WILLEM DE KOONING WCIĄŻ OLŚNIEWA | KULTURA I SZTUKA | SMITHSONIAN - ARTYKUŁY, SZTUKA I KULTURA, SZTUKA I ARTYŚCI

W 1926 roku Willem de Kooning, bez grosza, 22-letni artysta komercyjny z Holandii, spakował frachtowiec do Ameryki. Nie miał dokumentów i nie mówił po angielsku. Po zacumowaniu statku w Newport News w stanie Wirginia wraz z kilkoma holenderskimi przyjaciółmi udał się na Nowy Jork. Początkowo jego nowy świat był rozczarowujący. „To, co widziałem, było rodzajem Holandii” - wspominał w latach sześćdziesiątych. „Niziny. Po co, do diabła, chciałem jechać do Ameryki? ”Jednak kilka dni później, gdy de Kooning przejeżdżał przez terminal promowy i kolejowy w Hoboken w stanie New Jersey, zauważył mężczyznę przy ladzie, który nalał kawy dla osób dojeżdżających do pracy, głaszcząc ją w linię filiżanek. „Po prostu nalał szybko, aby go wypełnić, bez względu na to, co się rozlał, a ja powiedziałem:„ Chłopcze, to Ameryka ”.

Z tej historii

[×] ZAMKNIJ

Pokazane tu dzieło Willema de Kooninga to Zowie Rutha z 1957 roku, polegające na ciągłym ulepszaniu: „Musisz się zmienić” - często powtarzał artysta - „aby pozostać niezmienionym”. (Kolekcja rodziny Ovitz, Los Angeles © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Wśród artystów, którzy pojawili się w latach 50. i 60., de Kooning, pokazany tutaj w 1953 r., Sprzeciwiał się kategoryzacji. (Tony Vaccaro / akg-images)

De Kooning studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Rotterdamie. „Trening klasyczny uwalnia cię od tego” - powiedział później o swojej abstrakcyjnej pracy. Na zdjęciu jego martwa natura z 1917 r., Ukończona w wieku 13 lat (kolekcja prywatna / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Na Manhattanie de Kooning wraz z Arshile Gorky w 1937 r. Przyciągnęli modernistyczni malarze. (Oliver Baker, fotograf. Papiery Rudi Blesh, Archives of American Art, Smithsonian Institution)

W latach czterdziestych de Kooning rozpoczął serię badań nad postacią kobiecą, zainspirowaną częściowo Elaine Fried, którą poślubił w 1943 r. (John Jonas Gruen / Archiwum Hultona / Getty Images)

Po II wojnie światowej awangardowe koło de Kooninga zbliżyło się do statusu celebrytów. Na zdjęciu grupa z życia 1950; de Kooning jest w tylnym rzędzie, daleko w lewo. (Nina Leen / Time Life Pictures / Getty Images)

Elementy figuralne interpunktują dwuznaczną przestrzeń na poddaszu, 1949 r., Jedną z serii powojennych czarno-białych kompozycji de Kooninga. Naukowiec Richard Shiff twierdzi, że nawet najbardziej abstrakcyjne prace artysty często „zaczynały się od odniesienia do postaci ludzkiej”. (The Metropolitan Museum of Art, NY / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Podczas gdy świat sztuki celebrował swoje abstrakcje, de Kooning skupił swoją energię na kobiecej postaci, pracując przez dwa lata na kobiecie I, 1950-52. „Piękno - powiedział artysta - staje się dla mnie rozdrażnione. Lubię groteskę. Jest bardziej radosna”. (The Museum of Modern Art, NY / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

