Kiedy ludzie mówią, że ktoś naprawdę „żyje” jej sztuką, może to oznaczać, że traktuje swoją pracę bardzo poważnie. Ale przez prawie trzy miesiące życie Linna Meyersa naprawdę składało się z jej sztuki - prawie nie robiła nic innego. Spędziła aż 11 godzin dziennie na okrągłym drugim piętrze Smithsonian's Hirshhorn Museum, rysując na ścianach. Może to zabrzmieć jak dziecinna zabawa, ale zdecydowanie nie jest.
powiązana zawartość
- Odwiedzający muzeum mogą grać w tę sztukę ścienną jak instrument
- Dlaczego kobieta gra wciąż ten sam akord gitary w Hirshhorn
Meyers wykorzystał połączenie najwyższej precyzji i pełnej szansy, aby stworzyć nasz widok z tego miejsca - superkształt rysunku, który hipnotyzuje widzów. Jej praca, która wypełnia 400 metrów liniowych muzealnej powierzchni ściennej, jest wyświetlana do 14 maja 2017 r. I jest częścią ostatnich wysiłków na rzecz wykorzystania nowych przestrzeni w Hirshhorn.
Muzeum było otwarte przez większą część czasu, gdy pracowała nad tym dziełem, i fascynowali zwiedzających gapiąc się, gdy przykładała swoje wybrane narzędzie - rodzaj grubego markera ulubionego przez artystów graffiti - do ścian, które zostały pomalowane w dwóch neutralnych kolorach dźwięki Mimo, że trzyma się jednego koloru, efekt nie jest monotonna. Faliste linie tworzą fale i wzory, które rozwijają się wraz ze ścianami muzeum, prawie jakby się poruszały. Kurator wystawy Stéphane Aquin mówi: „Po prostu tańczy razem z budynkiem. Jej sztuka pięknie wtapia się w architekturę. Ujawnia ruch związany z budynkiem. ”
Meyers, artystka mieszkająca w Waszyngtonie, DC, tworzy zarówno pojedyncze prace w swoim studiu, jak i instalacje specyficzne dla witryny, takie jak ta w Hirshhorn (inne instalacje były wyświetlane w Hammer Museum w Los Angeles i Phillips Collection w Waszyngtonie, DC). Meyers wyjaśnia, że kiedy tworzy element w określonym środowisku, musi oczywiście zwrócić uwagę na budynek, na przestrzeń, w której znajdzie się jej praca: „Jedno z pierwszych pytań, które sobie zadaję, brzmi:„ Jak dobrze mogę podejść do dziwactwa architektury? ”
Głównym „dziwactwem” w Hirshhorn w kształcie pączka jest to, że zwiedzający muzeum, widzowie instalacji Meyersa, będą podążać okrągłym wewnętrznym przejściem. „Przestrzeń wymagała ode mnie stworzenia owiniętego wokół niej miejsca wokół ścieżki, którą zwiedzający przechodzą przez muzeum” - wyjaśnia.
Meyers wykorzystał połączenie najwyższej precyzji i pełnej szansy, aby stworzyć nasz widok z tego miejsca . (Hirshhorn Museum and Sculpture Garden) „A potem są przerwy w całej przestrzeni - drzwi, wejścia do galerii. W istniejącej przestrzeni lub architekturze zawsze jest coś, co staje się wyzwaniem. Nie mam na myśli tego negatywnie. Wyzwanie może sprowokować nowe podejście do ewolucji utworu. W tym przypadku krąg galerii jest podzielony na osiem części. A te otwory nie zawsze są otwarte. Czasami przestrzeń jest modyfikowana na wystawę, a część przestrzeni jest zamknięta. Mój utwór pokryje się z trzema różnymi programami, a przestrzeń będzie się zmieniać dla każdego programu. Musiałem o tym pomyśleć. To coś nowego. Nigdy wcześniej nie miałem dynamicznej przestrzeni galerii. ”
Pierwszym krokiem Meyersa było stworzenie rysunków przygotowawczych wykonanych w skali ćwierć cala. Następnie pracownicy Hirshhorn używali oprogramowania CAD (Computer Assisted Design) do śledzenia szkieletu - kół z rysunków Meyersa - bezpośrednio na ścianach muzeum. Następnie Meyers zaczęła pracować z piórem graffiti marki Molotow, pozwalając, by jej ręka poszła tam, gdzie by to było. To właśnie tu pojawia się szansa i zbieg okoliczności.
