Z opisu druku teraz, w 2017 roku, brzmi idealnie tradycyjnie. Czarno-biała akwaforta na papierze, forma sztuki, która istnieje już od 500 lat. Portret kobiety W tle prawdopodobnie jakieś domowe wnętrze. Prosty tytuł, American Girl .
Ale w 1974 r., Kiedy artystka Emma Amos stworzyła „ American Girl”, teraz znajdującą się w zbiorach Smithsonian American Art Museum, kraj roi się od ruchów protestów społecznych - dla wyzwolenia kobiet, dla Czarnej Mocy, dla praw LGBT, dla praw rdzennych Amerykanów. Raz uciszone grupy domagały się, aby je zobaczyć i usłyszeć. Artyści poparli te protesty nie tylko marszem i pisaniem, ale także sztukami wizualnymi. Czarni artyści dyskutowali, czy określone media lub style podnoszą rasową sprawiedliwość.
Na przykład Romare Bearden pracował od lat w kolażu, częściowo po to, aby nadać znaczenie wizerunkom prawdziwych czarnych osób. Debata dotyczyła tego, czy dopuszczalne jest bycie malarzem abstrakcyjnym, czy też praca czarnych artystów „musiała w jakiś sposób dotyczyć czarnych przeżyć”, najprawdopodobniej poprzez przedstawianie czarnych ludzi, mówi Alex Mann, kustosz muzeum, druki i rysunki . Niektórzy artyści w tym czasie szukali inspiracji w Afryce i starali się tworzyć sztukę dla i na temat mieszkańców Afryki na całym świecie. Inni wykonywali prace, które były jawnie polityczne lub radykalne, od rzeźby w postaci koktajlu Mołotowa skierowanej do cioci Jemimy po grafiki i plakaty wzywające do działania.
American Girl jest cichszą i bardziej osobistą pracą niż większość swojego czasu. Istnieją jednak niezliczone sposoby na wypowiedź społeczną artysty. Sama Amos wykonałaby bardziej otwarcie działalność polityczną. Mówi Mann: „Czasami mówisz krótkimi zdaniami, a czasem używasz poezji”.
Amos był dostosowany zarówno do ruchu na rzecz praw obywatelskich, jak i do rosnącego ruchu kobiet. Urodzona w 1938 r., Dorastała w rodzinnym mieście Martina Luthera Kinga Jr., segregowała Atlanty, gdzie „nie byłaby mile widziana w muzeum”, mówi Mary Ryan, współwłaścicielka Ryan Lee Gallery w Nowym Jorku, która reprezentuje Amos dzisiaj. (Sama artystka nie jest już dostępna do przeprowadzania wywiadów, ale niektóre jej prace od lat 80. do 2010 są dostępne w galerii do połowy grudnia). Wkrótce po tym, jak Amos przeprowadził się do Nowego Jorku na początku lat 60., grupa wybitni czarni artyści utworzyli kolektyw Spiral, aby omówić najlepsze sposoby, w jakie ich praca może wspierać sprawę sprawiedliwości rasowej. Zaprosili Amosa, aby do nich dołączył, jako najmłodszy członek grupy i jedyna kobieta.
Feministyczna historyk sztuki, Linda Nochlin, zmarła w zeszłym miesiącu, napisała przełomowy artykuł w 1971 r. „Dlaczego nie było wielkich artystek?”, O barierach społecznych napotykanych przez kobiety podczas zostawania artystami. Jako czarna kobieta Amos stawiała czoła tym przeszkodom i nie tylko. Próbowała znaleźć pracę jako nauczycielka sztuki w Nowym Jorku, ale wielokrotnie odmawiała, ponieważ, jak mówi Mann, była „młoda, żeńska, czarna”. Zdawał sobie sprawę, jak mówi, „że biali artyści, a zwłaszcza biali artyści, nie byli narażeni na te same wyzwania. ”Starała się, aby jej głos został usłyszany, odkrywając, że w galeriach rzadko pokazywano obrazy czarnych artystów. Bez miejsca, w którym mogłaby pokazać swoją pracę, kusiło ją, by całkowicie rzucić malarstwo, mówiąc ankieterowi: „Martwi mnie fakt, że utknę więcej obrazów. . . Robię je bez powodu. Nikt ich nigdy nie widział. ”
W 1974 roku, kiedy stworzyła American Girl, Amos zaczął odrywać się od grupy Spiral, pytając „czy starsi mężczyźni, czarni artyści, którzy ją wspierali, traktowali ją poważnie i oferowali jej pełne możliwości”, mówi Mann. Kilka lat później Amos dołączyła do kolektywu sztuki feministycznej Heresies, a później podobno stała się jedną z anonimowych działaczek świata sztuki, Guerrilla Girls.