De Kooning opuścił miasto w 1963 roku dla Springs na Long Island. Tutaj pokazano de Kooning w wieku 81 lat w swoim studio w 1985 roku. (© 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Późna praca De Kooninga czerpała inspirację z morza. Pokazano tutaj Clamdigger, 1972, który przywołuje zbieraczy plażowych. (© Willem de Kooning Revocable Estate Trust / Adagp - Zdjęcie: CNAC / MNAM Dist. RMN - Droits résrvés; (c) 2011 Fundacja Willem de Kooning / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Czyja nazwa została napisana w wodzie, 1975, de Kooning sugeruje powierzchnię oceanu. (Solomon R. Guggenheim Museum, NY / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Seated Man, 1939, Willem de Kooning. (Dar artysty przez Fundację Josepha H. Hirshhorna, 1972 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Queen of Hearts, 1943-1946, Willem de Kooning. (Dar Fundacji Josepha H. Hirshhorna, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Dostawa specjalna, 1946, Willem de Kooning. (Dar Fundacji Josepha H. Hirshhorna, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Woman / Verso: Untitled, 1948, Willem de Kooning. (Dar Fundacji Josepha H. Hirshhorna, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Untitled III, 1981, Willem de Kooning. (Częściowy prezent Josepha H. Hirshhorna, w drodze wymiany i zakupu muzeum, 1982 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Studia dla „Woman VI”, 1952, Willem de Kooning. (Prezent Josepha H. Hirshhorna, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Bez tytułu, 1949–1950, Willem de Kooning. (Prezent Josepha H. Hirshhorna, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Dwie kobiety w kraju, 1954, Willem de Kooning. (Prezent Josepha H. Hirshhorna, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Siedząca kobieta na ławce, 1972 / obsada 1976, Willem de Kooning. (The Joseph H. Hirshhorn Bequest, 1981 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)

Galeria zdjęć

powiązana zawartość

Dlaczego Elaine de Kooning poświęciła swoją niesamowitą karierę dla swojego bardziej znanego męża
Clyfford Still's Sublime Art
Wayne Thiebaud nie jest artystą pop

To też był de Kooning. Spośród malarzy, którzy pojawili się w Nowym Jorku na przełomie lat 40. i 50. - wśród nich Jackson Pollock, Mark Rothko i Barnett Newman - de Kooning, który zmarł w 1997 r., Pozostaje najtrudniejszy do schwytania: jest zbyt żywotny, niespokojny, jazzujący, niegrzeczny i nieprzewidywalny, aby zmieścił się w jednym konkretnym kubku. Przekroczył wiele granic sztuki, rozlewając się między abstrakcją a figuracją przez okres 50 lat - wyrażając różnorodne nastroje - nie troszcząc się o konwencje konserwatywne ani radykalne. Według Irvinga Sandlera, historyka sztuki, który opowiedział o rozwoju powojennej sztuki amerykańskiej, to de Kooning „był w stanie kontynuować wielką tradycję malarstwa zachodniego i obrócić ją w nowym kierunku, tworząc awangardowy styl, który przemówił do naszych czasów. ”

Retrospektywa de Kooning, która została otwarta w zeszłym miesiącu w Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) - po raz pierwszy poświęcona pełnemu zakresowi siedmioletniej kariery artysty - przedstawia bogaty, dopracowany obraz wielkiego amerykańskiego malarza. Dla emerytowanego kuratora Johna Elderfielda, który zorganizował pokaz, przedsięwzięcie było niezwykle osobiste: urok sztuki de Kooninga pomógł osiedlić się w Ameryce urodzonym w Anglii Elderfield. Twierdzi, że de Kooning jest malarzem oryginalności, który wynalazł nowy rodzaj nowoczesnej przestrzeni obrazowej, niejasności. Elderfield sugeruje, że De Kooning zachował zarówno rzeźbiarskie kontury, jak i „wypukłe, skręcające” płaszczyzny tradycyjnego malowania figur, a także płytki obraz współczesnej sztuki modernistycznej, znalezionej w kubistycznych dziełach, na przykład Picassa i Braque'a. De Kooning opracował kilka różnych rozwiązań tego problemu wizualnego, stając się artystą, który wydawał się nigdy nie przestawać poruszać i odkrywać. Był swoim, enigmatycznym zwrotem, „poślizgiem”.