„Cały ruch widoczny na tych rysunkach jest tylko wynikiem tego procesu” - wyjaśnia. „Po prostu ewoluuje, linie nie są planowane. Ale kompozycje są planowane. To gra pomiędzy zamierzonym a niezamierzonym. Geometria jest wcześniej odwzorowana w mojej pracy przygotowawczej. Kiedy zaczynałem sekcję, prześledziłem koło. Taki jest plan, zamierzony. Po tym punkcie każda linia odpowiada linii przed nią - rodzaj entropii, na którą nie mam wpływu. Tak więc: zarówno zamierzone, jak i nieprzeznaczone. Fajna metafora życia! ”
Meyers użył grubego markera, ulubionego przez artystów graffiti, do pokrycia ścian dwoma neutralnymi tonami. (Hirshhorn Museum and Sculpture Garden) Kolor wybrany przez Meyersa dla tego projektu był niebiesko-szary, zwany szarym Payne. Ponieważ artystka rozcieńczała kolor w różnym stopniu, była w stanie osiągnąć różne gęstości kolorów w trakcie pracy.
Gdy widzowie spacerują wokół rotundy, widzą, że linia markera czasami jest tak słaba, że to tylko szept, podczas gdy innym razem gęstnieje w plamę, a jeszcze gdzie indziej występuje efekt cętkowania. W niektórych częściach instalacji pozostało niewykorzystane miejsce na ścianie, ale inne sekcje są wypełnione zatłoczonymi pofalowanymi liniami.
Meyers zdała sobie sprawę, że pierwsze sekcje, które zrobiła, były wynikiem całej energii, którą zgromadziła podczas przemyślenia i planowania projektu: „Pierwsze kilka ścian, które wykonałem, są inne niż ostatnie. Na początku miałem ochotę iść: wszystkie miesiące przygotowań i oczekiwań. Znak jest bardziej agresywny. W pewnym sensie zaatakowałem ściany! ”. Ale pod koniec, kiedy pozwoliła, by więcej ścian pozostało puste, zauważa„ rodzaj lekkości ”.
„Jej sztuka pięknie łączy się z architekturą” - mówi kustosz Stéphane Aquin. (Hirshhorn Museum and Sculpture Garden) Ze względu na okrągłe wymiary rotundy widzowie nie są w stanie zobaczyć całego dzieła naraz. To po prostu niemożliwe. A to wpływa na to, jak postrzegają pracę. Tak samo było w przypadku Meyersa. „Miałem taką wizję tego, jak to wszystko będzie wyglądać, ale nie jest tak, jak w studiu, gdzie moje oko może przesuwać się w przód iw tył nad kawałkiem. W studiu wykonuję dyskretne dzieła sztuki i możesz stanąć przed nimi. Dzięki temu po prostu fizycznie nie możesz. Widziałem na przykład sekcję, którą ukończyłem, ale potem nie dział, nad którym pracowałem. Nie możesz zobaczyć nawet jednej czwartej na raz, stojąc w jednym miejscu. ”
Takie gigantyczne przedsięwzięcie wymagało koncentracji mamuta. Meyers, która zwykle codziennie chodzi do studia i pracuje nad wieloma utworami jednocześnie, nie zrobiła tego.
„To był najdłuższy czas, kiedy nie było mnie w studiu” - mówi. „Nie zrobiłem nic więcej. To było dobre. Ten szalony sposób, w jaki istniejemy na czas - od mediów społecznościowych po wstawanie i kupowanie artykułów spożywczych po rozmowę telefoniczną - to po prostu sposób naszego życia. Ale dzięki temu skupienie się na jednej rzeczy - cudownie było widzieć postęp każdego dnia. Godzinami, nie podnosząc głowy. Kiedy pracowała w muzeum w stanie hiperkoncentracji, pracownicy muzeum lub kustosz Stéphane Aquin podeszli do niej, próbowali z nią porozmawiać, a nawet ich nie zauważyła. „Byłbym tak skoncentrowany. Musiałem założyć rolety. Tego po prostu nie możemy zrobić. ”
Być może dlatego, że fotografia Meyer jest wystawiana w recepcji muzeum, a może z powodu cichego autorytetu, jaki emanuje podczas przechodzenia przez gotową instalację, widzowie czują, że jest artystką. Chcą rozmawiać, komplementować ją, zadawać jej pytania, a nawet pozować do zdjęć z telefonu. Meyers chwyta się, by wytłumaczyć swojej nowej mini celebrytce. „To, co dzieje się w studiu, skąd pochodzi praca, zawiera element tajemniczości. Nie to, że mogę destylować te wszystkie elementy dla ludzi, ale widzą, jakie to proste: po prostu rysuję jedną linię, a następnie rysuję inną. ”
„Linn Meyers: Our View From Here” można oglądać w Hirshhorn Museum and Sculpture Garden do 14 maja 2017 r. W Waszyngtonie Linn Meyers opowie o swojej pracy w ramach cyklu Hirshhorn's Meet the Artist w środę, maj 25, o 6:30 w auli muzeum. Jest darmowe i otwarte dla wszystkich.
AKTUALIZACJA 25.05.2016: Poprzednia wersja tej historii wskazywała, że to artysta pracował z programem CAD. Ona nie. Pracownicy muzeum wykorzystali ten proces. Przepraszamy za błąd.
