Od niepamiętnych czasów korespondencja odręczna zaliczana była do najbardziej intymnych i żywych sposobów komunikacji międzyludzkiej. Dla pisarza nie wypełnione folio jest pustym zbiornikiem, naczyniem czekającym na napełnienie leniwymi obserwacjami, warkotliwymi plotkami, wyznaniami miłości, spekulacjami politycznymi, poszukiwaniami duszy, ciepłymi podziękowaniami lub czymkolwiek innym, co może przyjść do głowy.
Poprzez prosty akt zapełniania strony słowami, interpunkcją i obrazami autor listu, świadomego lub nie, manifestuje na świecie prawdziwie oryginalny, idiosynkratyczny wyraz siebie - dzieła sztuki. Nigdzie nie jest to bardziej widoczne niż w Archiwum Sztuki Amerykańskiej Smithsonian Institution, którego inwentarz składa się głównie z odręcznych wiadomości artystów i innych efemeryd ich życia.
Te listy, które dotyczą tak różnorodnych tematów, jak osobowości ich autorów, posłużyły jako inspiracja dla niedawno wydanej książki pt. „Pisz do papieru: listy pisane ręcznie przez artystów” pod redakcją kuratora manuskryptów Mary Savig.
Starając się połączyć rozrzucone po słowach strony z plamami farby i wyrzeźbionymi postaciami z dużej rzeźby z rzeźbionymi metalowymi posągami, Savig ujawnia także wyraźnie ludzką stronę gigantom amerykańskiego świata sztuki. Widzimy, jak ukryty w nich kunszt przenikał nawet najbardziej pozornie banalne aspekty ich życia.
Pióro na papier: ręcznie pisane listy artystów z Smithsonian's Archives of American Art
Pen to Paper, zbiór listów artystów z Smithsonian's Archives of American Art, ujawnia, jak pisanie listów może być aktem artystycznym, podobnie jak artysta przykłada pióro do papieru, aby stworzyć linię na rysunku.
KupowaćKsiążka zawdzięcza swoje istnienie jednoznacznemu charakterowi pisma minimalistycznego malarza Ad Reinhardta, którego płynne, kaligraficzne frazy płynnie łączą wyraziste linie i przewiewne łuki.
Savig wspomina moment, kiedy ona i jej koledzy, zebrani na spotkanie personelu, zdali sobie sprawę, że „prawie wszyscy mogli rozpoznać odręczne słowa Reinhardta z drugiej strony pokoju”. Zapaliła się żarówka, która płonęła przez wiele miesięcy głębokiej eksploracji i zaangażowania .
Karen Weiss, szefowa operacji cyfrowych w Archiwum, jako pierwsza zasugerowała, że odpowiednie zbadanie znaczenia zindywidualizowanego pisma artystycznego wymagałoby wspólnego wysiłku badawczego. Savig zaczął przeszukiwać głębiny społeczności artystycznej w tym kraju, szukając studentów i naukowców, kuratorów i historyków, profesorów i praktyków, zarówno młodych, jak i starszych, aby zająć się pismami artystów, którymi byli osobiście zainteresowani.
List Llyn Foulkes do Darthei Speyer, ca. 1975 (Archives of American Art) Llyn Foulkes napisał do Darthei Speyer, która zorganizowała dwie wystawy artysty, ok. 1975. (Archives of American Art) Jednym z celów Saviga w tworzeniu pióra na papierze było przypomnienie czytelnikom, że „historia sztuki to dziedzina aktywna, dziedzina interdyscyplinarna i istnieje wiele różnych sposobów podejścia do sztuki amerykańskiej”.
Zezwolenie niezliczonej liczbie autorów książki na komentarze w zebranych listach było, z punktu widzenia Saviga, niezbędne: „Chciałem im to zostawić”, wspomina, „aby mogli pokazać, co wiedzą na ten temat, a nie próbując poprosić ich, aby napisali konkretnie o czymś, o czym mogliby nie chcieć mówić. ”
Rezultaty tego przedsięwzięcia są uderzające. Co kilka stron pióra na papierze czytelnicy otrzymują wysokiej jakości zdjęcia odręcznie napisanych listów nowego artysty i są poddawani dokładnej analizie świeżego komentatora, wydrukowanej obok.