W latach 50. de Kooning stał się najbardziej wpływowym malarzem swoich czasów. „Był artystą” - mówi Richard Koshalek, dyrektor Smithshian's Hirshhorn Museum, które ma jedną z największych kolekcji dzieł de Kooninga. „Miał wielki wpływ na bardzo szeroką gamę artystów.” Brice Marden, malarz, który był przedmiotem retrospektywy MoMA 2006, zgadza się: „Wychowałeś się na de Kooning. On był mistrzem. Był nauczycielem. ”Dla wielu był także postacią romantyczną o wyglądzie gwiazdy filmowej i egzystencjalnym pyszniakiem, gdy pił z Pollockiem w Cedar Tavern w Greenwich Village i przeniósł się z romansu do romansu.

Pomimo sukcesu de Kooning ostatecznie zapłacił cenę za niechęć do podążania za panującymi trendami. Jego ciągle zmieniająca się sztuka - a zwłaszcza jego hałaśliwy obraz kobiet - był coraz bardziej lekceważony przez jego krytyków i historyków sztuki. Elderfield sugeruje, że „nie pasował on łatwo do prac, które miały zachować znaną modernistyczną historię coraz bardziej wyrafinowanej abstrakcji”. Kuratorzy w MoMA uważali de Kooninga po 1950 r. Za upadającego malarza, o czym świadczy muzeum własna kolekcja, która jest znacznie silniejsza w Pollock, Rothko i Newman niż w de Kooning.

Kłótnia dobiegła końca: obecna retrospekcja poprawia sytuację. Zasięg De Kooninga wygląda teraz jak siła, a jego uwodzicielski styl - „uwodzicielski” to właściwe słowo, ponieważ jego pociągnięcie pędzlem jest pełne dotyku - oferuje malarską rozkosz rzadko spotykaną w sztuce naszych czasów.

De Kooning dorastał w pobliżu portu w trudnym Rotterdamie klasy robotniczej. Rzadko widywał ojca, Leenderta - jego rodzice rozwiedli się, gdy był małym chłopcem - i jego dominująca matka, Cornelia, która zajmowała się szeregiem barów, nieustannie przenosiła rodzinę w poszukiwaniu tańszych mieszkań. Regularnie go biła. Pieniądze były krótkie. W wieku 12 lat został uczniem w Gidding and Sons, eleganckiej firmie artystów i rzemieślników w sercu modnego Rotterdamu, specjalizującej się w projektowaniu i dekoracji. Wkrótce zwrócił uwagę właścicieli firmy, którzy namawiali go na zajęcia po pracy przez sześć nocy w tygodniu w Akademii Sztuk Pięknych w mieście.

W rezultacie de Kooning uzyskał mocne podstawy zarówno w komercyjnym designie, jak i klasycznych zasadach sztuki wysokiej. Był przedwczesny; retrospektywa w MoMA obejmuje niezwykłą Martwą naturę (1917), którą stworzył w Akademii w wieku 13 lat. Musiał się jednak utrzymać. W wieku 16 lat de Kooning wyruszył sam, krążąc po artystycznych obrzeżach Rotterdamu i podejmując pracę tu i tam. Zaczął też fantazjować o Ameryce, uważanej przez wielu w Europie za mityczną krainę drapaczy chmur, gwiazd filmowych i łatwych pieniędzy - ale nie o sztuce. De Kooning wspominał później, że schował się na frachtowcu, ale nie sądził, by w Ameryce byli poważni artyści.

