy niezwykłe, które wykraczają poza nasze codzienne życie.
W „ New York Times” krytyk sztuki Holland Cotter pisał o muzeach jako o „potężnych maszynach do edycji historii”? Czy to dotyczy Renwick?
Otwieramy ten budynek jako muzeum sztuki po raz trzeci od trzech różnych stuleci. Jako kultura i jako społeczeństwo dokonujemy wyborów - możemy wysunąć na pierwszy plan inne priorytety. Mimo, że budynek został oddany do użytku jako muzeum sztuki, został wcielony do użytku jako wojskowe centrum zaopatrzenia, zanim faktycznie został wykorzystany jako muzeum. To przypomina nam, że dokonujemy wyborów jako naród. Czasami wybieramy przeciwko sztuce, a czasem dla nich. Słowa nad drzwiami Renwicka, wyrzeźbione w kamieniu, są „poświęcone sztuce”.
W pewnym sensie spektakl „Cud” dotyczy budynku jako ważnej przestrzeni, w której można przyjść i doświadczyć czegoś. Najważniejsze wydaje się doświadczenie. Potrzebujemy miejsc publicznych, w których moglibyśmy się zastanawiać.
Piszesz, że Twoim celem było stworzenie „immersyjnej sali cudów”. „Immersive” jest obecnie kluczowym terminem - w filmach 3D zyskuje na popularności, aw teatrze nie wystarczy, aby widzowie po prostu siedzieli i obserwowali akcja na scenie. „Sala cudów” mówi o pokazie bocznym lub karnawale, miejscach, które wyraźnie zwracają naszą uwagę.
To ironia - tak wiele uwagi skupia się na tak małej przestrzeni w naszym życiu. Jesteśmy kulturą ograniczoną do ekranu. Mam troje dzieci poniżej piątego roku życia. Sprawiły, że jestem bardzo świadomy tego, jak ważne jest zwracanie uwagi na swoje najbliższe otoczenie. Małe dzieci mają szeroko otwarte oczy. Bez filtrów. Chcą wiedzieć o wszystkim. Nauczyli mnie, jak zwracać uwagę. Muzeum może to dla nas zrobić jak dziecko.
Jednym z powodów, dla których nauczyłem się dziewięciu artystów na tej wystawie, jest to, że robią rzeczy, które są bardzo duże. Ich praca sprawia, że jesteś bardzo samoświadomy. Jeśli pójdziemy do muzeum i zobaczymy małe rzeczy na cokołach - glinę i szkło, mnóstwo naczyń - wszystko będzie cudowne, ale niekoniecznie uświadamia ci swoje otoczenie. Ale jeśli wejdziesz do galerii i zobaczysz wieżę z kartami indeksowymi, która ma 13 stóp wysokości, podobnie jak w przypadku pracy Tary Donovan, prawie się skurczysz. Zastanawiasz się, gdzie jesteś.
Tak ważne i tak krytyczne, jak wysiłki takie jak digitalizacja, po prostu nie ma prawdziwego substytutu dla doświadczania dzieła osobiście. Naprawdę lubię patrzeć, jak odwiedzający odwiedzają każdą kolejną galerię. Dosłownie kołyszą się na piętach - rozszerzają oczy, opadają szczęki. Spotkanie z tymi dziełami sztuki ma element fizjologiczny.
Właśnie dlatego musimy mieć miejsca publiczne, do których można się udać. Właśnie dlatego ten budynek musi tu być.
Czy wybrani przez Ciebie artyści komentują stałą kolekcję Renwicka?
Oni robią. To niekoniecznie jawne. Jednym z powodów, dla których wybrałem te dziewięć, jest to, że są niezwykle pasjonatami tworzenia rzeczy. Mają większe poczucie robienia rzeczy. Materiał jest o wiele większy od ciebie. Unosi się nad tobą. Dzięki tym pracom zaczniesz myśleć o materiałach w swoim życiu i na świecie. Potwierdzają znaczenie rzeczy - warto zastanowić się, jak powstają przedmioty w naszym świecie.