Dekonstrukcje te obejmują zarówno technicznie wybredne, jak i holistycznie biograficzne.
Projekt listu kondolencyjnego Joseph Cornell wysłany do wdowy Marcela Duchampa, Teeny, 8 i 9 października 1968 r. (Archives of American Art) „Wielka, wyprofilowana sygnatura„ Eero ”[Saarinen] przypomina odważnie zakrzywione kształty w jego lodowisku Ingalls Rink w Yale, terminalu TWA na lotnisku JFK i lotnisku Dulles” - napisał historyk architektury Jayne Merkel.
A dla Leslie Umberger, kuratora Smithsona zajmującego się sztuką ludową i samoukiem, czytelność „spada coraz bardziej na bok, ponieważ [babcia] Mojżesz próbuje wynegocjować wymagający harmonogram, dużą ilość wiadomości rodzinnych i ograniczoną ilość miejsca, w którym pisać."
Wiele listów zawartych w kompendium przedstawia migawki szczególnie przejmujących chwil w życiu ich pisarzy, podkreślając czytelnikom, jak prosta, ręcznie napisana wiadomość, słowami Saviga, „może stać się śladem osoby i miejsca”.
Pocztówka Claesa Oldenburga dla historyka sztuki Ellen H. Johnson, 17 sierpnia 1974 r. (Archives of American Art) Weźmy na przykład transatlantycki Aerogram Lee Krasnera długoletniego przyjaciela i kochanka Jacksona Pollocka, którego życie straci życie w wypadku samochodowym wkrótce po otrzymaniu jej wiadomości. Wiedząc, że Pollock boryka się z problemami emocjonalnymi i alkoholem, Krasner nasycił swój schludny list humorem i wiwatami, w pewnym momencie zwierzył mu się, że obraz w Paryżu „jest niewiarygodnie zły”. Ograniczona swoim medium, Krasner poczuła wzruszenie, by zakończyć notatkę proste, szczere zapytanie, zaklinowane w prawym dolnym rogu i otoczone parą dużych nawiasów: „Jak się masz Jackson?”
Nigdy nie otrzyma odpowiedzi.
Wizjoner Howard Finster napisał do kuratora o swojej nadchodzącej wystawie w Waszyngtonie (Archives of American Art) Podobnie poruszające są projekty kondolencyjne artysty multimedialnego Josepha Cornella z 1968 r. Dla wdowy jego mentora i bohatera, Marcela Duchampa. Bogaty w brzydkie przekreślenia i powtarzające się próby przeredagowania tekst na stronie świadczy o powadze straty Cornella, ostatecznej i być może najbardziej niszczycielskiej z serii niszczycielskich zgonów. „Otrzymując wiadomość w czwartek, 3 października”, mówi kurator Lynda Roscoe Hartigan, „stworzyła„ turbulencje ”, które uniemożliwiły [Cornellowi] opuszczenie domu do następnej środy, kiedy to opublikował list kondolencyjny”.
Podczas gdy niektóre teksty rzucają światło na utrapienia poszczególnych artystów poruszających się po ich życiu, inne listy zwracają uwagę czytelnika na szeroko zakrojone, globalne walki. Na przykład w notatce dla znajomego z Carnegie Institute z 1922 r. Supergwiazda-impresjonistka Mary Cassatt próbuje pogodzić się z twierdzeniem Edgara Degas'a, że „Żadna kobieta nie ma prawa tak rysować”, dowcip wywołany przez natychmiast rozpoznawalny olej Cassatta, Młode kobiety zbierają owoce .
Bez ukłonu Cassatt zwięźle odrzucił Francuza, posługując się kursywą, opisaną przez kuratorkę Williams College, Nancy Mowll Mathews, jako „silną” - mimo to flagową wizję artysty.