W pierwszych latach pobytu w Ameryce, początkowo w Hoboken w stanie New Jersey, a następnie w Nowym Jorku, mieszkał podobnie jak w Rotterdamie, znajdując pracę jako artysta komercyjny i od czasu do czasu malując. Odkrył, że w Ameryce istnieli poważni artyści, z których wielu również podjęło pracę zarobkową, by przetrwać. Zaczął spędzać czas w kawiarniach, które lubili w Chelsea i Greenwich Village, rozmawiając o nocach przy filiżankach kawy z niklem. Prawie wszyscy, których znał, byli biedni; sprzedaż obrazu była rzadka. W tym środowisku trwałe zaangażowanie niektórych artystów - przede wszystkim przywiązanie Arshile Gorky'ego do tradycji malarstwa modernistycznego - wywarło wyraźny wpływ na de Kooninga.

Gorky, urodzony w Armenii imigrant, nie miał cierpliwości dla tych, którzy nie poświęcili się bez reszty sztuce. Nie miał też czasu dla tych, których uważał za prowincjonalnych lub małoletnich w swoich ambicjach, takich jak ci, którzy romantyzowali wiejską Amerykę lub atakowali niesprawiedliwość społeczną. („Sztuka proletariacka” - powiedział Gorky - „jest biedną sztuką dla biednych ludzi”). W opinii Gorkiego, jeśli mówisz poważnie, studiowałeś dzieła modernistycznych mistrzów, takich jak Picasso, Matisse i Miró, i dążyłeś do wyrównania lub poprawy ich osiągnięcie. Współcześni opisali pracownię Gorkiego na Union Square jako rodzaj świątyni sztuki. „Ogromne podekscytowanie 36 Union Square” - powiedziała Ethel Schwabacher, studentka i przyjaciółka Gorky'ego - „polegała na odczuciu, że przywoływała pracę tam wykonaną, pracę w toku, dzień i noc, przez długie lata pasji, zdyscyplinowania i poświęcenia wysiłek."

Przykład Gorkiego wraz z utworzeniem Federalnego Projektu Sztuki, który płacił artystom żywą pensję podczas Depresji, ostatecznie doprowadził de Kooninga do zaangażowania się w bycie pełnoetatowym artystą. W latach 30. Gorky i de Kooning stali się nierozłączni; trwające dyskusje na temat sztuki pomogły każdemu z nich stać się głównym malarzem. De Kooning, walcząc o stworzenie nowego rodzaju sztuki figuratywnej, często malował blady, melancholijny portret mężczyzn i, rzadziej, kobiet. Pracował i przerabiał zdjęcia, starając się pogodzić swój klasyczny trening z modernistycznymi przekonaniami. Mógłby pozwolić, aby zdjęcie opuściło studio, jeśli przyjaciel je kupił, ponieważ chronicznie brakowało mu gotówki, ale z obrzydzeniem odrzucił większość swoich płócien.

Pod koniec lat 30. de Kooning poznał młodą studentkę sztuki o imieniu Elaine Fried. Pobrali się w 1943 roku. Fried była nie tylko piękna, ale jej żywotność pasowała do rezerwy de Kooninga. Nigdy nie lekceważyła luksusów, lubiła mówić, że potrzeby same się załatwią. Jedna z jej przyjaciółek, artystka Hedda Sterne, opisała ją jako „odważną”. „Wierzyła w gesty bez żalu i zachwycała się własną spontanicznością i entuzjazmem” - powiedział Sterne. „Świetnie się bawiłem”, wspomina później Elaine. „Mam na myśli dużo zabawy.” Uważała także de Kooning za ważnego artystę - na długo przed tym, nim stał się jednym z nich - co mogło wzmocnić jego pewność siebie.

Świeże uczucie kobiecej postaci, niewątpliwie zainspirowane Elaine, zaczęło przechodzić przez sztukę de Kooninga. Kolor rozjaśnił się. Granice opadły. Wydawało się, że nie jest już ograniczony klasycznym treningiem: kobiety na obrazach groziły teraz wybuchem i rozpadem; odróżnianie postaci od ziemi stało się miejscami trudne. Artysta zaczynał opanowywać swoją niejednoznaczną przestrzeń. Wydawało się naturalne, że de Kooning, który instynktownie wolał ruch od bezruchu i nie uważał, że prawda o postaci leży tylko w jej wyglądzie powierzchni, zacznie przesuwać się wzdłuż kontinuum do przedstawienia. Jednak nawet jego najbardziej abstrakcyjne obrazy, jak zauważył badacz de Kooning Richard Shiff, „albo zaczęły się od odniesienia do postaci ludzkiej, albo połączyły elementy figuralne po drodze”.

