Linn Meyers, cierpliwie i celowo wykonując ruchy, spędza godziny, przekształcając swoje indywidualnie narysowane linie w jeden z pulsujących rysunków lub instalacji. Podczas gdy planuje z wyprzedzeniem ekspansywne mapy drogowe dla swoich elementów, pozostawia się również otwarta na nierówności, które nieuchronnie pojawią się podczas jej procesu, pozwalając tym nowym ruchom poprowadzić jej abstrakcyjne eksploracje do nowych miejsc.
powiązana zawartość
- Hipnotyzujące wyniki, gdy muzeum prosi artystę, aby narysował wszystkie ściany
Jak potwierdza nazwa najnowszego wielkoformatowego rysunku ściennego Meyers, „Let's Get Lost”, instalacja, która zadebiutowała jesienią tego roku w Muzeum Sztuki w Bowdoin College, jest bardzo intencjonalnym objęciem kolejnego nieoczekiwanego widelca na drodze.
Tym razem jej charakterystyczne linie nie tylko reagują na architekturę przestrzeni, ale mają również za zadanie coś nowego: ustalić parametry fizyczne, które wydobywają niewidzialne dźwięki osadzone w „Listening Glass”. Dodatkowa instalacja, która zadebiutowała wraz z „Let's Get Lost”, „Listening Glass” stworzyła Rebecca Bray, artystka i projektantka doświadczeń (do przeszłości należy do szefa designu doświadczeń w Smithsonian National Museum of Natural History); Jimmy Bigbee Garver, projektant dźwięku i kompozytor; oraz Josh Knowles, twórca aplikacji, we współpracy z Meyers.
Gdyby to było wiele słów do przełknięcia, wynik, przypominający synestezję doświadczenie sztuki partycypacyjnej, jest - z założenia - łatwy do zrozumienia. Zasadniczo „Listening Glass” pozwala grać w „Let's Get Lost” jak na instrumencie. Odwiedzający uzbrojeni w telefony komórkowe pobierają aplikację stworzoną przez Knowles, aby odkryć słyszalne nuty w utworze Meyersa. Trzymając telefony w instalacji, aplikacja może odkryć dźwięki podczas eksploracji dużego rysunku Meyersa, który gra w porozumieniu z dźwiękami już pulsującymi z głośników ustawionych w galerii.
„Let's Get Lost” i „Listening Glass” (wszelkie skojarzenia z Alicją w Krainie Czarów były niezamierzone) powstały z nieplanowanej komunikacji między wcześniejszymi dziełami artystów. W maju 2016 r. Meyers zaprezentowała swoje największe jak dotąd dzieło „Our View From Here”, ambitny rysunek o długości 400 stóp, który przedzierał się przez korytarz na drugim piętrze w kształcie cukierka Smithshorna na drugim piętrze. Podczas gdy utwór był oglądany, Bray i Garver niezależnie stworzyli „Framing Device”, interaktywne dzieło audio, które czerpie wskazówki z wcześniejszej współpracy dźwiękowej i artystycznej wykonawców artystów o nazwie „Silosphere”. W „Silosphere” uczestnicy umieścili głowy wewnątrz podobnych do globu urządzeń wyposażonych w ekran i głośniki, aby stworzyć ograniczone wrażenia z jedynym połączeniem ze światem zewnętrznym pochodzącym z transmisji wideo przesyłanej z zewnętrznej kamery wideo. Opierając się na tym w „Framing Device”, fragmencie zmieniającym audioprzewodnik po galerii sztuki, uczestnicy otrzymali maski i bezprzewodowe słuchawki, które dostroiły się do dwóch różnych opcji kanałów - audiowizualną wycieczkę po muzeum i wewnętrzny monolog samoświadomego gościa - aby zachęcić uczestników do ponownego zobaczenia krajobrazu galerii sztuki.
„Może wydawać się dość ograniczający, ponieważ oczekuje się od nas - lub oczekujemy od nas - doświadczenia sztuki w typowym otoczeniu instytucjonalnym lub kuratorskim”, mówi Bray. W ich współpracy ona i Garver są zainteresowani tworzeniem sztuki partycypacyjnej, która „prosi widza o coś i zaprasza [ich] w sposób, który zmienia relację”.
„Framing Device” połączyło się podczas „Sound Scene”, corocznego festiwalu z okazji słuchania muzyki, który tak po prostu odbył się po raz pierwszy w Hirshhorn w 2016 roku, kiedy to zaprezentowano „Our View From Here”. Z tego powodu praca Meyers stała się częścią audiowizualnej trasy „Framing Device”, czego sama Meyers nie zdawała sobie sprawy, dopóki nie przyszła na to wydarzenie i nie posłuchała samego utworu.
