Filippo Tommaso Marinetti był pierwszym artystą w epoce nowożytnej, który myślał o przygotowywaniu i spożywaniu jedzenia jak o sztuce. Awangardowy ruch futurystyczny, utworzony przez Marinetti i innych artystów w Mediolanie w 1909 roku, obejmował epokę przemysłową i wszystkie rzeczy mechaniczne - od samochodów i samolotów po metody produkcji i planowanie miasta. Myśleli, że gotowanie i jedzenie, tak ważne dla codziennego życia każdego, powinny być również kluczowe dla ich dalekowzrocznych, dalekich ideałów.
Powiązane odczyty
Arcimboldo
Kupowaćpowiązana zawartość
- Lobby mleczne z lat 70. XIX wieku zmieniło margarynę na różową, aby ludzie kupowali masło
W 1932 roku Marinetti opublikował książkę Futurist Cookbook . To nie był tylko zbiór przepisów; to był rodzaj manifestu. Przygotowywał jedzenie i spożywał jedzenie jako część nowego światopoglądu, w którym rozrywkowe występy stały się awangardowym występem. Książka zaleciła niezbędne elementy doskonałego posiłku. Takie posiłki musiały cechować się oryginalnością, harmonią, rzeźbiarską formą, zapachem, muzyką między daniami, kombinacją potraw i różnorodnymi smakami małych kanapek. Kucharz miał użyć zaawansowanego technologicznie sprzętu do przygotowania posiłku. Nie można było dyskutować o polityce, a jedzenie musiało być przygotowane w taki sposób, aby jedzenie nie wymagało srebra.
Rozważania Marinettiego nie mogły przewidzieć roli, jaką jedzenie będzie odgrywać w sztuce prawie sto lat później. Współcześni artyści używali jedzenia do wyrażania poglądów: politycznych (zwłaszcza feministycznych), ekonomicznych i społecznych. Otwierali restauracje jako projekty artystyczne, prowadzili przedstawienia, w których jedzenie jest przygotowywane i podawane w galeriach, a także wytwarzali wyszukane rzeźby z jadalnych materiałów, takich jak czekolada i ser. Przerażające, jak mogłoby się wydawać Marinetti, niektórzy artyści przyjmują nawet jedzenie jako odrzucenie wszystkich i wszystkiego, co ma obsesję na punkcie przyszłości.
Patrząc wstecz, jedzenie zawsze odgrywało ważną rolę w sztuce: malarze jaskiniowi z epoki kamienia używali soków roślinnych i tłuszczów zwierzęcych jako wiążących składników w swoich farbach, a Egipcjanie rzeźbili piktogramy upraw i chleba na hieroglificznych tabliczkach. Podczas renesansu Giuseppe Arcimboldo, malarz dworu Habsburgów w Wiedniu, a później dworu królewskiego w Pradze, malował kapryśne portrety przypominające puzzle, w których rysy twarzy składały się z owoców, warzyw i kwiatów.
Kiedy myślę o jedzeniu i sztuce, intuicyjnie przypominam sobie wielkie, piękne martwe natury holenderskiego złotego wieku, które po raz pierwszy spotkałem na lekcji historii sztuki w renesansie północnym. Na tych wspaniałych obrazach każda powierzchnia, od lśniących pierzastych płaszczy kaczych tusz na błyszczących srebrnych półmiskach, po zroszoną skórkę owoców i jagód, jest starannie odwzorowana, aby stworzyć iluzję, że święto siedzi tuż przed widzem. W XVI wieku takie obrazy świadczyły o bogactwie i intelektualnym zaangażowaniu właścicieli. Przedstawione jedzenie miało symboliczne znaczenie, często związane z tekstami biblijnymi, a sposób, w jaki przedmioty zostały ułożone - i które zostały zużyte - przekazał komunikat o ulotnej naturze czasu lub potrzebie umiarkowania.
Jako młody artysta studiowałem masywne renderingi jabłek i pomarańczy Cezanne'a. Dla malarzy postimpresjonistycznych, takich jak Cezanne, obserwacja z życia była zaledwie początkiem w dużej mierze wyobraźni. Cenili żywe kolory i żywe pociągnięcia pędzlem nad hiperrealizmem z przeszłości.
W epoce pop-artu jedzenie stało się metaforą społeczną. Wayne Thiebaud pomalował rzędy ciast i ciast w jasnych pastelowych kolorach, które przywodziły na myśl reklamy i zabawki dla dzieci. Jego aranżacje, przypominające pokazy podczas kolacji, a nie domowe cechy życia prywatnego, odzwierciedlały wędrowne społeczeństwo, w którym wystawne desery oznaczały amerykańską obfitość.
Ten artykuł jest wybrany z naszego kwartalnika „Smith of Food Travel”, kwartalnika o problemach z jedzeniem
Każda kultura ma swoją kuchnię, a każda kuchnia ma swoją tajną historię. To specjalne wydanie Journeys zapewnia dogłębne spojrzenie na żywność i kulturę kulinarną na całym świecie, w tym pogłębione historie i ulubione przepisy.