Ruch De Kooninga pod koniec lat 40. XX wieku w kierunku mniej realistycznego przedstawienia postaci mógł częściowo wynikać z przybycia do miasta na początku dekady wielu znanych artystów z Paryża, w szczególności André Breton i jego kręgu Surrealiści, wszyscy uchodźcy z wojny. De Kooning nie był ogólnie fanem surrealizmu, ale nacisk ruchu na nieświadomy umysł, marzenia i życie wewnętrzne wzmocniłby jego własną niecierpliwość czysto realistycznym przedstawieniem świata. Surrealiści i ich patronka, towarzyska Peggy Guggenheim, zrobili wielki plus w Nowym Jorku. Ich obecność zainspirowała ambicje amerykańskich artystów.

Mimo to de Kooning pozostał na marginesie. Federalny Projekt Artystyczny już nie istniał i nie było żadnego rynku nowoczesnej sztuki amerykańskiej. W tym mrocznym okresie de Kooning rozpoczął wielką serię czarno-białych abstrakcji. On i jego bliski przyjaciel, malarz Franz Kline, nie mogąc sobie pozwolić na drogie pigmenty, pewnego dnia sławnie wyszedł i kupił niedrogą czarno-białą emaliowaną farbę do użytku domowego i (zgodnie z legendą) z rezygnacją z diabelskiej troski zaczął wydawać wielkie dzieła. Nie było to oczywiście takie proste. De Kooning przez wiele lat pracował nad tym momentem; i w pewnym sensie chwila go znalazła. Przerażenie związane z II wojną światową - i opowieściami o Holokauście wychodzącym z Europy - stworzyły nowe spojrzenie na de Kooninga i niektórych amerykańskich artystów o wielkiej, choć ponurej, metafizycznej skali. (Mieli także przed oczami, w MoMA, potężną, monochromatyczną Guernicę Picassa z 1937 r., Jego odpowiedź na faszystowskie bombardowanie hiszpańskiego miasta.) W przeciwieństwie do swoich współczesnych Europejczyków, Amerykanie nie mieszkali wśród ruin wojny, a oni wywodzi się z kultury, która świętowała bezkres Whitmanesque. De Kooning, którego miasto urodzenia zostało zmiażdżone podczas wojny, był Europejczykiem i Amerykaninem, dobrze przygotowanym do robienia obrazów o mrocznej wielkości. W 1948 roku, kiedy miał prawie 44 lata, wystawił swoje tak zwane „czarne i białe” w małej i mało odwiedzanej Galerii Egan. To był jego pierwszy solowy koncert. Sprzedano niewiele zdjęć, ale zostały one powszechnie zauważone i podziwiane przez artystów i krytyków.

Również pod koniec lat 40. XX wieku Jackson Pollock zaczął tworzyć legendarne abstrakcyjne „kroplówki”, które namalował na podłodze swojego studia, wplatając rytmiczne motki farby na płótnie. Obrazy Pollocka, również głównie czarno-białe, miały zupełnie inny charakter niż obrazy de Kooninga. Choć ogólnie abstrakcyjne, zawiłe obrazy de Kooninga pozostały pełne dostrzeżonych ludzkich części i gestów; Pollock przekazał transcendentne poczucie uwolnienia się od świata. Tytuły dwóch największych obrazów z czarno-białej serii de Kooninga, Attic and Excavation, sugerują, że artysta nie zamierza zapomnieć o tym, co świat chowa lub odkłada na bok. (De Kooning bez wątpienia lubił zmieniające się implikacje tytułów. Na przykład strych może odnosić się do rzeczywistego strychu, sugerować wysokość nieba lub przypominać starożytną Grecję.) Każdy obraz jest pełen figuratywnego incydentu - tutaj odwrócenie ramienia, obrzęk bioder, ale w żadnym z nich nie można dostrzec konkretnego ciała. „Nawet abstrakcyjne kształty” - powiedział de Kooning - „muszą mieć podobieństwo”.

