Partytura do nieokreślonej kompozycji Johna Cage'a „Fontana Mix” (zdjęcie: BBC Radio 3)
Wraz z rozwojem notacji muzycznej uwolniono ją od delikatnych więzi tradycji ustnej i fonetycznej. Standaryzowana podstawowa struktura oznaczała, że wszystko, od chorału gregoriańskiego po „Johnny B Goode”, można było zachować i rozprzestrzeniać ze względną łatwością. Jednakże, począwszy od lat po II wojnie światowej, niektórzy bardziej postępowi muzycy i kompozytorzy zaczęli myśleć, że personel muzyczny może być bardziej ograniczający niż wyzwalający i zaczął eksperymentować z nowymi, bardziej ekspresyjnymi formami zapisu muzyki graficznej.
Amerykański kompozytor John Cage badał szansę na wykorzystanie i nieokreśloność w swoich kompozycjach muzycznych w celu wymazania własnej podmiotowości z muzyki, niejako ręki artystów. Aby przekazać swoje nieokreślone „kompozycje”, aby swobodnie używać tego terminu, Cage opracował skomplikowane metody zapisu graficznego obejmujące szereg przezroczystości. Po raz pierwszy zastosował tę metodę w partyturze z 1958 r. Do „Wariacji I”, która składała się z sześciu przezroczystych kwadratów - jednego z 27 punktami reprezentującymi dźwięk i pięciu z pięcioma liniami reprezentującymi dowolną przypisaną wartość muzyczną. Kompozycję wyprowadzono przez umieszczenie kwadratów jeden na drugim w dowolnej kombinacji. Cage kontynuowałby rozwój i rozszerzanie tej metody w latach 50. i 60., jak widać na górnym obrazie przedstawiającym nieco bardziej skomplikowaną partyturę „Fontana Mix”. Notacja Cage'a składa się z czterech wielokanałowych kaset magnetofonowych, dziesięciu folii z drobnymi napisami kropki, jedna przezroczystość z linią prostą i dziesięć arkuszy papieru, na których narysowane były kolorowe, zawijasowe linie, oraz papierowy wykres „personel”. Przezroczystość wykorzystano do ustalenia współrzędnych, które następnie wykorzystano do określenia, która taśma została użyta, ponieważ a także wartości dźwięku z taśmy: długość (w calach), głośność, barwa i tak dalej. Według „ All Music Guide to Classical Music” Cage opisał partyturę jako „aparat, z którego każdy może zrobić zdjęcie”.
Partytura do „Pendulum Music” Steve'a Reicha (zdjęcie: Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000)
Partytura do „Pendulum Music” Steve'a Reicha (Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000) Partytura Steve'a Reicha do „Pendulum Music” jest prostym, napisanym zestawem instrukcji opisujących sposób inscenizacji i wykonania utworu. Powyższe nagranie zostało wykonane przez Sonic Youth na ich album SYR4: Goodbye 20th Century z 1999 roku . Fragmenty odręcznej partytury są trochę trudne do odczytania, więc oto transkrypcja:
„2, 3, 4 lub więcej mikrofonów jest zawieszonych na suficie za pomocą kabli, dzięki czemu wszystkie zwisają w tej samej odległości od podłogi i wszystkie mogą swobodnie kołysać się ruchem wahadłowym. Kabel każdego mikrofonu jest podłączony do wzmacniacza, który jest podłączony do głośnika. Każdy mikrofon wisi kilka cali bezpośrednio nad głośnikiem lub obok niego.
Przedstawienie rozpoczyna się od zabrania każdego mikrofonu, pociągnięcia go jak huśtawki, a następnie, zgodnie, uwolnienia ich wszystkich razem. Następnie wykonawcy ostrożnie podkręcają każdy wzmacniacz do punktu, w którym sprzężenie zwrotne występuje, gdy mikrofon przesuwa się bezpośrednio nad głośnikiem lub obok niego. Zatem kierowana jest seria impulsów sprzężenia zwrotnego, które będą albo wszystkie zgodnie, albo nie, zależnie od stopniowo zmieniających się zależności fazowych różnych wahadeł mikrofonu.
Wykonawcy następnie siadają, aby oglądać i słuchać procesu wraz z publicznością.
Utwór kończy się jakiś czas po tym, jak wszystkie mikrofony się zatrzymają i przywracają ciągły dźwięk wykonawcom wyciągającym kable zasilające wzmacniaczy. ”
Notacja graficzna Briana Eno dla Music for Airports (opublikowana z tyłu okładki albumu) W 1978 roku muzyk Brian Eno stworzył przełomowy album Ambient 1: Music for Airports . Eno ukuł termin „ambient”, aby opisać ten atmosferyczny pejzaż dźwiękowy i odróżnić go od konserwowanej „muzyki windowej” zapoczątkowanej przez Muzaka. W ten sposób stworzył nie tylko album, ale cały gatunek muzyki. Eno był inspirowany kompozytorami takimi jak Cage i Reich, ale nie miał formalnego wykształcenia muzycznego. Zapytany w wywiadzie, dlaczego nigdy nie nauczył się czytać muzyki, Eno, który wolał komponować bezpośrednio na taśmie, odpowiedział:
„Nie byłoby to dla mnie bardzo przydatne. Był jeden lub dwa razy, kiedy utknąłem gdzieś bez mojego magnetofonu i miałem pomysł, próbowałem go zapamiętać, a ponieważ dobry pomysł prawie zawsze opiera się na nieznanych niuansach, dlatego automatycznie trudno go zapamiętać. Tak więc w tych bardzo rzadkich przypadkach myślałem: „Boże, gdybym tylko mógł to zapisać”. Ale tak naprawdę sporo z tego, co robię, ma związek z teksturą dźwięku, a zresztą nie można tego zanotować… To dlatego, że notacja muzyczna powstała w czasach, gdy tekstury dźwięków były ograniczone. Jeśli mówisz, że skrzypce i instrumenty dęte drewniane definiują teksturę dźwięku, jeśli mówię, że syntezator i gitara to nic nie znaczy - mówisz o 28 000 zmiennych. ”
Zamiast tradycyjnej notacji, Eno stworzył grafikę przedstawioną powyżej, która wydaje się być bardziej zainteresowana przekazaniem wizualnego wrażenia muzycznego i nie jest tak naprawdę przeznaczona jako przewodnik do faktycznego odtwarzania muzyki.