KupowaćMniej więcej w tym samym czasie artyści zaczęli wykorzystywać prawdziwe jedzenie jako materiał artystyczny. W 1970 roku sardoniczny szwajcarsko-niemiecki artysta Dieter Roth, znany również jako Dieter Rot, stworzył utwór „Staple Cheese (A Race)” - gra słów w „Steeplechase” - który składał się z 37 walizek wypełnionych serem i innych serów prasowanych na ściany z zamiarem, że będą kapać lub „ścigać się” w kierunku podłogi. Kilka dni po otwarciu wystawy w Los Angeles wystawa wywołała nieznośny odór. Galeria została opanowana przez robaki i muchy, a inspektorzy zdrowia publicznego zagrozili jej zamknięciem. Artysta oświadczył, że owady były w rzeczywistości jego zamierzoną publicznością.
Feministyczne artystki z przełomu lat 60. i 70. XX wieku postrzegały amerykańskie relacje z jedzeniem w kategoriach ograniczeń, jakie nakładają na kobiety. Feministki twierdziły, że osobiste - w tym najbardziej przyziemne aspekty życia codziennego - były polityczne. W 1972 r. Miriam Schapiro i Judy Chicago wynajęły pusty dom z 17 pokojami w Los Angeles, który został zaplanowany do rozbiórki, i przekształcił go w ogromną instalację artystyczną. Schapiro i inne artystki stworzyły wciągającą instalację w jadalni, naśladując proces, którym podążają dziewczyny przy dekorowaniu domków dla lalek. Ich projekt, zarówno spektakl, jak i instalacja, potępił podwójny standard społeczeństwa - rozbieżność oczekiwań i możliwości dla mężczyzn i kobiet. Podczas gdy chłopcy byli szkoleni, aby odnieść sukces na świecie, dziewczęta miały utrzymywać dom dla swoich mężów. Później feministki, takie jak Elizabeth Murray, sugerują, że kobiety są wystarczająco potężne, aby poradzić sobie zarówno ze światem, jak i domem w pracach takich jak „Malowanie kuchni” (1985), w których globby łyżka przymocowana do postaci kierującej kuchnią wydaje się uciekać płaszczyznę obrazu i zmierz się z widzem.
W 1974 r. Chicago po raz kolejny podjęła temat jadalni, kiedy rozpoczęła „The Dinner Party”, konceptualny tour de force, który obecnie mieści się w Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, w Brooklyn Museum. Wraz z zespołem utalentowanych rzemieślników, w ciągu kilku lat Chicago stworzyło 48-metrowy trójkątny stół obiadowy z nakryciem dla 39 ważnych kulturowo kobiet, niektóre prawdziwe i mityczne, od prehistorii po współczesny ruch kobiecy. Każde ustawienie zawiera ręcznie robioną serwetkę, ceramiczny talerz, kielich i bieżnik, wszystkie z ikonografią dostosowaną do konkretnej kobiety. Gdy linia czasu zbiega się z teraźniejszością, płyty stają się coraz bardziej trójwymiarowe, symbolizując rosnącą wolność i siłę polityczną kobiet.
W latach 90. wielu artystów przyzwyczaiło się do osobistej alienacji, która wynikałaby z wprowadzenia komputera domowego i innych działań opartych na ekranie. Aby zaradzić rodzącej się anomii, niektórzy zainaugurowali dyscyplinę „estetyki relacyjnej” - znaną mniej niejasno jako „rzeźbę społeczną” - zgodnie z którą interakcja człowieka, w tym wspólne jedzenie, była pomyślana jako forma sztuki sama w sobie. Jednym z najwybitniejszych praktyków był Rirkrit Tiravanija, który zaczął gotować i podawać widzom jedzenie w galeriach, pozostawiając garnki, patelnie i brudne naczynia w galerii na czas swoich wystaw.
Dziś początkujący artyści wciąż uczą się malować martwe natury owoców i warzyw. Wielu później odwraca się od malarstwa, aby zająć się nowszymi, bardziej eksperymentalnymi mediami, ale artyści skoncentrowani na jedzeniu często nadal wierzą w siłę pigmentu na płótnie. Dobrym przykładem są nowojorscy malarze Gina Beavers, Walter Robinson i Jennifer Coates. Bobry przeczesują Internet w celu fotografowania jedzenia, które następnie łączy w wieloczęściowe kolaże i obrazy na dużych płótnach. Robinson jest zajęty whisky, cheeseburgerami i innymi przedmiotami tęsknoty. Coates koncentruje się na fast foodach, tworząc obrazy, w których s'mores, ser mac 'n' i pizza przybierają abstrakcyjne formy. Ogólnie rzecz biorąc, we współczesnej sztuce żywności istnieje zdrowe napięcie między tradycją a ikonoklazmem. Około 85 lat po publikacji książka kucharska Marinetti wciąż wydaje się wyprzedzać, choć być może nie za daleko.