De Kooning ukończył Excavation, swój ostatni i największy obraz w serii, w 1950 roku. Następnie reżyser MoMA, Alfred Barr, wraz z pracami Pollocka, Gorkiego i Johna Marina, reprezentował Stany Zjednoczone na Biennale w Wenecji - sygnałowy honor dla wszystkich czterech amerykańskich modernistów. Dziennikarze zaczęli to zauważać. Pollock był przedmiotem zdjęcia opublikowanego w magazynie Life w 1949 roku. Światło gwiazd zaczęło skupiać się na tym, co było niejasnym zakątkiem kultury amerykańskiej. Sidney Janis Gallery, która specjalizowała się w europejskich mistrzach, zaczęła teraz uznawać de Kooning i innych amerykańskich artystów za godnych następców Picassa lub Mondriana. Krytycy, kuratorzy i sprzedawcy dzieł sztuki coraz częściej zaczęli spierać się, że jeśli chodzi o sztukę, Nowy Jork był nowym Paryżem.

We wczesnych latach 50. De Kooning był malarzem o rosnącej renomie z abstrakcyjnym stylem blue-chip. Większość współczesnych wierzyła, że nadal będzie produkował obrazy w tym stylu. Ale w jednym z najbardziej sprzecznych i niezależnych działań w historii sztuki amerykańskiej porzucił swoje czarno-białe abstrakcje, aby ponownie skupić się głównie na kobiecej postaci. Walczył o jedno płótno przez prawie dwa lata, a jego przyjaciele coraz bardziej martwili się o jego dobre samopoczucie, gdy nieustannie poprawiał i zdrapywał obraz. W końcu odłożył obraz w rozpaczy. Dopiero interwencja wpływowego historyka sztuki Meyera Schapiro, który poprosił o obejrzenie go podczas wizyty w studio, przekonała de Kooninga do ponownego ataku na płótno - i doszedł do wniosku, że skończył Woman I (1950–52). Następnie, w krótkim odstępie czasu, ukończył kilka kolejnych obrazów kobiecych.

De Kooning opisał Kobietę I jako uśmiechniętą boginię - „raczej jak mezopotamscy idole”, powiedział, „który zawsze stoi prosto, spoglądając w niebo z tym uśmiechem, jakby byli po prostu zdumieni siłami natury… nie o problemach, jakie mieli ze sobą. ”Jego boginie były skomplikowane: jednocześnie przerażające i przezabawne, starożytne i współczesne. Niektórzy krytycy porównywali ich do hollywoodzkich bimbos; inni uważali je za dzieło mizoginisty. Rzeźbiarz Isamu Noguchi, przyjaciel de Kooninga, rozpoznał ich ambiwalencję: „Zastanawiam się, czy on naprawdę nienawidzi kobiet” - powiedział. „Być może za bardzo ich kocha”. Wiele komplikacji wynika z ulotnej mieszanki wulgarności i udoskonalenia pędzla de Kooninga. „Piękno - powiedział kiedyś de Kooning - staje się dla mnie rozdrażnione. Lubię groteskę. To jest bardziej radosne. ”

Nic dziwnego, że de Kooning wątpił, czy jego pokaz ostatnich prac w 1953 roku odniesie sukces, a ówczesny czołowy krytyk sztuki, Clement Greenberg, pomyślał, że de Kooning źle postąpił w serii Woman . Ku zaskoczeniu de Kooninga pokaz okazał się sukcesem, nie tylko wśród wielu artystów, ale także wśród publiczności coraz chętniej przyjmującej amerykańskie malarstwo.

