Gene Davis spędził karierę w redakcjach od Washington Daily News przez United Press International po Fredericksburg Freelance Star, a nawet służył jako chłopiec tekstowy New York Times .
I chociaż jako hobby podjął się malarstwa abstrakcyjnego w latach 40. XX wieku i był prezentowany na kilku lokalnych pokazach, nigdy nie udało mu się poświęcić całego swojego czasu sztuce, dopóki po 35 latach dziennikarstwa w końcu nie zajął się nią w 1968 r.
„Pomysł, że kiedykolwiek zarabiałem na malowaniu, był dla mnie najdalszy” - powiedział w wywiadzie z 1981 roku.
Ale uderzył w coś - paradę kolorowych pasków od krawędzi do krawędzi - które nie tylko zyskały jego imię i zmieniły karierę, ale także stawiły go na czele jedynego dużego ruchu artystycznego emanującego ze stolicy kraju, Washington Color School.
Smithsonian Institution, który skorzystał z dużej ilości swojej pracy przekazanej muzeum po śmierci w 1985 roku w wieku 64 lat, mógł przegapić 50. rocznicę przełomowej wystawy „Washington Color Painters” w zeszłym roku, ale nadrabia to nowo otwarty „Gene Davis: Hot Beat” w Smithsonian American Art Museum.
W galerii ze ścianami, które zostały pomalowane tak jasno, jak najjaśniejszy żółty Davis, który wybrał do swoich prac, można zobaczyć 15 jego dużych płócien z lat 60. XX wieku, z których niektóre nie były publicznie dostępne od dziesięcioleci.
Gene Davis w pracy nad swoim obrazem Ścieżka Franklina, stworzonym na ulicy przed Muzeum Sztuki w Filadelfii w 1972 r. (Getty Images / Henry Groskinsky) Rezultatem jest szereg płóciennych rozmiarów płótna, których paski około cala (zwykle szerokość taśmy maskującej, która znacznie pomogła w ich tworzeniu) dość falują rytmem i nieoczekiwanym wzorem.
Podczas gdy niektóre dzieła rozciągają się na ponad 18 stóp, inne zaskakują swoim nietypowym rozmiarem, na przykład niektóre o szerokości półtora metra, ale wysokości siedmiu i pół metra.
Trzy zestawy pasiastego płótna o wysokości 9 cali i średnicy 91 cali przypominają bardziej pasmo, jakie znamy z tego wieku.
I choć jego malowidła w paski różniły się od wszystkiego innego w świecie sztuki abstrakcyjnej, tak jak ludzie oczekiwali ich więcej, poszedł zupełnie inną drogą, produkując w 1966 r. Dziesiątki „mikro obrazów”, które miały cal kwadratowy i były transportowane w puszkach Sucretsa . Umieszczono je losowo na sufitach i deskach podłogowych galerii, ale nigdy z metką, ponieważ był zbyt zawstydzony, by za nie płacić.
Fantazyjne nazwiska Davisa dla jego obrazów - między innymi Dr. Peppercorn, Gothic Jab i Raspberry Icicle - zostały zainspirowane kaprysem tytułów Paula Klee i powstały po ukończeniu obrazów.
I chociaż jego żywa aranżacja kolorów na pewno pochodzi z starannego planowania, Davis napisał w 1972 roku: „Nigdy nie planuję koloru więcej niż pięć pasków przed sobą i często zmieniam zdanie, zanim dojdę do trzeciego paska”.
Rzeczywiście, czasami kolor wynikał z tego, co było w jego studio DC. „Czasami po prostu używam koloru, który mam większość, i martwię się, że później nie będę miał kłopotów” - powiedział.
Wszystko wydawało się działać.
Davis miał wczesnego mentora u Jacoba Kainena, a następnie kuratora grafiki w Smithsonian i samego artysty. Kainen zabiera Davisa do Phillips Collection i Corcoran Gallery of Art w Waszyngtonie, aby omawiać sztukę współczesną i zachęcać.
Gene Davis, ca. 1982 (Archives of American Art) Chociaż pierwszy pokaz w galerii teatralnej Dupont Circle w 1961 r. Wywołał drwiny u niektórych widzów, którzy porównali jego obrazy z markizami lub narzutami, w 1962 roku Davis sprzedał swoją pierwszą grafikę pięciu poziomych desek.
Podobne dzieło znajduje się we wcześniejszych utworach zawartych w „Gene Davis: Hot Beat”, który trwa zaledwie osiem lat. Według kuratora konsultacji i przyjaciela Davisa, Jeana Lawlora Cohena, deski mogły wywrzeć wpływ na minimalistycznego rzeźbiarza Donalda Judda, który pozytywnie ocenił je na wystawie w Nowym Jorku w 1963 roku.
Ale Wall Stripes nr 3, jak to się nazywa, jest jedynym z większych dzieł z poziomymi, a nie pionowymi paskami, które stałyby się jego znakiem rozpoznawczym. Były, jak mówi Cohen, bardziej aspirujące w górę i nigdy nie zostaną pomylone z krajobrazem.
W pionowych paskach było też coś aspirującego, a ich często jasne kolory odzwierciedlały całą nadzieję. „Było coś, wspólny mianownik, który przeszedł w latach 60.”, powiedział ankieterowi w 1981 r. „To był ekscytujący okres. Era Kennedy'ego, optymizm był w powietrzu, podniecenie, bunt w kampusie. . . nie możesz wyizolować żadnego z nich. ”
Wpływowy krytyk sztuki Clement Greenberg wybrał Davisa razem z pokazem, w którym wystąpili także Frank Stella, Ellsworth Kelly i Kenneth Noland podczas wpływowego pokazu „Post-Painterly Abstraction” w Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles w 1964 roku. i świętował żywy kolor. I nagle nastąpił ruch i zmiana kariery.
Choć zyskiwał uwagę i pokazy w galerii dzięki swojej pracy, dopiero po otrzymaniu prowizji w wysokości 40 000 $ za 60-metrowy obraz do kolekcji sztuki Empire State Plaza w Albany rzucił swoją ostatnią stałą pracę, jako redaktor Magazyn AAA, aby skoncentrować się na malowaniu w pełnym wymiarze godzin.
Choć znany w świecie sztuki, niektóre z jego największych dzieł zniknęły całkowicie. Malował rotundę dwukrotnie w Corcoran Gallery of Art, co dało mu jedną z jego pierwszych wystaw i gdzie później uczył.
Namalował także blok Franklin's Footpath na ulicy prowadzącej do Philadelphia Art Museum w 1972 r. I jeszcze większy kawałek, Niagara na parkingu w Lewiston w stanie Nowy Jork w 1979 r., Który miał 43.680 stóp kwadratowych, największy obraz, jaki kiedykolwiek powstał czas.
Okazja nowego programu w Smithsonian oznaczała rozciągnięcie niektórych płócien, a niektóre poprawienie. Żywe żółte ściany pokazują, że Davis powiedział kiedyś, że szukał: „intensywności koloru, która prawie bolała”.
Zamieszki w kolorze są tak żywe, że przyjęcie na początku serialu obciążyło „Hot Beat Dance Party”.
„Gene Davis: Hot Beat” kontynuowane jest w Smithsonian American Art Museum w Waszyngtonie do 2 kwietnia 2017 r.
W 2007 r. Komisja ds. Sztuki i nauk humanistycznych w Waszyngtonie złożyła hołd artyście Geneowi Davisowi. Mokha Laget, asystentka Davisa, zaprojektowała obraz gigantycznych pasków na 8th Street NW (Wikimedia Commons / dbking)