„Potem podeszła do nas i powiedziała: wow, to takie interesujące. Nigdy tak naprawdę nie widziałem własnej pracy w ten sposób - wspomina Bray.
Artyści zaczęli razem pić kawę, aby porozmawiać o pomysłach, które badali i o tym, jak mogą ze sobą współpracować. meyers pracuje bez szablonów i taśmy, aby narysować tysiące płynnych linii, które łączą się, aby stworzyć jej ostateczne elementy. Jej niepowtarzalny proces zmusza cię do spojrzenia na sztukę i zastanowienia się, dlaczego przybiera kształty, które robi. Była jednak zainteresowana tym, w jaki sposób Bray i Garver mogą spowolnić kogoś i jeszcze głębiej zaangażować się w jej sprawy. „Let's Get Lost” i „Listening Glass” to wynik tego wyzwania.
Zobacz ten post na InstagramieStudenci i goście zwiedzający „Let's Get Lost” i „Listening Glass” podczas otwarcia ostatniej nocy. Ta fantastyczna wystawa będzie czynna przez cały rok! ☺️ # bcmaletsgetlost #bcmalisteningglass
Wpis udostępniony przez Bowdoin College Museum of Art (@bowdoinmuseum) 28 września 2018 o 17:30 PDT
„Tym, czym stał się projekt, była ewolucja równoległa do naszych rozmów” - wyjaśnia Meyers. W niektórych swoich pierwszych rozmowach artyści bawili się próbowaniem rzeczywistości wirtualnej i rzeczywistości rozszerzonej, ale odeszli od tego pomysłu z obawy, że technologia może przytłoczyć sztukę. Chcieli stworzyć interaktywne doświadczenie artystyczne, w którym technologia służyła sztuce, a nie na odwrót. Wprowadzili Knowles, którego Bray zna od wielu lat, w interaktywnej technologii i przestrzeni artystycznej, aby pomóc w tłumaczeniu ich roboczego pomysłu, łącząc sztukę Meyersa z dźwiękami Garvera.
Nie od razu wiadomo, jak to zrobić. „Czy zamierzam tworzyć muzykę, która brzmi jak twoje rysunki, czy narysować coś, co brzmi jak twoja muzyka?” - mówi Garver. „Oboje bardzo się zmieniliśmy.”
Każda z nich w niewielkim stopniu pokrywała się z zestawem umiejętności, co zmusiło ich do rozmyślania na każdym etapie procesu ideacji. „Ponieważ każdy z naszych elementów tej rzeczy był ściśle związany z elementami wszystkich innych, nikt nie wychodził do pokoju, robił swój kawałek i prezentował go wszystkim”, mówi Bray. Zamiast tego musieli stale rozmawiać za pośrednictwem różnych mediów i wypowiadać się na temat kompromisów i możliwości każdej kreatywnej decyzji.
„Trudno o tym mówić i musieliśmy prawie wymyślić własny język, który sam w sobie był interesujący” - mówi Meyers. Pomogła, mówi, że wszyscy wiedzieli, że przychodzą do pracy ze wspólnym zestawem wartości i wspólną wizją. W pewnym momencie Bray nawet je spisał. Według Meyersa, pomysł, nad którym pracowali, polegał na „stworzeniu dzieła, które zaangażowałoby publiczność w sposób, który umożliwiłby jej ukończenie”.
Było wiele do negocjacji: była architektura przestrzeni, sztuka Meyersa, dźwięki Garvera (oba zrobione w telefonie i dźwięki, które zdecydowali, że chcą ciągle grać w pokoju), technologia, jak wydobyć to poprzez ruch, i oczywiście publiczność. „Zrobiliśmy mnóstwo dokumentów, diagramów i arkuszy kalkulacyjnych, aby pomóc sobie nawzajem zrozumieć” - mówi Garver.
Doświadczenie publiczności było tym, do czego najbardziej powracali w rozmowach. Jedna z największych negocjacji w interaktywnej przestrzeni artystycznej, mówi Bray, tworzy coś, co ma kilka barier wejścia - „hojny” jest terminem, którego często używa - ale jest również w stanie zmienić sposób, w jaki coś jest postrzegane.
„W jaki sposób przybliżamy ludzi do sztuki? Nie tylko fizycznie, ale także aby zwolnić i rozważyć same linie; dzieła sztuki, a także całość? ”opowiada o wyzwaniu, przed którym stanęli.