De Kooning nagle stał się gwiazdą - prawdopodobnie pierwszą gwiazdą współczesnego amerykańskiego świata sztuki. Jedynym malarzem we wczesnych latach 50. o porównywalnym lub wyższym wzroście był Jackson Pollock. Ale Pollock, później popadający w zaawansowany alkoholizm, mieszkał głównie w Springs (wiosce niedaleko East Hampton na Long Island) i rzadko widywany na Manhattanie. W centrum uwagi znalazła się de Kooning, która stała się centrum ożywionej sceny. Wielu uważało go za nieodparty z jego holenderskim wyglądem marynarza, charakterystycznym złamanym angielskim i uroczym akcentem. Uwielbiał amerykański slang. Nazwałby obraz „wspaniałym”, a przyjaciela „gorącym ziemniakiem”.

W tym świecie cieplarnianym de Kooning miał wiele splątanych romansów, podobnie jak Elaine. (Rozstali się w latach 50., ale nigdy się nie rozwiedli.) Romans De Kooninga z Joan Ward, artystką komercyjną, doprowadził do narodzin w 1956 r. Jego jedynego dziecka, Lisy, któremu zawsze był oddany - chociaż nigdy nie stał się wielkim codziennego ojca. Miał także długi romans z Ruth Kligman, która była dziewczyną Pollocka i która przeżyła wypadek samochodowy w 1956 roku, w którym zginął Pollock. Kligman był zarówno początkującym artystą, który pragnął być muzą ważnego malarza, jak i duszną młodą kobietą, która przywoływała takie gwiazdy jak Elizabeth Taylor i Sophia Loren. „Naprawdę włożyła ołów do mojego ołówka” - powiedział słynny de Kooning.

Po serii Kobiety de Kooning opracował serię abstrakcji (najbardziej znany jest Poniedziałek Wielkanocny ), które uchwyciły szorstką atmosferę życia w Nowym Jorku w połowie wieku. W późniejszych latach 50. uprościł pociągnięcie pędzla. Teraz długie płótno farby zaczęło zamiatać płótno. Coraz więcej czasu spędzał w Springs, gdzie wielu jego przyjaciół miało letnie miejsca. Zdjęcia z późnych lat 50. często nawiązują do światła i koloru wsi, a jednocześnie zawierają elementy figuratywne. Ruth's Zowie (1957) ma swego rodzaju deklaratywny entuzjazm i pewność siebie. (Kligman podała tytuł, gdy weszła do studia de Kooninga i, widząc zdjęcie, wykrzyknęła „Zowie!”). Sam De Kooning nigdy nie nauczył się prowadzić samochodu, ale uwielbiał podróżować nowymi szerokimi amerykańskimi autostradami. W 1959 r. Świat sztuki oblegał otwarcie galerii tego, co czasami nazywa się jego autostradą: dużych, odważnie głaskanych krajobrazów.

De Kooning nigdy nie był w pełni wygodny jako celebrytka. Zawsze pozostał po części biednym chłopcem z Rotterdamu. (Kiedy został przedstawiony Pani Johnie D. Rockefeller III, która właśnie kupiła Kobietę II, wykrawał i ziewał, a potem wyrzucił z siebie: „Wyglądasz jak milion dolarów!”). Jak wielu współczesnych, zaczął dużo pić . U szczytu swojego sukcesu pod koniec lat 50. de Kooning był upijającym się alkoholikiem, czasem znikającym na dłużej niż tydzień.

