Współczesna artystka Mickalene Thomas jest najbardziej znana ze swoich wielkoformatowych obrazów czarnych kobiet pozowanych na odważnie wzorzystych tło i ozdobionych dżetów. Przykładem charakterystycznego stylu artystki jest portret Mnonji z 2010 r. Przedstawiający uderzającą postać kobiety leżącą na kanapie.
Odwiedzający, którzy znajdą drogę do galerii na wysokim piętrze Smithsonian American Art Museum na trzecim piętrze, konsekwentnie gromadzą się wokół tego obrazu, zafascynowani jego jasnymi kolorami i przyciągając do tematu - elegancką i wytworną Afroamerykanką.
„Jest właścicielem i zajmuje się swoją przestrzenią, co jest bardzo ekscytujące”, ujawnia artystka w wywiadzie dla SAAM z 2017 roku. Skrzyżowane kostki kobiety siedzą na podłokietniku sofy, a jej fuksja na wysokich obcasach dynda nad krawędzią. Prawa ręka spoczywa na kolanie, a palce wywołują godną pozazdroszczenia kombinację siły i wdzięku tancerza. Wytryskując atmosferą mocy i wyrafinowania, Mnonja dosłownie błyszczy od stóp do głów - jej włosy, makijaż, biżuteria, ubrania, paznokcie i buty błyszczą dżetów.
Portret Mnonji jest tematem kolejnego odcinka „Re: Frame”, którego celem jest zbadanie związku między stylem a tożsamością. Co mówi o nas sposób, w jaki się ubieramy i przedstawiamy światu, i jak postrzegają nas inni?
Co mają wspólnego z kryształkami, matkami i osobistym stylem sztuki amerykańskiej?Diana Baird N'Diaye, specjalistka ds. Kultury i kustosz w Smithsonian's Center for Folklife and Cultural Heritage, która od dawna studiuje sposób, w jaki styl i ozdoby przekazują tożsamość, wyjaśnia: „Ubieramy się z myślą o estetyce, z szablonem w umysł. Może to być społeczność, z którą się identyfikujemy. Może to być muzyka, z którą się identyfikujemy. Może to jest miejsce, z którego pochodzimy ... nasz status lub status, do którego dążymy ... Zawsze powtarzam, że nawet jeśli nosisz tylko koszulki i dżinsy i myślisz, że „tak naprawdę nie ubieram się z żadnego powodu, „zawsze ubieracie się z myślą o swojej tożsamości i tym, jak rzutujecie ją na innych”.
Szczególnym obszarem zainteresowania N'Diaye jest projekt, który dotyczy afroamerykańskiego stroju i estetyki tożsamości kulturowej: „Jedną z głównych rzeczy, które moim zdaniem wyróżniają afroamerykańską sukienkę, jest jej celowość i sprawność… tam jest wiele, wiele estetyki w społeczności afroamerykańskiej. Nie ma tylko jednego, ale jeśli zarysujesz powierzchnię, chodzi o to, co Zora Neale Hurston nazywała kiedyś „wolą ozdabiania”, jedną z najważniejszych części wyrazu afroamerykańskiego. Więc to także forma sztuki. ”
Styl, tożsamość i sprawność to podstawowe tematy w twórczości Mickalene Thomas. „Jest naprawdę zainteresowana prezentowaniem pozytywnych zdjęć czarnych kobiet, które badają idee tożsamości, seksualności i władzy” - mówi Joanna Marsh, szefowa muzeum ds. Interpretacji i badań widowni. „Jest również bardzo zainteresowana pomysłami na styl i samodzielne projektowanie”. W rzeczywistości związek Thomasa z modą wynika częściowo z jej osobistej biografii. Jej matka, Sandra Bush, była modelką w Nowym Jorku w latach siedemdziesiątych i była pierwszą muzą artysty.
Współczesna artystka Mickalene Thomas jest najbardziej znana z wielkich obrazów czarnych kobiet. (Zdjęcie z YouTube) Proces artystyczny Thomasa obejmuje koncepcję „woli ozdabiania”. Jej prace zwykle zaczynają się od sesji zdjęciowej. Zaprasza swoich poddanych, z których wiele ma osobiste relacje z artystką, „aby przyjechali do jej studia, aby się ubrać lub stylizować, a następnie pozować w scenerii, którą stworzyła ... rodzaj scenografii lub scenografii, jeśli chcesz, ”Wyjaśnia Marsh. „Ta sesja zdjęciowa staje się rodzajem spektaklu. Podobnie jest z tym, jak wszyscy się zachowujemy, kiedy rano ubieramy się i wychodzimy publicznie i przedstawiamy się światu w określony sposób. ”
Następnie Thomas robi zdjęcia z tych sesji i tworzy kolaże fotograficzne; wreszcie z tych kolaży tworzy obrazy na dużą skalę przy użyciu akrylu, emalii i dżetów.
Dlaczego cyrkonie? Z jednej strony ten nietradycyjny element stanowi ukłon w stronę artystek, które w przeszłości wykorzystywały materiały rzemieślnicze, oraz artystów z zewnątrz, którzy używają przedmiotów codziennego użytku jako medium.
Ale historia pochodzenia dżetów w pracach Thomasa jest również związana z czynnikami ekonomicznymi. Jako studentka sztuki, kiedy Thomas nie zawsze mógł sobie pozwolić na tradycyjne materiały artystyczne, takie jak drogie farby, zaczęła kupować stosunkowo niedrogie materiały w lokalnych sklepach rzemieślniczych: „Zacząłem chodzić do sklepów rzemieślniczych Michaela, ponieważ mogłem sobie pozwolić na filc i przędzę oraz te małe torby z dżetów i brokat ... Zacząłem zdobywać te materiały i znaleźć znaczenie oraz sposoby wykorzystania ich w mojej pracy jako sposobu na identyfikację siebie. ”
„Z czasem cyrkonie stały się swoistym elementem jej pracy”, zauważa Marsh. Zarówno dosłownie, jak i w przenośni, cyrkonie stanowią warstwę dla sztuki Thomasa: „Na najbardziej podstawowym poziomie są one rodzajem elementu dekoracyjnego. Ale są też symbolem tego, jak się ozdabiamy. ”
Jak mówi Iris Apfel, ikona stylu nonagenarian: „Moda, którą możesz kupić, ale styl, który posiadasz. Kluczem do stylu jest poznanie, kim jesteś ... Chodzi o wyrażanie siebie i przede wszystkim nastawienie. ”
Jednym ze sposobów, w jaki dowiadujemy się o tym, kim jesteśmy, jest odbicie się w historycznych i popularnych narracjach, niezależnie od tego, czy jest to podręcznik, program telewizyjny czy wystawa sztuki.
Historycznie czarne kobiety były stereotypowe, marginalizowane lub zupełnie zaginione w tych narracjach. Thomas jest bardzo zainwestowany w tworzenie bardziej integracyjnego środowiska muzealnego dla młodych ludzi kolorowych, aby „kiedy tu stoją… zobaczą siebie”.
W ten sposób Portret Mnonji jest zarówno mistrzowskim obrazem, jak i błyszczącym przykładem intencjonalności i agendy w sercu afroamerykańskiej ekspresji.
Portret Mnonji z 2010 roku autorstwa Mickalene Thomas jest wyświetlany na trzecim piętrze, we wschodnim skrzydle Smithsonian American Art Museum w Waszyngtonie