Lenore Tawney, przełomowy artysta zajmujący się włóknami i kolażami, ręcznie wykonał pocztówkę w 1970 r. (Archives of American Art) „Jeśli [ młoda kobieta zbiera owoce ] przetrwała próbę czasu i jest dobrze narysowana”, pisze Cassatt, „jej miejsce w muzeum może pokazać obecnemu pokoleniu, że pracowaliśmy i uczyliśmy się naszego zawodu, co nie jest złe. „Do dziś pionierski amerykański malarz pozostaje wzorem dla aspirujących artystów na całym świecie - zarówno kobiet, jak i mężczyzn.
W kategoriach osobistych, afroamerykański artysta Jacob Lawrence wykorzystał epistolarne medium, by zmagać się z widmem rasistowskiej nienawiści w swojej ojczyźnie. Służąc w Straży Przybrzeżnej Stanów Zjednoczonych i stacjonując w St. Augustine na Florydzie, Lawrence był bardzo zestrojony z animusem otaczających go osób. „Na północy”, napisał w 1944 r., „Dużo słyszy się o demokracji i czterech wolnościach, ale tutaj zdajesz sobie sprawę, że bardzo niewielki odsetek ludzi próbuje praktykować demokrację”.
Wnikliwe przesłuchanie pisma Lawrence'a, profesor historii sztuki na Uniwersytecie Bostońskim Patricia Hills zwraca uwagę na jego kwitnącą stolicę I, która „wydaje się zmieniać w jego inicjały, JL”. Opracowanie osobistej tożsamości pośród dusznej atmosfery Jim Crow era była wielkim wyzwaniem dla Lawrence'a i jego współczesnych Afroamerykanów; ich stanowczość w obliczu niewiarygodnych przeciwności znajduje odzwierciedlenie w pewnej siebie, lecz czasami chwiejnych pociągnięciach pióra Lawrence'a, a także w jego wymownych słowach.
Rozległy Grant Wood pisze w 1930 r. O tym, jak jury zaakceptowało nie jedno, ale dwa jego obrazy, w tym amerykański gotyk . (Archiwa sztuki amerykańskiej) Uwzględnienie różnorodnych perspektyw, takich jak Cassatt i Lawrence, było zdaniem Saviga kluczowe dla integralności projektu Pen to Paper . Jeśli kwestie rasowe, płciowe i seksualne były wystarczająco istotne, aby profilowani artyści zmagali się z nimi w prywatnej korespondencji, to według Saviga „ważne było, aby wielu autorów też się z nimi kontaktowało”.
Pod wieloma względami Pen to Paper świadczy o odporności twórczego ducha artysty w surowym i dusznym świecie. W niektórych miejscach czytelnik jest jednak podekscytowany wyrazem nieokiełznanego uniesienia - sugestii światła na końcu tunelu.
Weź ostatni list z kolekcji, napisany z radością przez amerykańskiego gotyka, twórcę Granta Wooda, skromnego Iowana, który w 1930 roku znalazł się nagle i nieodwołalnie w centrum uwagi kraju. Dowiedziawszy się, że dwa z jego płócien, dotąd nie widzianych przez nikogo poza jego rodzinnym krajem, otrzymają miejsce na ścianie na prestiżowej wystawie w Chicago Art Institute, Wood nie mógł powstrzymać entuzjazmu. Wanda M. Corn, ekspert w dziedzinie sztuki ze Stanford: „Drewno jest tak żywiołowe, że rezygnuje z pozdrowienia. 'Hurra!' wykrzykuje dużymi czerwonymi ołówkami, otoczonymi ręcznie rysowaną ramą. ”Zaraźliwa radość Wooda doskonale uzupełnia bardziej posępny ton niektórych pism jego współczesnych, nadając im yin.
Podsumowując, pióro na papier, przedstawione alfabetycznie, jest tomem AZ w każdym znaczeniu tego wyrażenia. Książka jest żywym pastiszem, wszechstronną torebką, która przypomina nam, że omawianymi artystami są również ludzie - „jak magazyn People!”, Tryska Savig. Pod koniec dnia ci wielcy innowatorzy są zasadniczo tacy sami jak my, a my, podobnie jak my, możemy swobodnie korzystać z ich przykładów w chwilach, w których potrzebujemy.