Chcieli, aby przestrzeń stała się rozmową między artystą a widzem. Podczas rekolekcji w lecie Meyers narysował cztery rysunki przygotowawcze na ścianach salonu Bray i Garvera. Następnie zaprosili ludzi do zabawy z aplikacją i interakcji z rysunkami ściennymi.
Doprowadziło to do większego majsterkowania. Na przykład oprogramowanie miało problemy z rozróżnieniem mięsistego koloru, którego Meyers używała do wypełnienia „cieni pustki” drewnianą podłogą pokoju i wykończeniem okna. Aby zapewnić, że dźwięk pozostanie szczególny dla elementu, na który jest wskazywany, Meyers dodał niebieską linię do każdej ćwiartki, aby urządzenie mogło lepiej odróżnić sztukę od otoczenia.
Same dźwięki, które można wywołać poprzez ruch i lokalizację, obejmują dźwięk przypominający fortepian, dźwięk szarpany, głos i dzwonek. „Są bardzo waniliowe” - mówi Garver. „Piękno jest ciekawą rzeczą, która dzieje się, gdy ludzie go podnoszą i wykorzystują”.
Garver kontynuował usuwanie kompozycji z każdą iteracją projektu. Uświadomił sobie, że im bardziej złożony i skomponowany dźwięk, tym trudniej było zrozumieć, czyje działania go generowały. „Chciałem tylko ułatwić poruszanie się po instrumencie i nie tworzyć muzyki. To było dla niego nowe. „Nigdy wcześniej czegoś takiego nie robiłem”, mówi. „Nawet do dziś”, mówi, zastanawia się nad pracą: „Czy to brzmi jak te linie?”
Podróż przez galerię może przypominać pływanie przez ocean. „To trochę przytłaczające przeżycie, ponieważ masz do czynienia z ogromną ilością niskich dźwięków, które masz przed sobą i dookoła, ale gdy poruszasz się po przestrzeni, wydajesz ciche dźwięki”, mówi Garver. Tak siedmioletni syn Braya i Garvera opisuje wciągające doświadczenie: „jak ryba unosząca się w falach”.
Aplikacja Knowles, która jest dostępna do pobrania na iTunes (i można ją również odtwarzać poza galerią), nie jest powiązana z dźwiękami, które są obecnie zaprogramowane do odtwarzania. Oprogramowanie można dostosować, a artyści rozmawiali już z Bowdoin o możliwości zmuszenia studentów do komponowania nowych dźwięków do instalacji i choreografowania spektaklu w galerii. Chodzi o to, aby wykonawcy z telefonami umieszczonymi strategicznie na ciele mogli odtwarzać kompozycję muzyczną w pokoju swoimi ruchami.
Kiedy instalacje zadebiutowały we wrześniu, Bray obserwował, jak ludzie używają swoich telefonów nie do wysyłania SMS-ów, ale raczej jako różdżki prowadzącej ich przez historię galerii. „Naprawdę widzieliśmy, jak ludzie nie spieszą się i podążają za linią lub podążają za krzywą rysowaną przez Linn” - mówi.
To nie jest pierwsze wspólne przedsięwzięcie Meyersa. „Uwielbiam pracować samodzielnie”, mówi w nawiązaniu do pracy w studio. „Uwielbiam tę samotną działalność i nie chciałbym nigdy rezygnować z tej roli.” Ale w trakcie swojej kariery była wciągana w budowanie pomysłów z innymi artystami. „Zabiera cię na terytorium, które jest mniej wygodne i mniej znane”, mówi. „Możesz to zrobić samodzielnie, ale jest to trudniejsze”.
Kolejnym wspólnym przedsięwzięciem jest współpraca z innymi artystami z Waszyngtonu, Timem Doudem i Caitlin Teal Price, aby otworzyć niedrogą przestrzeń studyjną o nazwie STABILNA. Otwarcie w lutym 2019 r. Ma powierzchnię 10 000 metrów kwadratowych powierzchni studia zlokalizowanej na wschodnim krańcu Eckington, aby lepiej łączyć artystów i wspierać społeczność wśród nich w dzielnicy. Według Meyersa pomysł polega na uczynieniu DC „bardziej przyjaznym dla artystów i miejscem, w którym artyści chcą się zatrzymać”.
Odpowiednio, podczas gdy „Listening Glass” można odtwarzać solo, dzieje się coś bogatszego, gdy ludzie w galerii spotykają się, aby tworzyć kompozycje. Jeśli wszyscy odwiedzający w danym momencie wykonają ten sam gest jednocześnie telefonami, mogą odblokować specjalny efekt dźwiękowy.
„Let's Get Lost” i „Listening Glass” są wspólnie wyświetlane w Muzeum Sztuki w Bowdoin College do 29 września 2019 r.
