Ma 11 stóp wysokości - naprawdę - wieże - ponad widzem. Wybuch kolorów wybucha z piramidalnej ramy zawieszonej na czerwonych, zielonych, niebieskich i pomarańczowych koszach wykonanych z koralikowych agrafek. Pod nimi stoi pozbawiony twarzy manekin zakryty od stóp do głów w czarnym body w kolorze fuksji.
Na samej górze pièce de résistance: króliczek papier-mache, akcentowany w bawełniany różowy róż, z kreskówkowymi oczami i niejasnym, nieco niepokojącym uśmiechem. Króliczek trzyma jajko z napisem „Wesołych świąt”.
Osoby zaznajomione z twórczością Nicka Cave'a szybko rozpoznają to dzieło z 2009 roku jako jeden z jego charakterystycznych „Soundsuitów”, w którym znajduje się obszerna, trwająca dekady saga noszonych rzeźb wykonanych ze znalezionych przedmiotów.
Dzieło, obecnie oglądane w muzeum Hirshhorn, jest odwiecznym ulubieńcem zwiedzających. „To zabawne, trochę zabawne, przesadzone, a ludzie mogą się z nimi odnosić” - mówi kustosz Evelyn Hankins. „Myślę jednak, że najbardziej interesujące w pracy Cave'a jest to, że te kombinezony dźwiękowe są przeznaczone do noszenia. Są performatywne. ”
Cave, pochodzący z Missouri, który jest obecnie kierownikiem działu mody w School of the Art Institute of Chicago, studiował sztukę plastyczną i taniec jako młody człowiek. Otrzymał dyplom MFA od Cranbrook Academy of Art w Michigan w 1989 roku, ale spędził także czas w Nowym Jorku, studiując w Alvin Ailey American Dance Theatre.
Po pobiciu Króla Rodneya w 1991 r. Cave pewnego dnia znalazł się w parku, „czując się odrzuconym i odrzuconym” jako Afroamerykanin. Pochylił się i podniósł z ziemi gałązkę, a potem kolejną, łącząc je razem, jak to określił, jako próbę ochrony własnej tożsamości przed światem zewnętrznym.
Dopiero gdy forma zaczęła się kształtować, przyszła mu do głowy idea ruchu. „Właściwie to budowałem rzeźbę” - mówi. „I wtedy zdałem sobie sprawę, że mogę go nosić i że dzięki noszeniu i ruchowi był dźwięk. Doprowadziło mnie to do zastanowienia się nad tym, aby usłyszeć, że trzeba mówić głośniej, dlatego odegrała się rola protestu. Właśnie tak ewoluował Soundsuit. ”
Od tego czasu Cave wyprodukował ponad 500 powszechnie uznanych Soundsuitów w oszałamiającej gamie materiałów i sylwetek. Prace zaowocowały kilkoma publicznymi występami, w tym Heard Ÿ NY z 2013 roku w Grand Central Terminal.
Soundsuity ewoluowały przez dziesięciolecia, ale ich podstawowe zasady nie uległy zmianie. Wszystkie są zbudowane z znalezionych lub odrzuconych obiektów; ukrywają wszystkie wskaźniki rasy, płci lub klasy; i są przeznaczone do noszenia podczas występu, a przynajmniej do sugerowania idei wykonania, tak jak ma to miejsce w przypadku Hirshhorn.
Artyści używali znalezionych materiałów w swojej pracy od początku XX wieku, kiedy Pablo Picasso, Georges Braque i inni zaczęli włączać wycinki z gazet i inne przedmioty codziennego użytku do rzeźby, kolażu i zespołu. Cave kontynuuje ten styl, ostatnio faworyzując przedmioty rzemieślnicze w stylu vintage, które pozyskuje z rynków antykwarycznych w całym kraju i za granicą.
„Nie są tradycyjnymi materiałami artystycznymi, są zdecydowanie materiałami rzemieślniczymi” - mówi Hankins. „Zwykle w galeriach sztuki zwykle nie ma wielkich króliczków wielkanocnych.”
Jak się okazuje, to królik wielkanocny - a nie szkic czy plan - służył za podżegacz do tego konkretnego dzieła. „Uwielbiałem takie odniesienie do pewnego okresu w moim wychowaniu jako dziecko, wraz z moimi siedmioma braćmi i ubieraniem się na Wielkanoc oraz prowadzeniem tych niesamowitych, oburzających polowań na Wielkanoc na farmie… Ale czułem się w tym czasie jako dziecko że byłeś autentyczny i byłeś piękny i piękny, bo tak ci powiedziano. ”
Proces Cave'a jest bardzo intuicyjny i mówi, że kiedy postanowił umieścić króliczka na szczycie rzeźby, sztuka naprawdę zaczęła nabierać kształtu. W miarę upływu czasu zbierał nowe warstwy znaczenia, przywołując idee wiosny i odrodzenia, afrykańskiego rytuału pogrzebowego, rytmu, tożsamości, wysokiej i niskiej sztuki, koloru, ruchu i oczywiście dźwięku.