American Girl jest częścią portfolio „Impressions: Our World, Vol. 1 ”, co stanowi samo w sobie stwierdzenie. Wykonany z odbitek siedmiu czarnych artystów, zarówno mężczyzn, jak i kobiet, został wyprodukowany w warsztacie graficznym, prowadzonym przez afroamerykańskiego artystę Roberta Blackburna. Znaczące było to, że grupa czarnych artystów sama zorganizowała projekt. Wielu w tym czasie protestowało przeciwko temu, że muzea nie uwzględniły pracy Afroamerykanów, a czarni artyści szukali „głosu w określeniu kontekstu, w którym [ich] praca [była] pokazywana”, mówi Evelyn Hankins, starszy kustosz w Smithsonian's Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. Wszystkie wydruki w portfolio są czarno-białe, w tym samym kolorze, który wybrała Spiral, ze względu na rasową konotację, na wystawę grupy w latach 60.
Jak powiedziała Emma Amos (powyżej w 2011 r.): „Dla mnie artystka czarna kobieta, wejście do studia, jest aktem politycznym.” (Becket Logan) Wybory Amosa również wydają się wymowne. W tym czasie przedstawianie jakiejkolwiek czarnej postaci, a zwłaszcza czarnej kobiety - postaci prawie niewidocznej w historycznym kanonie europejsko-amerykańskim - może być postrzegane jako komentarz społeczny. Amos przedstawia kobietę najwyraźniej nagą, jakby chciała uczynić ją w pełni widoczną; Ryan mówi, że Amos „zawsze interesował się pięknem czarnego ciała”. Różnorodne bogactwo czarnego tuszu we włosach, ciele i twarzy kobiety również odzwierciedla wybory. „Za każdym razem, gdy myślę o kolorze, jest to oświadczenie polityczne” - powiedział kiedyś Amos. Jako artyści „zawsze mówimy o kolorze, ale kolory to także kolory skóry, a sam termin„ kolorowy ”- wszystko to dla mnie znaczy coś innego. Musisz wybrać, jako czarny artysta, jaki kolor chcesz stworzyć. . . toffi, brązowy lub naprawdę czarny. ”Głębokie odcienie podkreślają blade, ostrożne oczy kobiety i białą linię, która oddziela ją od otoczenia. Dla Hankins wygląda na „oddzieloną lub odizolowaną od świata, może kwestionującą swoje miejsce na świecie”.
Temat pracy Amosa może wydawać się osobisty, a nawet intymny, ale w 1974 r. Wyrażenia takie jak „osobisty jest polityczny” i „czarny jest piękny” były okrzykami protestujących ruchów. Trudno byłoby zobaczyć taką pracę bez przeczytania w niej jakiejś wiadomości. Kelli Morgan, kuratorka Akademii Sztuk Pięknych w Pensylwanii, która studiowała późniejsze dzieła Amosa, postrzega American Girl jako „przedstawienie czarnej kobiety jako fundament społeczeństwa amerykańskiego”. Dodaje: „Jako historyk czytam jest to wypowiedź społeczno-polityczna. ”Jak sama Amos powiedziała kilka lat później:„ Dla mnie artystka czarna kobieta, wejście do studia, jest aktem politycznym ”.
A potem tytuł pracy, American Girl . Co to znaczy nazywać tę kobietę dziewczyną? W 1974 r. Nastąpiło wyzwolenie kobiet, a feministki argumentowały, że słowo „dziewczyna” jest poniżające. Jeśli chodzi o „amerykańskich”, czarni artyści od pewnego czasu dekonstruują jego znaczenie. W odpowiedzi na przemoc z końca lat 60. Faith Ringgold namalowała flagę ze słowami „Die N *****” ukrytymi w gwiazdach i paskach. W 1964 r. Lois Mailou Jones zajęła się relacjami rasowymi z Challenge — America, kolażem przedstawiającym czarnych bohaterów, prezydentów USA, wycinki z wiadomościami i słowo „America” przewijające się przez nich jak nić. W American Girl Amosa Morgan widzi echo amerykańskiej flagi w kształcie pionowych pasków i białych plam na ciemnym tle.
Wtedy i teraz, jak mówi Hankins, działa tak, jak podnoszą „pytanie, co to znaczy być Amerykaninem”.
Dodaje: „Wydaje się, że z tym problemem bardzo się zmagamy”.
American Girl jest obecnie niedostępna. Wystawa Galerii Ryana Lee „Emma Amos: Czarne ciała” jest dostępna do 16 grudnia 2017 r. Przy 515 West 26th Street, Nowy Jork, Nowy Jork.