W latach 50. wielu młodych artystów naśladowało de Kooninga; krytycy nazywali ich malarzami „drugiej generacji” - to znaczy wyznawcami pionierów takich jak de Kooning. Jednak w latach 60. świat sztuki szybko się zmieniał, gdy artyści Pop i Minimal, tacy jak Andy Warhol i Donald Judd, wnieśli fajną i znaną ironię do sztuki, która była obca bujnej wrażliwości de Kooninga. Ci młodzi artyści nie chcieli być „drugim pokoleniem” i zaczęli odrzucać twórczość starszego malarza jako zbyt niechlujną, osobistą, europejską lub, jak to ująłby de Kooning, stary kapelusz.

W 1963 roku, gdy de Kooning zbliżył się do wieku 60 lat, wyjechał z Nowego Jorku do Springs z Joan Ward i ich córką. Jego życie na Long Island było trudne. Dano go melancholii i nie podobało mu się, że był traktowany jak malarz pozostawiony przez historię. Nadal chodził na okresowych giętarki, co czasami kończyło się jego przyjęciem do szpitala Southampton. Ale jego sztuka rozwijała się w nowy, niezwykły sposób.

De Kooning zanurzył się w krajobraz Long Island. Zbudował duże, ekscentryczne studio, które porównał do statku, i stał się znaną postacią wokół Springs, jeżdżąc rowerem po piaszczystych drogach. Jego figuratywne dzieło z lat 60. było często niepokojące; jego zamiłowanie do karykatury i groteski, widocznej w „ Kobiecie I”, znaleziono także w tak naładowanych seksualnie dziełach, jak „Wizyta” (1966–1967), mokry i soczysty obraz uśmiechniętej kobiety żaby leżącej na plecach. Na jego bardziej abstrakcyjnych obrazach kobiece ciało i krajobraz coraz bardziej wtapiały się w luźną, wodnistą farbę.

De Kooning zaczął także tworzyć niezwykle dotykowe rzeźby figuratywne: Clamdigger (1972) wydawał się wyciągnięty z pierwotnego szlamu. Późniejsze obrazy, takie jak ... Czyje imię było napisane w wodzie (1975), były nie mniej wrażliwe na dotyk, ale nie miały tej samej zabłocenia. Ekstatyczne wybuchy wody, światła, odbicia, farby i wrażeń cielesnych - być może po części odzwierciedlenie pasji de Kooninga do ostatniej wielkiej miłości jego życia, Emilie Kilgore - obrazy wyglądają jak nic innego w sztuce amerykańskiej. A jednak pod koniec lat 70. de Kooning nagle i zazwyczaj zakończył serial. Powiedział, że zdjęcia przychodzą zbyt łatwo.

Również pod koniec lat 70. de Kooning zaczął wykazywać objawy demencji. Jego żona, Elaine, która wróciła do jego życia, zaczęła go uważnie monitorować. Coraz częściej, wraz z latami 80., zależało od asystentów, którzy poruszali płótnami i układali farby. Niektórzy krytycy dyskredytują coraz bardziej oszczędne obrazy z tego okresu. Elderfield z szacunkiem traktuje późny styl. W najlepszych późnych pracach de Kooning zdaje się podążać za jego dłonią, niepowtarzalnym pociągnięciem pędzla uwolnionym od wszelkich obciążeń, a jednocześnie żywym jak zawsze. „Potem jest czas w życiu”, powiedział w 1960 roku, znudzony Nowym Jorkiem, „kiedy po prostu idziesz na spacer: i spacerujesz we własnym krajobrazie”.

De Kooning zmarł 19 marca 1997 r. W swoim studiu na Long Island, w wieku 92 lat. Przebywał ogromny dystans podczas swojego długiego życia, przemieszczając się między Europą i Ameryką, starym mistrzem i modernistą, miastem i wsią. Sztuka De Kooninga, powiedział malarz Robert Dash, „zawsze wydaje się, że żegna się”. Sam De Kooning lubił mówić: „Musisz się zmienić, aby pozostać niezmienionym”.

Mark Stevens jest współautorem, wraz ze swoją żoną Annalyn Swan, laureata nagrody Pulitzera de Kooning: An American Master .