W rękach Cave'a przedmioty są cenione zarówno za wywoływaną przez nich tęsknotę, jak i za możliwość usunięcia ich z pierwotnego kontekstu. W muzeum nie oczekuje się gałązek, noisemakers, porcelanowych figurek ptaków ani wielkanocnych króliczków, ale widząc je jako część kombinezonu dźwiękowego, widz wyobraża sobie, jak materiały kołyszą się, dzwonią, szeleszczą lub stukają w zaskakujący sposób. Te przedmioty, które inaczej zostałyby odrzucone jako „niska sztuka”, wytwarzają zupełnie nowe doznania zmysłowe.
Kombinezon dźwiękowy Hirshhorna jest obecnie wystawiany w 40. rocznicy wystawy „At the Hub of Things”. Hankins mówi, że ona i współkuratorka Melissa Ho postanowiły zorganizować pokaz, grupując artystów z różnych epok wokół luźnych tematów. Soundsuit dzieli galerię z dziełami Christo, Claesa Oldenberga i Isa Genzken. Najstarszym dziełem jest Tama Roberta Rauschenberga, kombajn z 1959 roku stworzony w tym samym roku, w którym urodziła się Cave.
„Rauschenberg był oczywiście znany z tego, że mówił o chęci wypełnienia luki między sztuką a życiem - lub o pracy między nimi” - mówi Hankins. „Myślę, że jedną z rzeczy, z którymi zmagają się obecnie muzea, jest dokumentowanie i rejestrowanie wydajności, która z definicji jest ulotnym wydarzeniem. Podobnie jak Rauschenberg wypełnił lukę między sztuką a życiem codziennym, Cave wypełnia lukę między obiektami statycznymi a wydajnością. ”
„Zwykle w galeriach sztuki zwykle nie ma wielkich króliczków wielkanocnych” - mówi jeden z kuratorów Hirshhorn. (Nick Cave 2009 Soundsuit, Hirshhorn Museum) Praca Cave'a może zostać zapamiętana za zmuszanie świata sztuki do ponownego rozważenia tego podziału, ale to, co sprawia, że jego praca jest tak atrakcyjna, że porusza tak wiele różnych tematów. „Potrafi mówić o kolażu i asemblerze, mówić o przedstawieniu, mówić o autentyczności i oryginalności, roli artysty i oryginalności w sztuce i wszystkich innych rzeczach” - mówi Hankins. „I myślę, że to jeden z powodów, dla których Cave jest tak szanowany, ponieważ praca - szczególnie w przypadku naszego dzieła - wydaje się, że jest to po prostu trochę zabawne i kiczowate, ale w rzeczywistości jest to bardzo poważne zaangażowanie z tymi różnymi tematami i historią. ”
Cave mówi, że często był świadkiem porywającej rozmowy widzów na temat jego dzieła. Właśnie do tego dąży: „Chcę, aby widz mógł patrzeć na dzieło i rozmawiać o wielu rzeczach. Ale nie dotyczy to tylko jednego sposobu myślenia o obiekcie. Możemy o tym mówić jako przedmiot dekoracyjny. Możemy mówić o tym jako o formie rzeźbiarskiej. Możemy to rozbić i porozmawiać o poszczególnych elementach w ramach całości. Możemy mówić o wzorze. Możemy rozmawiać o kolorze. Możemy mówić o rytmie, dźwięku. Dlatego naprawdę staje się bardziej uniwersalny w swoim przesłaniu. ”
Ponad 20 lat po tym, jak Cave podniósł pierwszą gałązkę, emocjonalny impuls dla Soundsuitów jest bardziej istotny niż kiedykolwiek. Artysta twierdzi, że obecnie pracuje nad serią o Trayvon Martin do nadchodzącego programu w Detroit. Mówi, że planuje również zająć się niektórymi nowszymi przypadkami profilowania rasowego w miejscach takich jak Ferguson i Nowy Jork.
„Wszystkie te incydenty, które miały miejsce w ciągu ostatniego roku, były po prostu oburzające”, mówi Cave. „W tym momencie pracuję nad tym, co pozostawiam. Ale myślę, że ta praca nigdy się nie skończy. ”
Zobacz kombinezon dźwiękowy Nicka Cave'a, 2009 na wystawie Hirshhorna „W centrum rzeczy: nowe widoki kolekcji”, obecnie oglądanej na trzecim piętrze muzeum. Pokaz ukazuje świeże spojrzenie na dzieła sztuki współczesnej i współczesnej muzeum oraz prezentuje ostatnie remonty galerii. Na pewno na wystawie znajdą się instalacje na dużą skalę Spencera Fincha, Roberta Gober, Jannisa Kounellisa, Bruce'a Naumana i Ernesto Neto, a także obrazy i rzeźby Janine Antoni, Aligheiro e Boetti, Cai Guo-Qiang, Isa Genzken, Alfred Jensen i Brice Marden, między innymi.