Jak zdefiniowałbyś sztukę współczesną i współczesne rzemiosło? W jaki sposób są one różne i w jaki sposób są podobne?
Nie interesuję się dywizją, podejrzewam, że skupiam się na dywizji. Zawsze skłaniam się ku rozmyciu linii, a nie ich rozróżnianiu. Tak naprawdę liczą się ludzie, którzy tworzą rzeczy, zainteresowani wyrażaniem siebie. Niekoniecznie interesuje mnie to, co ludzie nazywają siebie. Nie sądzę, aby te etykiety miały bardzo dużą wartość.
Ruch majsterkowania ostatnio wzbudził wiele wyobraźni. Wydaje się, że istnieje nowy szacunek do robienia rzeczy własnymi dwiema rękami - marynowania, konserwowania i fermentowania. A poza kuchnią, w świecie techniki „ruchy twórców” i „przestrzenie twórców” są teraz bardzo au courant. Katalog „Cud” omawia znaczenie materiałów w rzemiośle. Czy mógłbyś coś o tym powiedzieć?
Zainteresowanie umiejętnościami, procesem i pracą będzie kontynuowane w naszej przyszłości jako muzeum. Spojrzenie na świat jako całość przez pryzmat rzemiosła ma dużą wartość. Wszyscy artyści na wystawie inauguracyjnej to przede wszystkim współcześni artyści, którzy są pasjonatami tworzenia i materiałów. Co wiąże ich z historią rzemiosła.
Czy wśród artystów biorących udział w tym programie są szczególne zainteresowania środowiskiem i światem przyrody?
Tak! Powstała ta wystawa: Zaprosiłem wszystkich tych artystów, aby zwiedzili budynek, kiedy był pusty. Wyprowadziliśmy się, było zużyte, remont jeszcze się nie rozpoczął. Nigdy nie widziałem tego w ten sposób i to był prawdziwy luksus. Artyści zaproponowali, co chcą zrobić. Poprosiłem ich, aby spojrzeli na architekturę i zastanowili się nad tematem cudu. Nie podałem im żadnych innych kryteriów. Wybrałem tych artystów, ponieważ wszyscy są wrażliwi na przestrzeń, ich prace uświadamiają Twoją obecność.
To, co mnie fascynuje, to fakt, że całkiem sporo z nich poszło na przyrodę, zupełnie bez żadnej presji ode mnie: Maya Lin, pracująca nad ideą Chesapeake. John Grade, drzewa. Patrick Daugherty, laski. Jennifer Angus, błędy. Spacerując po tych galeriach, świat jest bardzo wrażliwy. Wzmacnia to pogląd, że muzea to miejsce, które może pomóc ci myśleć o świecie zewnętrznym. Kiedy ludzie przychodzą do muzeum i na ten pokaz, są zaskoczeni i zaskoczeni. Pomaga to dostrzec świeże oczy i myśleć o otaczającym cię świecie w inny sposób.
Zauważyłem, że jednym z wydarzeń otwierających muzeum jest piwo rzemieślnicze! Czy to tylko gra słów - piwo rzemieślnicze w muzeum poświęconym rzemieślnictwu?
Całe zjawisko warzenia piwa rzemieślniczego jest w rzeczywistości jednym z najbardziej widocznych przykładów umiejętnego wytwarzania. Za każdym razem, gdy kupujesz sześciopak piwa w małym browarze, wspierasz ludzi, którzy pasjonują się robieniem rzeczy.
Galeria Renwick, w której znajdują się kolekcje rzemiosła i sztuki dekoracyjnej Smithsonian American Art Museum, ponownie otwiera się w piątek 13 listopada po 2-letniej renowacji za 30 milionów dolarów. Na inauguracyjnej wystawie „Cud” prezentowane są instalacje wielkości galerii dziewięciu współczesnych artystów.