Strona partytury do „Polymorphia” Krzysztofa Pendereckiego (Ex Tempore) „Polimorfia” Krzysztofa Pendereckiego została zamówiona przez Północnoniemieckie Radio Hamburg w 1961 roku. Jak sama nazwa wskazuje, utwór rzeczywiście przybiera różne formy i zmienia się dramatycznie z sekcji na sekcję. W „Polimorfii” Penderecki szukał nowych możliwości brzmieniowych, a jeśli możliwości te obejmują „przerażającą nawiedzoną muzykę house”, to absolutnie ją przybił. Kompozycja jest przeznaczona na 48 instrumentów smyczkowych i podkreśla barwę zamiast wysokości, a także zderzenie ciał generujących dźwięk wykonanych z metalu, drewna lub skóry - co Danuta Mirka, badaczka muzyki, nazywa „pierwszorzędnymi materiałami” kompozytora. Notacja została zainspirowana częściowo elektroencefalogramami - wizualnymi pomiarami aktywności mózgu. Pomija tradycyjne miary na rzecz partytury podzielonej na sekcje o zmiennej długości, a w niektórych sekcjach dalsze pionowe podziały, aby zaznaczyć każdą sekundę, z „całkowitą przestrzenią wysokości tonu” opisującą względną wysokość tonu każdego instrumentu.
Strona 183 partytury za „Treatise” Corenliusa Cardew (Spiral Cage) „Traktat” angielskiego kompozytora Corneliusa Cardewa powstał w latach 1963–1967. Składa się z 193 stron notacji graficznej, która wykorzystuje niejednoznaczne liczby, kształty i symbole, które Carew zamierzał interpretować przez wykonawcę. Sugeruje, aby wykonawcy przedstawili swoje zasady przed spektaklem, ale nie podaje żadnych innych wyraźnych instrukcji interpretacji utworu. W podręczniku „Treatise” Cardew oferuje dodatkowe, tajemnicze porady, takie jak „Pamiętaj, że przestrzeń nie odpowiada dosłownie czasowi” i „Istnieje ogromna różnica między: a) robieniem wszystkiego, co lubisz, a jednocześnie czytaniem zapisów, oraz b) czytanie zapisów i próba przełożenia ich na działanie. Oczywiście możesz pozwolić, aby partytura działała na wcześniej podanym materiale, ale musisz aktywować ją. ”Jedyną stałą w całym„ Traktacie ”jest grubo narysowana„ linia życia ”na środku partytury. Nie ma żadnej wartości wewnętrznej, ale jest często wykorzystywany przez wykonawców jako odniesienie odniesienia dla wysokości tonu lub innej wartości muzycznej. Ostatecznie „Traktat” to notacja jako forma sztuki. Jak mówi Carew: „Notacja jest ważniejsza niż dźwięk. Nie dokładność i sukces, z jakim notacja notuje dźwięk; ale muzykalność notacji w jej notacji. ”
Notatkę szachową nałożono na obraz muzycznego meczu szachowego Marcela Duchampa i Johna Cage'a (Parsons) Na zakończenie notacja pół. Liczę to tylko jako połowę, ponieważ używa tradycyjnego systemu notacji, po prostu nie systemu notacji muzycznej . W 1968 roku John Cage zagrał w szachy z Marcelem DuChampem w ramach wspólnego występu Reunion (pdf), w którym udział wzięła także muzyka elektroniczna Davida Behrmana, Gordona Mummy, Davida Tudora i Lowell Cross. Biorąc pod uwagę jego zainteresowanie przypadkiem, nic dziwnego, że Cage wymyślił utwór, ale skomponowali go wspomniani muzycy. Sama płyta została zaprojektowana przez Crossa i ukryła fotorezystory, mikrofony kontaktowe i połączenia z generatorami dźwięku. Podczas meczu ruch elementów aktywował światła i muzykę elektroniczną, zmieniając otoczenie wystawy zgodnie z ruchem elementów na planszy. Sztuka szachowa przekształciła się w muzykę i światło, rodzaj strategicznej synestezji. To fascynujący pomysł. Jak brzmiałaby Obrona Sycylijska? Czy gambit królowej?
Powyższe przykłady reprezentują zarówno notację dla muzyki eksperymentalnej, jak i eksperymentalną notację dla muzyki. Są to jednak tylko niektóre z wielu trybów zapisu graficznego i eksperymentalnego, które badali artyści w ciągu ostatnich 60 lat. Podczas gdy niektórzy artyści uważają ograniczenia za inspirujące - nawet jeśli ograniczenia te są tak pozornie nieograniczone jak notacja muzyczna - inni uważają, że postęp można osiągnąć jedynie poprzez zniszczenie przyjętych metod produkcji i komunikacji. I chociaż wyniki nie zawsze są przyjemne, są niezaprzeczalnie interesujące i stanowią szczery wysiłek, aby pchnąć formę sztuki na niezbadane terytorium. Awangarda w najprawdziwszym tego słowa znaczeniu.
